美國電影院
美國電影院 (好萊塢) ![]() | |
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屏幕編號 | 40,393 (2017) |
• 人均 | 每100,000(2017)14 |
主要分銷商 | |
製作的故事片(2016) | |
虛構 | 646 (98.5%) |
動畫 | 10 (1.5%) |
入學人數(2017年) | |
全部的 | 1,239,742,550 |
• 人均 | 3.9 (2010) |
總票房(2017年) | |
全部的 | 111億美元 |
自20世紀初期以來,美國的電影院主要由主要電影製片廠(也稱為好萊塢,也稱為好萊塢)以及一些獨立的電影組成,對全球電影業產生了很大影響。美國電影院的主要風格是古典好萊塢電影院,該電影從1910年到1962年發展,並且仍然是大多數電影到今天製作的電影。儘管法國人奧古斯特(Auguste)和路易斯·盧西埃(LouisLumière)通常會因現代電影的誕生而被認為是美國電影的誕生,但很快就成為了新興行業的主要力量。截至2017年,它在亞洲大陸(包括印度,日本,包括Kaiju和Nime Films and China)在內的亞洲大陸的電影之後,製作了任何國家電影院的第四大電影,包括600多部英語電影平均每年發布。儘管英國,加拿大,澳大利亞和新西蘭的國家電影院也以相同的語言製作電影,但它們並不是好萊塢系統的一部分。因此,好萊塢也被認為是跨國電影院,並且製作了一些語言版本的某些標題,通常是西班牙或法語。當代好萊塢經常將生產外包給英國,加拿大,澳大利亞和新西蘭。好萊塢的主要電影製片廠是世界上最成功,最暢銷門票最多的電影的主要來源。
好萊塢被認為是最古老的電影界,這是最早的電影製片廠和製作公司出現的地方。它是各種電影院的發源地,他們是喜劇,戲劇,動作,音樂,浪漫,恐怖,科幻小說和史詩般的發源地 - 並為其他國家電影行業樹立了榜樣。
1878年, Eadweard Muybridge展示了攝影捕捉運動的力量。 1894年,使用托馬斯·愛迪生(Thomas Edison )的動力學鏡,在紐約市舉行了世界上第一個商業電影展覽。在接下來的幾十年中,無聲電影的製作大大擴展,製片廠形成並遷移到加利福尼亞,電影和他們所講的故事變得更長。 1927年,美國製作了世界上第一部同步的音樂電影《爵士歌手》,並在隨後的幾十年中處於Sound-Film Development的最前沿。自20世紀初以來,美國電影業主要位於以加利福尼亞州洛杉磯縣好萊塢社區為中心的30英里區域。 DW Griffith導演是電影語法發展的核心。奧森·威爾斯(Orson Welles)的《公民凱恩》(Citizen Kane ,1941年)在評論家的民意調查中經常被認為是有史以來最偉大的電影。
好萊塢票房最高的電影中的許多電影在美國以外的票房收入和門票銷售額多於其他地方。美國是電影工程和技術的領先先驅。
歷史
起源和李堡

捕獲和復制動作的照片的第一個錄製實例是一系列跑馬的跑馬的照片,他使用一組靜止的攝像頭連續放置在加利福尼亞州的帕洛阿爾托,並將其攝於加利福尼亞州的帕洛阿爾托。穆布里奇(Muybridge)的成就導致各地發明家試圖製造類似的設備。在美國,托馬斯·愛迪生(Thomas Edison)是最早生產這種設備動力學的人之一。

美國電影的歷史可以追溯到東海岸的根源,曾經是新澤西堡李堡,是美國的電影之都。該行業在19世紀末開始了,隨著托馬斯·愛迪生(Thomas Edison)的“黑人瑪麗亞(Black Maria )”的建設,這是新澤西州西奧蘭治的第一個電影製片廠。哈德遜河和哈德遜帕利薩德斯(Hudson Palisades)上的城鎮的土地價格比整個河上的紐約市少得多,並且由於20世紀初電影業的驚人增長而受益匪淺。
該行業開始吸引資本和創新的勞動力。 1907年,當卡勒姆公司(Kalem Company)開始使用李堡(Fort Lee)作為該地區拍攝的地點時,其他電影製片人很快就隨之而來。 1909年,冠軍電影公司環球影城的先驅,建造了第一家工作室。其他人很快就跟隨,並在李堡建造了新的工作室或租賃設施。在1910年代和1920年代,電影公司,諸如獨立動機公司, Peerless Studios , Solax Company , éclairStudios,éclairStudios , Goldwyn Pictures Corporation , AmericanMéliès (星際電影),世界電影公司,傳記工作室,Fox Film Corporation, Fox Film Corporation , Pathéfrères , Metro Pictures Corporation , Victor Film Company和Selznick Pictures Corporation都在Lee堡拍照。瑪麗·皮克福德(Mary Pickford)從傳記工作室開始的著名人物。
在紐約,馬克思兄弟和WC Fields使用了皇后時代的Kaufman Astoria Studios 。愛迪生工作室位於布朗克斯。曼哈頓切爾西也經常使用。其他東部城市,最著名的是芝加哥和克利夫蘭,也是電影製作的早期中心。在西部,加利福尼亞已經很快成為了主要電影製作中心。在科羅拉多州,丹佛是Art-O-Graf電影公司的所在地,沃爾特·迪斯尼(Walt Disney )的早期Laugh-o-gram Animation Studio位於密蘇里州的堪薩斯城。佛羅里達州的Picture City是1920年代電影製作中心的計劃中,但由於1928年Okeechobee Hurricane ,這個想法崩潰了, Picture City回到了Hobe Sound的原始名稱。在底特律建立電影製作中心的嘗試也沒有成功。
20世紀初期的電影專利戰爭有助於促進電影公司在紐約以外的美國其他地區的傳播。許多電影製片人與他們沒有使用權的設備合作。因此,在紐約拍攝可能很危險,因為它靠近愛迪生公司的公司總部,並靠近公司打算抓住相機的代理商。到1912年,由於該地區的全年天氣良好,大多數主要電影公司在南加州或洛杉磯的南加州建立了生產設施。
好萊塢的崛起

1908年,由弗朗西斯·博格斯(Francis Boggs )和霍巴特·博斯沃思(Hobart Bosworth)執導的蒙特克里斯托(Monte Cristo)伯爵(Selig Polyscope Company)的製作據稱是第一個在1907年在洛杉磯拍攝的,1907年,一塊牌匾在1957年在迪爾登的旗艦商店在1957年在紐約市宣布。在大街和第七街的拐角處,在中國洗衣店時在現場進行拍攝。博斯沃思(Bosworth)的遺ow建議,這座城市的日期和地點錯誤,這部電影實際上是在附近的威尼斯拍攝的,當時這是一個獨立的城市。博格斯(Boggs)在蘇丹(Sultan)對塞利格·波利斯科(Selig Polyscope)的力量中也是由博斯沃思(Bosworth)主演的,被認為是完全在洛杉磯拍攝的第一部電影,1909年在第七街拍攝和橄欖街拍攝。
1910年初, DW Griffith導演被傳記公司派往西海岸,他的代理團由演員Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore等人組成。他們開始在洛杉磯市中心佐治亞街附近的一個空地上拍攝。在那裡,該公司決定探索新的領土,向北幾英里前往好萊塢,這是一個友好的小村莊,喜歡在那裡拍攝的電影公司。格里菲斯隨後拍攝了有史以來在舊加利福尼亞州好萊塢拍攝的第一部電影,這是19世紀關於加利福尼亞的傳記情節,當時它屬於墨西哥。格里菲斯(Griffith)在那里呆了幾個月,並在返回紐約之前拍了幾部電影。同樣在1910年,芝加哥的Selig Polyscope在Edendale的洛杉磯地區建立了第一家電影製片廠,並於1912年開業。托馬斯·愛迪生(Thomas Edison)在電影製作過程中擁有專利的費用。新澤西州Bayonne的Nestor Studios於1911年在好萊塢社區建造了第一家工作室。NestorStudios,由David和William Horsley擁有,後來與環球影城合併;威廉·霍斯利(William Horsley)的另一家公司好萊塢電影實驗室現在是好萊塢現有最古老的公司,現在稱為好萊塢數字實驗室。加利福尼亞更熱情好客,更具成本效益的氣候導致到1930年代,幾乎所有電影製作到西海岸的轉變。當時,托馬斯·愛迪生(Thomas Edison)幾乎擁有與電影製作的電影製作和電影製片人有關的所有專利,而在西海岸工作的電影製片人可能會被愛迪生的電影專利公司獨立起作用,而Edison的電影專利公司經常被Edison及其代理商起訴。獨立於愛迪生的控制工作。
在洛杉磯,工作室和好萊塢成長。第一次世界大戰之前,電影是在美國幾個城市製作的,但隨著行業的發展,電影製片人傾向於傾向於南加州。他們被溫暖的氣候和可靠的陽光所吸引,這使他們可以全年在戶外拍攝電影,並被各種各樣的風景拍攝。戰爭損害導致當時主要的歐洲電影業的下降,有利於美國基礎設施完好無損的美國。與其他美國城市相比,洛杉磯對1918年流感流行的早期公共衛生反應較強,減少了那裡的病例數量,並導致了更快的恢復,這導致好萊塢在紐約市的統治地位不斷增加。在大流行期間,公共衛生官員暫時關閉了一些司法管轄區的電影院,大型工作室一次暫停了數週的暫停生產,一些演員因流感而倒下。這給小型工作室帶來了重大的財務損失和嚴重的困難,但整個行業比二十多歲的咆哮中恢復了更多。
在20世紀初期,當媒介是新的時,許多猶太移民在美國電影業中找到了就業。他們能夠在一家全新的業務中留下自己的印記:在鎳票的票價(五美分)之後,在店面劇院的短片展覽。幾年之內,像塞繆爾·戈德溫(Samuel Goldwyn) ,威廉·福克斯( William Fox ),卡爾·萊姆姆( Carl Laemmle ),阿道夫·祖科( Adolph Zukor ),路易斯·B·梅耶(Louis B. Mayer )和華納兄弟(Harry,Albert,Samuel和Jack)等雄心勃勃的人已經轉向了業務的生產方面。很快,他們是一種新型企業的負責人:電影製片廠。在這些早期,美國至少有兩名女主任,製片人和工作室負責人:路易斯·韋伯(Lois Weber)和出生的法國蓋伊·蓋伊·布拉赫(Alice Guy-Blaché) 。他們還為行業的國際主義奠定了基礎;該行業通常被指控屬於中心省級。
第一次世界大戰後,其他移動者從歐洲抵達:恩斯特·盧比奇(Ernst Lubitsch) ,阿爾弗雷德·希區柯克(Alfred Hitchcock) ,弗里茨·朗(Fritz Lang)和讓·雷諾阿(Jean Renoir)等董事;以及魯道夫·瓦倫蒂諾(Rudolph Valentino) ,瑪琳·迪特里希(Marlene Dietrich ),羅納德·科爾曼( Ronald Colman )和查爾斯·博耶(Charles Boyer)等演員。他們加入了一個本土演員的供應 - 在推出聲音電影后,從紐約市舞台上向西置於西部,以構成20世紀最傑出的增長行業之一。在1940年代中期,在電影《電影的受歡迎程度》中,這些製片廠每年總共拍攝大約400部電影,每週觀眾看到9000萬美國人。
1920年代後期,聲音在好萊塢也廣泛使用。在爵士歌手之後,第一部帶有同步聲音的電影在1927年成功發行了Vitaphone Talkie,好萊塢電影公司將對華納兄弟公司做出回應,並開始使用Vitaphone Sound(在未來的電影中一直擁有的華納兄弟(Warner Bros.)到1928年。到1928年5月,Western Electric Company的子公司Electrical Research Product Incorporated(ERPI)對膠片聲音分配獲得了壟斷。
“談話”的副作用是,許多演員在無聲電影中從事職業的許多演員突然發現自己失業,因為他們經常有不良的聲音或不記得自己的台詞。同時,在1922年,美國政治家將H. Hays離開政治,並成立了電影製片廠的組織組織,稱為電影製片人和美國發行人(MPPDA)。 Hays於1945年退休後,該組織成為美國電影協會。
在談話的早期,美國工作室發現,他們的聲音作品在外語市場,甚至在其他英語方言的演講者中被拒絕。同步技術仍然太原始了,無法配音。解決方案之一是製作了好萊塢電影的平行外語版本。 1930年左右,美國公司在法國的Joinville-le-Pont開設了一家工作室,在那裡,相同的套裝,衣櫃,甚至大眾場景都用於不同的時間共享工作人員。
此外,選擇了外國失業的演員,劇作家和光源比賽的勝利者,並帶到了好萊塢,在那裡他們拍攝了英語電影的平行版本。這些平行版的預算較低,在晚上拍攝,由不說外語的二線美國導演執導。西班牙語的工作人員包括路易斯·布尼爾(LuisBuñuel) ,恩里克·賈迪爾( Enrique Jardiel Poncela) , Xavier Cugat和Edgar Neville等人。由於以下原因,這些產品在其預定市場上不是很成功:

- 較低的預算很明顯。
- 許多戲劇演員以前在電影院沒有經驗。
- 最初的電影通常是二等的,因為Studios預計頂級作品將自己出售。
- 對於觀眾來說,外國口音(例如,在西班牙案例中)的混合是奇怪的。
- 一些市場缺乏配備有聲音的劇院。
古典好萊塢電影院和好萊塢黃金時代

古典好萊塢電影院或好萊塢的黃金時代被定義為1913年至1962年美國電影院的技術和敘事風格特徵,在此期間,好萊塢影城發行了數千部電影。古典風格於1913年開始出現,在美國進入第一次世界大戰後的1917年加速,當電影《爵士歌手》於1927年發行,結束了無聲電影時代,並增加了電影業的票房利潤。向故事片介紹聲音。
大多數好萊塢圖片都緊密地遵循了一個配方 -西方,鬧劇喜劇,音樂劇,動畫卡通,傳記- 以及相同的創意團隊經常在同一工作室拍攝的電影中。例如,塞德里克·吉本斯(Cedric Gibbons)和赫伯特·斯托塔( Herbert Stothart)總是從事米高梅電影(MGM)電影,阿爾弗雷德·紐曼(Alfred Newman)在20世紀福克斯(Fox)工作了二十年,塞西爾·戴·米勒(Cecil B. de Mille )的電影幾乎都是在派拉蒙( Paramount)製作的,導演亨利·金( Henry King)的電影大部分都是製作的。 20世紀狐狸。
同時,人們通常可以猜測哪個工作室製作了哪部電影,這主要是因為演員出現在其中。例如,米高梅(MGM)聲稱它收縮了“恆星比天上的星星更多”。每個工作室都有自己的風格和特色,這使得知道這一點 - 今天很少存在的特徵。
例如,擁有和沒有(1944年)不僅是演員漢弗萊·博加特(Humphrey Bogart )(1899-1957)和勞倫·巴克爾( Lauren Bacall )(1924- 2014年)的第一對,而且是由諾貝爾獎的兩個未來贏家撰寫的在文學中:歐內斯特·海明威(Ernest Hemingway ,1899- 1961年),該小說的作者名義上是基於劇本的小說,以及在屏幕改編的工作。
這位爵士歌手於1927年發行後,華納兄弟獲得了巨大的成功,並在1928年購買了斯坦利劇院和第一部國立作品後,能夠獲得自己的電影院。福克斯電影公司擁有福克斯劇院。 RKO (1928年,基思·奧弗姆(Keith-Orpheum)劇院和美國廣播公司之間的合併)也對電影中的聲音進行了響應,並開發了自己的方法,稱為光子,以將聲音放入電影中。
派拉蒙(Paramount)於1926年收購了巴拉班(Balaban)和卡茨(Katz),他將回答華納兄弟(Warner Bros.)和RKO的成功,並在1920年代後期購買了許多劇院,並將在密歇根州底特律的劇院舉行壟斷地位。到1930年代,美國幾乎所有的首發大都會劇院都歸五巨頭錄音棚( MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros.和20 Century Fox)擁有。
工作室系統的上升和衰落

電影公司在工作室系統下運營。主要的工作室讓成千上萬的人獲得了薪水 - 行為者,製片人,導演,作家,特技表演者,手工藝人和技術人員。他們在南加州農村擁有或租用過電影牧場,用於拍攝西方人和其他大規模類型電影,而主要的工作室在1920年在全國各地的城市和城鎮擁有數百家電影院的電影院,這些電影劇院展示了他們的電影,這些電影總是總是需要新鮮的材料。

1930年,MPPDA總裁威爾·海斯(Will Hays)制定了《海斯(生產)守則》 ,該法規遵循審查指南,並在1930年的政府威脅進行審查的威脅之後生效。但是,該守則直到1934年才執行,直到1934年,在天主教監管機構之後體面- 由某些挑釁性電影和該時代的LURID廣告貼上,後來歸類了好萊塢的預碼- 如果沒有生效的話,威脅著抵制電影。沒有獲得製作法規管理局批准印章的電影必須支付25,000美元的罰款,並且無法在劇院中獲利,因為MPPDA通過五大巨頭五巨頭控制著該國的每個劇院。
在整個1930年代,以及黃金時代的大部分時間,米高梅在電影屏幕上佔據了主導地位,並在好萊塢擁有頂級明星,他們也因完全創建好萊塢明星系統而受到讚譽。一些米高梅明星包括“好萊塢之王”克拉克·蓋布爾,萊昂內爾·巴里摩爾,讓·哈洛,諾瑪·希勒,格雷塔·加伯,瓊·克勞福德,珍妮特·麥克唐納,吉恩·麥克唐納,吉恩·雷蒙德,斯賓塞·特雷西,朱迪·加蘭德,朱迪·加蘭德和吉恩·凱利。但是米高梅並不孤單。
在這個時代,美國電影院的另一個偉大成就是沃爾特·迪斯尼的動畫公司。 1937年,迪士尼製作了當時最成功的電影《白雪公主》和《七矮人》 。 1939年,當塞爾茲尼克國際(Selznick International)創造了對通貨膨脹的調整時,這是有史以來最成功的電影,這是有史以來最成功的電影。
許多電影歷史學家已經評論了這段高度有組織的電影製作時期出現的許多偉大電影作品。這是可能的一個原因是,由於製作了這麼多電影,並不是每個人都必須大受歡迎。一家工作室可以在中等預算的功能上賭博,並具有一部出色的劇本和相對未知的演員:由Orson Welles (1915– 1985年)執導的Citizen Kane ,通常被視為有史以來最偉大的電影,適合此描述。在其他情況下,霍華德·霍克斯(Howard Hawks,1896- 1977年),阿爾弗雷德·希區柯克(Alfred Hitchcock ,1899- 1980年)和弗蘭克·卡普拉( Frank Capra )(1897 -1991)等堅強的導演與工作室進行了鬥爭,以實現他們的藝術願景。
錄音室系統的座椅可能是1939年,它釋放了諸如綠野仙踪,伴隨風,史密斯( Stagecoach)的經典釋放,史密斯先生去了華盛頓,沃德( Wuthering Heights )午夜。在黃金時代的其他電影中,現在被認為是經典的電影:卡薩布蘭卡,這是一次美好的生活,發生了一個晚上,原來的金剛,賞金,頂帽子,城市燈,紅河,紅河,女士從上海,後窗,在海濱,沒有原因的叛軍,有些喜歡它,而滿洲則是候選人。


工作室系統和好萊塢的黃金時代屈服於1940年代後期發展的兩種力量:
1938年,沃爾特·迪斯尼(Walt Disney)的《白雪公主》(Walt Disney)的《白雪公主》和《七個矮人》(Snow White)和七個矮人在主要工作室的一系列乏味電影中發行,並迅速成為發行的最高票房電影。對於製片廠來說,這是一部獨立製作的動畫電影,沒有任何工作室僱用的明星。這對塊票的實踐已經普遍感到沮喪,在這種實踐中,工作室只能一次將整整一年的電影時間表出售給劇院,並使用鎖定來覆蓋平庸的質量。
助理檢察長瑟曼·阿諾德(Thurman Arnold) - 羅斯福政府的“信任剋星”(Trust Buster ),以此機會在1938年7月針對八個最大的好萊塢電影製片廠發起訴訟,以違反《謝爾曼反托拉斯法案》 。聯邦訴訟導致八個工作室中的五個(“五大”:華納兄弟,米高梅,福克斯, RKO和派拉蒙)在1940年10月與阿諾德達成了妥協,並在三年內簽署了同意書:
- 以稱為“一槍”或“全力”的塊狀預訂的安排,消除了短片主題的塊。
- 消除劇院中任何超過五個功能的塊預訂。
- 不再從事盲目購買(或劇院區購買電影而不事先看電影),而是進行貿易宣傳,在美國,美國所有31個劇院區都會在劇院上映電影之前每兩週看電影。
- 在每個劇院區建立一個管理委員會,以執行這些要求。
沒有擁有任何劇院的“小型工作室”(環球影城,聯合藝術家和哥倫比亞圖片)拒絕參加同意書。許多獨立的電影製片人也對妥協不滿意,並形成了一個被稱為獨立電影製片人協會的工會,並為他們在底特律劇院的壟斷起著至高無上的要求- 正如帕拉斯特(Paramount )也通過像鮑勃·霍普(Bob Hope)一樣佔據主導地位,Paulette Goddard,Veronica Lake,Betty Hutton,Crooner Bing Crosby,Alan Ladd和Studio Studio Gary Cooper的長期演員 - 到1942年。但是戰爭結束後,他們和三個小型工作室一樣,在好萊塢反托拉斯案中加入了派拉蒙作為被告。
美國最高法院最終在美國訴Paramount Pictures,Inc。裁定,主要的工作室擁有劇院的所有權和電影發行是違反Sherman Antrust法案的。結果,工作室開始從與工作室的合同中釋放演員和技術人員。這改變了好萊塢主要工作室的電影製作範式,因為每個工作室都有完全不同的演員和創意團隊。
該決定導致特徵的逐漸喪失,這使Metro-Goldwyn-Mayer,Paramount Pictures,Universal Studios,Columbia Pictures,RKO Pictures和20 Century Fox電影立即可立即識別。某些電影人,例如塞西爾·B·德米爾(Cecil B. Demille) ,要么一直是合同藝術家,直到他們的職業生涯結束,要么在他們的電影中使用相同的創意團隊,因此,無論是在1932年還是1956年製作的Demille電影還是一部電影。

新好萊塢和後古典電影院

後古典電影是新好萊塢講故事的改變方法。有人認為,在古典時期獲得的觀眾期望,對戲劇的新方法和表徵進行了:年表可能會被拼命,故事情節可能具有“扭曲結局”,對手和主角之間的界限可能會被模糊。後古典講故事的根源可以在黑色電影中,沒有事業的叛軍(1955年),以及希區柯克的故事情節震驚的心理。
新好萊塢的出現是新一代受過電影培訓的導演的興起,他們吸收了1960年代因法國新浪潮而在歐洲開發的技術。 1967年的電影邦妮(Bonnie)和克萊德(Clyde)也標誌著美國電影院(American Cinema)籃板的開始,隨後,新一代電影也將在盒裝辦公室獲得成功。弗朗西斯·福特·科波拉( Francis Ford Coppola) ,史蒂芬·斯皮爾伯格(Steven Spielberg) ,喬治·盧卡斯(George Lucas),布萊恩·德·帕爾瑪(Brian De Palma) ,斯坦利·庫布里克(Stanley Kubrick ),馬丁·斯科塞斯( Martin Scorsese) ,羅曼·波蘭斯基( Roman Polanski )和威廉·弗里德金(William Friedkin)等電影製片人來生產電影的票價,並以現有的流派和技術來敬拜。 1969年的安迪·沃霍爾( Andy Warhol)的《藍色電影》 (Blue Movie)發行的成年色情電影的現象由名人公開討論(例如約翰尼·卡森(Johnny Carson )和鮑勃·霍普( Bob Hope )),並由批評家(例如羅傑·埃伯特(Roger Ebert ))認真對待,並認真對待。 《紐約時報》的拉爾夫·布盧門塔爾(Ralph Blumenthal)是“色情時尚”,後來被稱為色情黃金時代,這是在現代美國文化中首次開始。根據屢獲殊榮的作家托尼·本特利(Toni Bentley)的說法,拉德利·梅茨格( Radley Metzger )的1976年電影《貝多芬(Misty Beethoven)的開幕》( Misty Beethoven),根據喬治·伯納德(George Bernard集合被認為是這個'黃金時代'的“皇冠上的珠寶”。
查爾斯·布朗森(Charles Bronson)在1970年代初成名時,是世界上排名第一的票房景點,每部電影指揮著100萬美元。在1970年代,新好萊塢電影製片人的電影經常受到廣受好評,並在商業上取得了成功。雖然早期的新好萊塢電影(如邦妮和克萊德和克萊德和輕鬆的騎手)與阿不道德的英雄相對較低,性和暴力的事件相對較低,但弗里德金和驅魔人斯皮爾伯格與下顎,弗里德金一起獲得了巨大的成功,與出租車司機的斯科塞斯(Scorsese),庫布里克(Kubrick)與2001年:一個太空漫遊,波蘭斯基(Polanski)與唐人街(Cinatown )和盧卡斯(Lucas)和美國塗鴉和《星球大戰》 (Star Wars)分別有助於產生現代的“轟動一時”,並引起了現代的“轟動一時”,並促使工作室更加專注於試圖更加重視產生巨大的命中。

這些年輕董事的放縱日益增加。通常,他們會過度縮短並超額籌集資金,從而使自己或工作室破產。這三個最值得注意的例子是科波拉現在的啟示錄,尤其是邁克爾·西米諾(Michael Cimino)的《天堂之門》(Heaven's Gate) ,單槍匹馬破產了聯合藝術家。然而,啟示錄現在最終賺了錢,並獲得了廣泛的認可,作為傑作,贏得了戛納Palme d'Or。
現代大片和獨立電影的崛起

在美國, PG-13評級於1984年引入,以容納跨越PG和R之間界限的電影,這主要是由於PG電影的暴力內容印第安納·瓊斯(Indiana Jones)和厄運和格雷姆林( Gremlins)的暴力內容的爭議(兩者都1984年)。
電影 1990年代的製造商可以獲得過去幾十年來一直無法使用的技術,政治和經濟創新。迪克·特雷西(Dick Tracy )(1990)成為帶有數字配樂的第一部35毫米故事片。 Batman Records (1992)是第一部利用Dolby Digital Six-enchanel立體聲聲音的電影,此後已成為行業標準。當可以將膠卷圖像傳輸到計算機上並以數字方式操縱計算機時,計算機生成的圖像非常促進。導演詹姆斯·卡梅隆(James Cameron)的《終結者2:審判日》 (1991年),在改變形狀變化的角色T-1000的圖像中,可能性變得顯而易見。計算機圖形或CG提高到了侏羅紀公園(1993年)能夠使用這些技術來創造逼真的動物的地步。 Jackpot (2001)成為第一部完全以數字方式拍攝的電影。在電影《泰坦尼克號》中,卡梅倫想通過他的電影來推動特殊效果的邊界,並吸引了數字領域和太平洋數據圖像,以繼續數字技術的發展,導演在在深淵和終結者2:審判日工作時率先開創性。以前的許多有關RMS泰坦尼克號的電影以慢動作拍攝了水,這看起來並不令人信服。卡梅倫(Cameron)鼓勵他的船員拍攝他們的45英尺長(14 m)的船,好像“我們正在為白星線製作廣告”。
年 | 門票 | 收入 |
---|---|---|
1995 | 1.22 | $5.31 |
1996 | 1.31 | $5.79 |
1997 | 1.39 | $6.36 |
1998 | 1.44 | $6.77 |
1999 | 1.44 | $7.34 |
2000 | 1.40 | $7.54 |
2001 | 1.48 | $8.36 |
2002 | 1.58 | $9.16 |
2003 | 1.52 | $9.20 |
2004 | 1.50 | $9.29 |
2005 | 1.37 | $8.80 |
2006 | 1.40 | $9.16 |
2007 | 1.42 | $9.77 |
2008 | 1.36 | $9.75 |
2009 | 1.42 | $10.64 |
2010 | 1.33 | $10.48 |
2011 | 1.28 | $10.17 |
2012 | 1.40 | $11.16 |
2013 | 1.34 | $10.89 |
2014 | 1.26 | $10.27 |
2015 | 1.32 | $11.16 |
2016 | 1.30 | $11.26 |
2017 | 1.23 | $10.99 |
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即使是布萊爾女巫項目(Blair Witch Project,1999),這是愛德華多·桑切斯(Eduardo Sanchez)和丹尼爾·邁里克( Daniel Myrick)的低預算獨立恐怖電影,也取得了巨大的財務成功。這部電影的預算僅為35,000美元,沒有任何大明星或特殊效果,使用了現代營銷技術和在線促銷,票房收入為2.48億美元。儘管不是喬治·盧卡斯(George Lucas)對《星球大戰三部曲》(Star Wars Trilogy)的10億新元前傳的規模,但布萊爾女巫項目(Blair Witch Project)贏得了有史以來最有利可圖的電影的區別。
但是,布萊爾女巫作為一個獨立項目的成功仍然是少數例外,並且控制了五巨頭工作室,而不是電影 到1990年代,持續增長。六大公司在1990年代都享有一段時間的擴張。他們每個人都開發了不同的方法來適應電影業的成本上升,尤其是由強大的代理商驅動的電影明星的薪水上升。最大的明星,例如西爾維斯特·史泰龍(Sylvester Stallone),羅素·克勞(Russell Crowe),湯姆·克魯斯(Tom Cruise),妮可·基德曼(Nicole Kidman) ,桑德拉·布洛克(Sandra Bullock),阿諾德·施瓦辛格( Arnold Schwarzenegger) ,梅爾·吉布森( Mel Gibson ),凱文·培根( Kevin Bacon )和朱莉婭·羅伯茨(Julia Roberts )電影的利潤。
另一方面,編劇通常比頂級演員或董事的支付費用少,通常每部電影不到100萬美元。但是,驅動上升成本的最大因素是特殊效果。到1999年,轟動一時的電影的平均成本為6000萬美元,在營銷和促銷活動之前,又花了8000萬美元。
當代電影
自21世紀初以來,超級英雄流派逐漸控制了戲劇市場。截至2022年,他們是演員的最佳薪水作品,因為其他流派的薪水也為即使是頂級演員也縮減了。
在2021年,儘管在美國發生了19日大流行,但黑人寡婦, F9 , 《尼羅河死亡》和《西邊故事》等大片電影從最初的2020年發行日期推遲後在劇院上映。

各種工作室對這場危機做出了回應,該危機有爭議的決定放棄了戲劇窗口,並給他們的電影日期發行。 NBCUniversal於4月10日直接發布了巨魔世界巡迴演唱會,同時通過開車式電影院同時獲得了有限的國內戲劇放映;首席執行官傑夫·殼牌公司(Jeff Shell)聲稱,這部電影在最初三週內獲得了近1億美元的收入。該決定反對AMC劇院,然後宣布其對環球影業電影的放映將立即停止,儘管兩家公司最終將同意為期2週的戲劇窗口。到2020年12月,華納兄弟影業(Warner Bros. Pictures)宣布決定同時在劇院和流媒體網站HBO Max上同時發行其2021部電影,以期最大程度地提高收視率。此舉受到各種行業人物的強烈批評,據報導,其中許多人在宣布這一消息之前對這一決定沒有信息,並感到被工作室欺騙了。
2019年以後,美國流媒體平台的興起,例如Netflix , Disney+ , Paramount+和Apple TV+ ,這是競爭對手傳統電影院的興起。行業評論員指出,對電影的越來越多的處理方式與越來越多的流媒體平台相關的公司“內容”。這涉及電影,電視和其他形式的媒體之間的界限模糊,因為越來越多的人以多種方式將它們吞噬,而單個電影則通過其品牌認同和商業潛力而不是媒介,故事和藝術性來定義。評論家Matt Zoller Seitz將Avengers:Endgame在2019年的發布描述為“代表'Cinema'的決定性失敗'Content'的決定性失敗,因為它是Marvel品牌定義的“娛樂性”的巨大成功,以至最終,一系列具有連續電視特徵的大片電影。
電影太空果醬:新的遺產和紅色公告被引用為這種待遇的例子,許多批評家將前者描述為“ HBO Max的漫長信息商業商業”,以場景和角色為特色,讓人回想起各種華納兄弟。卡薩布蘭卡(Casablanca) ,矩陣和奧斯汀·鮑爾斯(Austin Powers) ,而後者是Netflix的一部耗資2億美元的搶劫電影,批評家描述了“一部電影,這是一部被機器[ ...]所處理的電影,而不是任何接近藝術意圖的東西,甚至是對娛樂誠實的渴望。”一些人表示,太空果醬展示了該行業對電影的越來越憤世嫉俗的待遇,僅僅是被利用的知識產權(IP),這種方法是批評斯科特·孟德爾森(Scott Mendelson)稱之為“ IP為了IP”的方法。
馬丁·斯科塞斯(Martin Scorsese)警告說,電影作為一種藝術形式,“有系統地貶值,間隔,貶低和減少”到“內容”,並稱Blockbusters對票房的過分強調“令人反感” 。昆汀·塔倫蒂諾(Quentin Tarantino)認為,在播客採訪中,2020年代是好萊塢歷史上最糟糕的“時代”之一。在2023年薩拉熱窩電影節上的大師班期間,查理·考夫曼(Charlie Kaufman)批評主流大片,並指出:“這一點,唯一賺錢的是垃圾”,並鼓勵行業專業人員“製作電影以外的電影之外的電影盡可能”。詹姆斯·格雷(James Gray)在接受《截止日期》採訪時指出:“當您製作只賺很多錢的電影而只賺一部電影時,您就開始從看電影的習慣中獲得很大一部分人口”儘管澄清他“漫畫電影沒有問題”,但仍導致收視率下降。為了解決“缺乏對產品的廣泛參與的投資”,他建議製片廠“願意在藝術電影部門上虧損幾年,最終他們會更快樂。”
好萊塢和政治
在1930年代,民主黨人和共和黨人在好萊塢看到了錢。富蘭克林·羅斯福總統與好萊塢建立了巨大的伙伴關係。他在全國運動中利用了好萊塢明星的第一個真正潛力。梅爾文·道格拉斯(Melvyn Douglas)於1939年參觀了華盛頓,並遇到了主要的新經銷商。
政治認可
簽署了來自領先演員的認可信,進行了廣播出場和印刷廣告。電影明星被用來吸引大量觀眾進入黨的政治觀點。到1960年代,約翰·肯尼迪(John F. Kennedy)對華盛頓(Washington)來說是一張新的年輕面孔,他與弗蘭克·辛納屈(Frank Sinatra)的牢固友誼體現了這個新時代的魅力時代。好萊塢的最後一個大亨消失了,年輕,新的高管和製片人開始推動更多的自由主義思想。
名人和金錢吸引了政客進入高級,閃閃發光的好萊塢生活方式。正如羅恩·布朗斯坦(Ron Brownstein)在他的《力量與閃光》(The Power and the Glitter)中寫道的那樣,1970年代和1980年代的電視是政治上極為重要的新媒體,好萊塢在媒體上為演員們發表演講而在媒體上對越南戰爭(Jane Fonda)發表演講。儘管大多數名人和製片人都在左傾和傾向於支持民主黨,但這個時代還是培養了一些共和黨演員和製片人,例如克林特·伊斯特伍德和傑里·布魯克海默。建立了諸如安倍之友之友的支持團體,以支持好萊塢的保守派事業,這被認為是對保守派的偏見。前演員羅納德·裡根(Ronald Reagan)成為加利福尼亞州州長,隨後成為美國的第40任總統。 2003年,阿諾德·施瓦辛格(Arnold Schwarzenegger)擔任加利福尼亞州州長。
政治捐款

今天,好萊塢的捐款有助於資助聯邦政治。例如,2007年2月20日,民主黨總統候選人巴拉克·奧巴馬(Barack Obama)在貝弗利·希爾頓(Beverly Hilton)的Dreamworks創始人David Geffen , Jeffrey Katzenberg和Steven Spielberg主持了一個2,300美元的好萊塢盛會。
批評
秘密廣告
本地廣告是旨在以比經典宣傳更微妙的方式說服的信息。 Copaganda是一個現代的例子,電視節目在該電視節目中展示了不切實際的執法刻畫,部分原因是藉用設備並獲得幫助,以阻止街道以更輕鬆地在現場拍攝。娛樂行業已經闡述了其他聲譽的洗錢指控,包括黑手黨的形象。
產品放置也是批評的重點,煙草行業在屏幕上促進吸煙。疾病控制中心引用,如果有吸煙的膠片自動給予“ R”評級,則有18%的青少年吸煙者將不會開始吸煙,這將挽救100萬人的生命。
審查制度
好萊塢的製片人通常尋求遵守中國政府的審查制度要求,以便獲得該國有限且有利可圖的電影市場,截至2016年,世界第二大票房包括優先考慮對中國人物的同情刻畫的優先級電影,例如將紅黎明的小人從中國人改為朝鮮人。由於中國禁止的許多話題,例如達賴喇嘛和溫妮·帕·帕(Winnie-the-pooh)參與了南方公園的情節“中國樂隊”,因此在播出後,南方公園(South Park)在中國完全被禁止。 2018年的電影克里斯托弗·羅賓(Christopher Robin) ,新的Winnie-the-the-pooh電影,被拒絕發行中文。
儘管西藏以前是好萊塢的Célèbre ,其中包括昆頓(Kundun)在內的電影和西藏七年,但在21世紀,情況不再如此。 2016年,漫威娛樂公司(Marvel Entertainment)因決定將蒂爾達·斯文頓(Tilda Swinton)當作電影改編的《奇異博士》(The Afteration Doctor Strange)的“古老的人”而引起了批評,並利用白人婦女扮演傳統的藏族角色。演員和備受矚目的西藏支持者理查德·蓋爾(Richard Gere)表示,在批評中國政府並呼籲抵制2008年北京夏季奧運會後,他不再歡迎參加好萊塢主流電影。
歷史例子
好萊塢還自我審查了1930年代大部分時間的納粹分子的任何負面描述,以維持吸引德國觀眾的機會。在那個時候,經濟審查制度導致了內容的自我審查,以取悅群體發揮其經濟影響力。 《海斯法典》是從1930 - 1967年進行的行業領導的努力,以實現嚴格的自我審查,以安撫某些內容,並避免任何可能導致的政府審查制度。
與軍隊的關係
性虐待醜聞
全球好萊塢


溝通研究人員的政治經濟學長期以來一直集中在好萊塢電影的國際或全球影響力,權力,盈利能力和普及。托比·米勒(Toby Miller)和理查德·麥克斯韋(Richard Maxwell),珍妮特·沃斯科(Janet Wasko)和瑪麗·埃里克森(Mary Erickson),克里·塞格雷夫(Kerry Segrave),約翰·特朗普布爾(John Trumpbour)和坦納·米爾萊斯(Tanner Mirrlees)撰寫的有關全球好萊塢的書籍,研究了好萊塢的國際政治經濟學。
根據Tanner Mirrlees的說法,好萊塢依靠四種資本主義策略“吸引和整合非美國電影製片人,參展商和觀眾融入其範圍:所有權,與下屬服務提供商的跨境製作,與參展商的內容許可交易以及旨在與參展商交易的交易,以及旨在涉足的企業。環球旅行。”
1912年,美國電影公司主要沉浸在國內市場的競爭中。很難滿足Nickelodeon Boom對電影的巨大需求。電影專利公司(Edison Studios)等電影專利公司也試圖限制法國,意大利語和其他進口電影的競爭。然後,出口電影對這些公司變得有利可圖。 Vitagraph Studios是第一家在歐洲開設自己的分銷辦公室的美國公司,1906年在倫敦建立了一個分支機構,不久之後在巴黎建立了第二個分支機構。
其他美國公司也進入國外市場,國外的美國分銷一直在擴展到1920年代中期。最初,大多數公司間接出售了電影。但是,由於他們在海外交易中沒有經驗,因此他們只是將外國權利賣給了外國分銷公司或出口代理。倫敦逐漸成為美國電影國際發行的中心。
許多英國公司通過充當這項業務的代理商而獲利,並通過將英國市場的大部分份額轉移到美國電影中,從而削弱了英國的產量。到1911年,進口到英國的電影中約有60%至70%是美國人。美國在德國,澳大利亞和新西蘭也表現良好。
最近,隨著全球化開始加劇,美國政府一直在積極促進自由貿易議程和文化產品貿易,好萊塢已成為全球文化來源。好萊塢出口市場的成功不僅可以從全球美國跨國媒體公司的繁榮中得知,而且還可以從獨特的能力製作大型預算電影的獨特能力,這些電影在許多不同的文化中都充滿強大吸引了人們的流行口味。
隨著全球化,電影製作以多種原因聚集在好萊塢:美國擁有美元最大的單一房屋市場,娛樂性和高度可見的好萊塢電影具有全球吸引力,英語作為一種普遍語言的作用有助於補償。較高的固定成本生產成本。
儘管受到中國審查制度的影響,好萊塢已經更深入地進入了中國市場。在中國製作的電影受到審查,嚴格避免了“鬼魂,暴力,謀殺,恐怖和惡魔”等主題。這樣的情節元素有可能被削減。好萊塢不得不製作與中國官方標準相對應的“批准”電影,但以審美標準犧牲了票房利潤。甚至中國的觀眾都發現,等待以母語配音的偉大電影的發行很無聊。
婦女的角色
在美國電影業中心,女性在好萊塢中心的創造性職位上的人數不足。這種代表性不足已被稱為“賽璐oid天花板”,這是就業歧視術語“玻璃天花板”的一種變體。 2013年,“最高薪水的演員... 2 + 1 ⁄的2倍的金錢是最高薪水的女演員。”“ [o] lder [男]演員在年齡上的表現超過了女性,而“女性電影明星平均是最多的錢每部電影34歲,而男性明星的收入最高。”
聖地亞哥州立大學電視和電影研究中心進行的2013年賽璐oid天花板報告收集了從“ 2012年250名頂級國內票房電影僱用的2,813名個人”中收集的統計清單。
婦女佔:
- “在所有董事,執行製片人,製片人,攝影師和編輯中,有18%的人反映出從2011年起沒有變化,比1998年增加了1%。”
- “所有董事中有9%。”
- “ 15%的作家。”
- “所有生產者中有25%。”
- “所有編輯中有20%。”
- “所有攝影師中有2%。”
- “在考慮角色中,有38%的電影僱用了0或1名女性,有23%的女性僱用2名女性,28%的女性僱用3至5名女性,而10%的女性則僱用了6至9名女性。”
《紐約時報》的一篇文章指出,2013年,只有15%的頂級電影扮演女性擔任主角。該研究的作者指出:“自1940年代徘徊在25%至28%時,女性說話角色的比例並沒有增加。” “自1998年以來,婦女在幕後角色中的代表性僅增長了1%。”婦女“在2012年的250部最高票房中的電影中,女性的百分比與1998年相同(9%)。”
種族和種族

2021年5月10日,NBC宣布,它不會在2022年電視上電視第79屆金球獎獎,以支持多家媒體公司抵制好萊塢外國新聞協會的抵制,這是由於無法為解決與該協會成員中缺乏多樣性所做的不足所付出的努力。有色人種,但如果HFPA成功地進行改革,那將在2023年電視節目開放。兩年後,由於此醜聞和其他醜聞,HFPA將被解散。
美國電影經常反映出對外國國民和少數民族的負面刻板印象。例如,俄羅斯人和俄羅斯人通常被描繪成殘酷的暴徒,殘酷的特工和小人。根據俄羅斯美國教授尼娜·赫魯甚切瓦(Nina L.意大利人和意大利人通常與有組織的犯罪和美國黑手黨有關。西班牙裔和拉丁裔美國人在很大程度上被描述為有性人物,例如拉丁美洲男子氣概或拉丁裔潑婦,幫派成員,(非法的)移民或演藝人員。但是,近年來,好萊塢的代表性有所改善,在1990年代獲得了吸引力,並且不再強調壓迫,剝削或抵抗作為主要主題。根據查爾斯·拉米雷斯·伯格(CharlesRamírezBerg)的說法,第三波電影“不要強調奇卡諾(Chicano)的壓迫或抵抗;這些電影中的種族是塑造角色的生活並蓋章其個性的幾個事實。”像愛德華·詹姆斯·奧爾莫斯(Edward James Olmos)和羅伯特·羅德里格斯( Robert Rodriguez)這樣的電影製片人能夠代表西班牙裔和拉丁美洲人的體驗,例如屏幕上沒有屏幕上的演員,以及希拉里·斯威克(Hilary Swank),喬丹娜·布魯斯特(Jordana Brewster) ,傑西卡·阿爾巴(Jessica Alba ),卡米拉·貝爾( Camilla Belle ),阿爾·馬德里格爾( Al Madrigal) De Armas和Rachel Zegler取得了成功。在過去的十年中,像克里斯·魏茨(Chris Weitz) ,阿方索·戈麥斯·雷蒙(Alfonso Gomez-Rejon )和帕特里夏·裡根(Patricia Riggen)這樣的少數派電影製片人得到了應用敘事。描繪西班牙裔和拉丁美洲人的電影包括La Bamba (1987), Selena (1997), Zorro的面具(1998), Goal II (2007), Overboard (2018),新娘之父(2022)和JosefinaLópez '真正的女性有曲線,最初是在1990年首映的,後來在2002年作為電影發行。
工作室系統倒塌後20世紀末,好萊塢的非裔美國人代表急劇改善。在老好萊塢,當種族偏見在社會上可以接受時,白色演員穿黑臉並不少見。在2016年的電影《月光》中,男性氣質被描繪成剛性和侵略性,這是凱龍少年男性的少年同伴小組的行為。黑人男性中超男性氣質的表達與同伴接受和社區有關。另一方面,作為黑人社區中的同性戀者,同齡人的社會疏遠和同性戀審判與同性戀態度有關,因為黑人男人被視為虛弱或充滿活力。在電影中,凱龍(Chiron)被視為黑人同性戀者,並改變了他對男性氣質的表現,以避免嘲笑,因為同性戀被視為與黑人男性期望不符。作為年幼的孩子,凱文(Kevin)隱藏了自己的性行為,以避免像凱龍(Chiron)一樣被挑出來。隨著Chiron的年齡增長,他認識到有必要符合黑色男性氣質的異端理想,以避免虐待和同性戀恐懼症。作為成年人,凱龍(Chiron)選擇通過成為肌肉和毒販來擁抱刻板印象的黑人性別表現。

根據韓裔美國演員丹尼爾·達·金(Daniel Dae Kim)的說法,亞洲人和亞裔美國人“被描繪成令人難以置信的惡棍和無性化的太監”。亞裔美國人的媒體行動網絡指責阿洛哈的導演和工作室粉刷了電影的演員,導演卡梅隆·克勞(Cameron Crowe)對艾瑪·斯通(Emma Stone)被誤認為是一個四分之一的中國人,而埃瑪·斯通(Emma Stone)被誤認為是一個四分之一的角色夏威夷血統。在整個20世紀,電影中的角色相對較少,許多可用的角色都是狹窄的角色。在21世紀,年輕的亞裔美國人喜劇演員和電影製片人在YouTube上找到了一個渠道,使他們能夠在亞裔美國人中獲得強大而忠實的粉絲群。儘管最近,這部電影瘋狂的富人亞洲人因以亞洲人為主的演員而受到稱讚,但在其他地方批評了這部電影,因為它以種族上的漢字為中國角色而在其他地方受到了批評。這部電影永遠是我的可能因熟悉的rom-com節拍而受到稱讚,並在智能社會評論中巧妙地分層。
在9月11日襲擊之前,阿拉伯人和阿拉伯人經常被描繪成恐怖分子。在電影阿拉丁(Aladdin )中僱用納奧米·斯科特(Naomi Scott)的決定,是英國父親的女兒和古吉拉特語烏干達印度的母親,扮演茉莉花的領導,也引起了批評,以及對色彩症的指控,正如一些評論家所期望的那樣,去找阿拉伯或中東來源的女演員。據報導,2018年1月,在拍攝過程中,將白色額外的額外化妝品“融合”,這引起了粉絲和批評者之間的強烈抗議和譴責,將這種做法稱為“對整個行業的侮辱”。同時指責生產商不招募中東或北非遺產的人。迪士尼對這一爭議的回應說:“我們的演員和背景表演者的多樣性是必需的,只有在少數情況下,這是特殊技能,安全和控制的問題(特殊效果鑽機,特技表演者和動物處理)船員彌補了融合。”
工作環境
好萊塢的工作流程是獨一無二的,因為它的大部分勞動力都不會每天向同一工廠報告,也不每天都遵循同一例程,而是在世界各地遙遠的地點的電影,其時間表由所拍攝的場景決定而不是最有意義的生產力。例如,一部在晚上完全在現場拍攝的城市電影將需要大部分船員進行墓地輪班,而情境喜劇系列主要在舞台上拍攝,每週只有一兩天的時間在舞台上拍攝。工作日程。西方人通常在遠離船員家中的沙漠地點被槍殺,酒店有限的酒店需要長時間開車前後,這是利用盡可能多的陽光可用的,最終要求工人放入16或17從他們離開家到回來的時間,每天幾小時。
儘管美國許多地區的勞動在美國的許多地方都在逐漸減弱,但自從在大蕭條時期開始,工會就在好萊塢保持了堅定的抓地力,當時工人將在蓬勃發展的電影製片廠外排隊,尋找鎮上唯一的工作。可怕的條件在等待這些工人,因為工作室用微薄的薪水利用了渴望的勞動力,以及數百人在大門外等待的現有威脅,如果他們向他們發出任何投訴,他們就會取代他們的位置。
由於好萊塢就業的偶然性質,只有通過集體談判,個人工人才能表達自己的權利,並獲得最低工資保證的權利,並獲得從電影或電視連續劇到電視連續的養老金和健康計劃,並提供Studios可以訪問受過訓練的勞動力,能夠在第一天踏上一套,並具有知識和經驗,以處理他們被要求運營的高科技設備。
好萊塢的大多數工人以幾個工會和公會為代表。戲劇舞台員工(IATSE)的150,000名成員國際聯盟代表著大多數手工藝品,例如握把,電工和相機人員,以及編輯,聲音工程師以及髮型和化妝師。屏幕演員協會(SAG)是代表約130,000名演員和表演者的下一個最大的團體,美國董事協會(DGA)代表董事和製作經理,美國作家協會(WGA)代表作家,以及國際的兄弟會隊友( IBT)代表駕駛員。
工會和公會是其會員資格的集體談判單位,與電影和電視製作人聯盟(AMPTP)定期談判(目前是3年合同),這是一個代表電影製片廠和電視網絡的貿易聯盟,該聯盟代表該聯盟僱用工作人員來創建他們的內容。
儘管這些年來,勞動與管理之間的關係通常是友好的,但與國家合作制定安全的協議,以在19日期期間繼續工作,並共同遊說以徵收稅收優惠,但已知合同談判因改變而對變化有所爭議在行業中,作為對收入不平等增長的回應。在1945年,這段戀情甚至在六個月的罷工中變成了血腥,在罷工者,結ab,罷工者和工作室安全的悶熱的十月,在十月的悶熱之中變成了血腥的近戰。
也可以看看
- 類別:關於好萊塢的紀錄片,洛杉磯
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- 國家電影註冊表
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