古典好萊塢電影院

古典好萊塢電影院是在電影批評中用來描述敘事和視覺風格的一個術語，該電影的敘事和視覺風格在1910年代至1920年代首次開發，在沉默電影時代的後期。隨後，它成為好萊塢黃金時代的美國電影的特徵，大約在1927年（隨著聲音電影的出現）到1969年。它最終成為全球最有力，最普遍的電影製作風格。

類似或相關的術語包括古典好萊塢敘事，好萊塢的黃金時代，好萊塢老好萊塢和古典連續性。該時期也稱為工作室時代，這也可能包括《沉默時代晚期》的電影。

歷史

1910年代至1927年：沉默時代和古典風格的出現

幾千年來，敘事故事藝術的唯一視覺標準是劇院。自1890年代中期的第一部敘事電影以來，電影製片人試圖在電影屏幕上捕捉現場劇院的力量。這些電影製片人中的大多數是在19世紀後期開始擔任導演的，同樣，大多數電影演員都紮根於Vaudeville（例如馬克思兄弟）或戲劇情節。從視覺上講，早期的敘事電影從舞台上幾乎沒有改編成，他們的敘事幾乎沒有從Vaudeville和Melodrama改編。在視覺風格被稱為“古典連續性”之前，場景是全面拍攝的，並精心編排的舞台來描繪情節和角色關係。編輯技術極為有限，主要包括在對像上寫作的特寫鏡頭。

儘管缺乏舞台固有的現實，但電影（與舞台不同）提供了操縱明顯時間和空間的自由，從而產生了現實主義的幻想 - 那是時間的線性和空間連續性。到1910年代初期，當失落的一代即將到來時，電影製作開始發揮其藝術潛力。在瑞典和丹麥，這一時期後來被稱為電影的“黃金時代”。在美國，這種藝術變化歸因於DW Griffith等電影製片人終於打破了愛迪生信託基金會的控制，以使電影獨立於製造業壟斷。全世界的電影開始明顯採用古典好萊塢電影院中可以找到的視覺和敘事元素。 1913年對於媒介來說是特別富有成果的一年，因為來自幾個國家的開創性導演製作了諸如母親之心（DW Griffith）， Ingeborg Holm （ VictorSjöström ）和L'Enfant de Paris （ LéoncePerret ）等電影，以樹立新標準這部電影是一種講故事的形式。也是耶夫根尼·鮑爾（ Georges Sadoul ）說的那一年，第一家真正的電影藝術家開始了他的職業生涯。

在整個世界和美國，具體而言，格里菲斯對電影製作的影響是無與倫比的。同樣有影響力的是他的演員將表演改編成新媒介。莉蓮·吉什（Lillian Gish）是電影《媽媽之心》（The Mothering Heart）的明星，特別是因為她對屏幕性能技術的影響而引人注目。格里菲斯（Griffith）的1915年史詩般的《一個國家的誕生》也由吉什（Gish）主演的電影作為講故事的一種手段，這是文學敘事的傑作，並具有許多創新的視覺技術。這部電影在美國電影院發起了許多進步，以至於幾年內就被過時了。儘管1913年是電影製作的全球地標，但1917年主要是美國電影。 “古典好萊塢電影院”的時代以敘事和視覺風格為特色，該風格開始在1917年開始在美國的電影媒體上占主導地位。

1927年至1969年：好萊塢的聲音時代與黃金時代

古典好萊塢風格的敘事和視覺風格在過渡到聲電影生產後進化。美國電影製作的主要變化來自電影業本身以及工作室系統的高度。這種生產方式及其由幾個關鍵工作室促進的統治星系在幾年之前發出了幾年的聲音。到1920年中，自1910年代初以來一直獨立工作的大多數著名的美國導演和演員都必須成為新工作室系統的一部分才能繼續工作。

聲音時代本身的開始是模棱兩可的。對某些人來說，這是從1927年發行的爵士歌手開始的，當時，當Sound引入了電影片時， Interbellum Generationers開始年齡，並增加了電影的票房利潤。對於其他人來說，這個時代始於1929年，當時沉默的時代已經明確結束。從1920年代後期到1960年代後期的大多數好萊塢圖片都緊密地遵循了一種類型 - 西方，鬧劇喜劇，音樂劇，animated漫畫和傳記片（傳記圖片） - 以及相同的創意團隊經常在同一工作室製作的電影中工作。例如，塞德里克·吉本斯（Cedric Gibbons）和赫伯特·斯托塔（Herbert Stothart）總是從事米高梅電影。阿爾弗雷德·紐曼（Alfred Newman）在20世紀福克斯（Fox）工作了二十年。 Cecil B. Demille的電影幾乎都是在派拉蒙圖片中製作的。導演亨利·金（Henry King）的電影主要是為20世紀福克斯（Fox）製作的。同樣，演員主要是合同球員。電影史學家和批評家指出，電影花了大約十年的時間才能適應聲音並恢復到寂靜的藝術質量水平，他們在1930年代後期做到了最偉大的生成生物的年齡。

從這個時期出現的許多電影院都是高度有組織的電影製作。這是可能的一個原因是，正如製作了許多電影一樣，並不是每個人都必須受到重大打擊。工作室可以在具有良好腳本和相對未知演員的中等預算功能上賭博。由Orson Welles執導的Citizen Kane （1941）就是這種情況，被視為有史以來最偉大的電影之一。霍華德·霍克斯（Howard Hawks），阿爾弗雷德·希區柯克（ Alfred Hitchcock）和弗蘭克·卡普拉（ Frank Capra）等其他堅強的導演與製片廠進行了鬥爭，以實現他們的藝術願景。錄音室系統的座椅可能是1939年，它發行了諸如綠野仙踪之類的經典。隨風而逝;巴黎圣母院; stagecoach ;史密斯先生去華盛頓； Destry再次騎車；年輕的林肯先生；呼嘯山莊;只有天使有翅膀； Ninotchka ; Beau Geste ；寶貝在懷裡； Gunga Din ;女人;再見，籌碼先生；和咆哮的二十多歲。

風格

大衛·博德威爾（David Bordwell）詳細闡述的古典好萊塢電影院的視覺敘事風格受到文藝復興時期思想及其作為焦點的重新出現的重大影響。它在三個一般層面上進行了區分：設備，系統和系統關係。

裝置

古典好萊塢電影院最固有的設備是連續編輯的設備。這包括180度規則，這是連續性編輯的主要視覺空間元素之一。 180度規則通過在觀眾和鏡頭之間創建一個假想的180度軸，使觀眾清楚地將自己定位在場景中的位置和動作方向上，從而保持了“照片播放”樣式。根據30度規則，從視場所觀察的角度剪切必須足夠重要，以使觀眾能夠理解透視圖的改變。不遵守30度規則的切割（稱為跳躍切割）對鏡頭之間的時間連續性的幻覺具有破壞性。這項180度和30度的規則是電影製作中的基本準則，在古典時代正式開始之前十多年，正如1902年的1902年法國電影《前往月球之旅》中所看到的那樣。像十字切割中一樣，經典連續性編輯中的切割技術有助於建立或保持連續性，這在不同位置建立了動作的同意。允許以軸向切割的形式進行跳躍切割，這根本不會改變射擊角度，但具有明確的目的，即距離受試者更近或更遠，因此不會干擾時間連續性。

系統

敘事邏輯

經典的敘事始終通過心理動機，即通過人類品格的意誌及其奮鬥的障礙而努力實現定義目標。這種敘述通常由主要的敘述（例如浪漫）與次要敘述或敘述交織在一起。這種敘述的結構是毫無疑問的開頭，中間和終點，並且通常有一個獨特的解決方案。利用演員，事件，因果效應，要點和次要點是這種敘事的基本特徵。古典好萊塢電影院中的角色顯然具有明顯的特質，是活躍的，並且非常注重目標。它們是由心理問題而不是社會關注的因果因素。敘述是因果因素的因果因素的鏈條 - 在古典風格中，事件不會隨機發生。

電影時間和空間

在古典好萊塢的時間是連續，線性和統一的，因為非線性引起人們對媒介虛幻的工作的關注。以這種格式對時間進行操作的唯一允許的操作是閃回。它主要用於引入字符的記憶序列，例如卡薩布蘭卡。

關於空間的經典連續性的最大規則是對象的永久性：觀眾必須相信場景存在於電影框架的鏡頭之外，以維持圖片的現實主義。古典好萊塢的空間的處理旨在克服或掩蓋膜的二維（“不可見風格”），並以人體為中心。古典電影中的大多數鏡頭都集中在手勢或面部表情（中等和中等鏡頭）上。安德烈·巴贊（AndréBazin）曾經將古典電影與拍照的戲劇進行了比較，因為這些事件似乎客觀地存在，而相機只為我們提供了整個戲劇的最佳視野。

這種空間的處理包括四個主要方面：居中，平衡，額葉和深度。具有重要意義的人或物體大多在圖片框架的中心部分，並且永遠不會失去焦點。平衡是指視覺組成，即字符均勻分佈在整個框架中。該動作巧妙地針對觀眾（側面）和設定，照明（主要是三點照明，尤其是高鑰匙照明），而服裝旨在將前景與背景（深度）分開。

遺產

1960年代中期至1980年代初的新好萊塢受到古典時代浪漫主義的影響，法國新浪潮也受到了影響。