古典音樂

這篇文章是關於中世紀的西方藝術音樂。對於其他用途，請參閱古典音樂（歧義）.
一個弦樂四重奏表演莫扎特2006年在維也納

古典音樂通常是指藝術音樂的西方世界， 被認為是與眾不同西民間音樂或者流行音樂傳統。有時被區分為西方古典音樂，作為“古典音樂”一詞也適用非西方藝術音樂。古典音樂通常以形式和復雜性為特徵音樂形式和和聲組織，[1]特別是使用複音.[2]至少從九世紀開始，它主要是一種書面傳統，[2]產卵一個精緻符號系統，以及隨附的文學分析，批判的，史學，音樂學和哲學實踐。一個基礎部分西方文化，從個人或小組的作曲家，其組成，個性和信念從根本上塑造了其歷史。

紮根於贊助的教堂和皇家法院在西歐，[1]早期生存中世紀音樂主要是宗教，單聲音和聲樂，帶有古希臘的音樂和羅馬影響其思想和理論。最早現存的音樂手稿是卡羅來尼帝國（800–888），[3]大約西方樸素逐漸統一到所謂的格里高利的頌歌.[4]音樂中心存在於聖加的修道院， 這聖馬蒂亞修道院和聖埃默拉姆的修道院，而11世紀的發展工作人員符號並增加產出中世紀音樂理論家。到12世紀中葉，法國成為歐洲主要的音樂中心：[3]宗教巴黎圣母院首先完全探索有組織的節奏和多拼合，而世俗音樂隨著Troubadour和Trouvère詩人音樂家貴族領導的傳統。[5]這最終在法庭上贊助了法語Ars Nova和意大利人Trecento，演變成Ars Unior，一種極端節奏多樣性的風格運動。[5]從15世紀初開始再生有影響力的作曲家佛朗哥 - 英語學校建立英語中的諧波原則續期，將合唱音樂帶入新的標準，尤其是大量的和Motet.[6]意大利北部很快出現為中央音樂區，羅馬學校在類型的流派中從事多拼合的高度複雜方法牧歌，[6]這啟發了簡介英語馬德里加爾學校.

這巴洛克時期（1580–1750）看到了相對標準化普通實踐音調，[7]以及越來越重要的樂器，成長為大小相當大的合奏。意大利仍然是統治者，是歌劇的出生地，獨奏主義者以中心協奏曲類型，有組織的奏鳴曲形式以及以大規模的人聲為中心的類型演說家和CANTATA。這賦格倡導的技術約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）體現了複雜性的巴洛克式趨勢，作為一種反應，更簡單，類似於歌曲Galant音樂和empfindsamkeit開發了樣式。在較短但關鍵古典時期（1730–1820）作曲家，例如沃爾夫岡·阿馬迪斯·莫扎特，約瑟夫·海頓（Joseph Haydn）， 和路德維希·範·貝多芬創造了廣泛欽佩的代表絕對音樂，[8][9]包含交響曲，字符串四重奏和協奏曲。後續浪漫音樂（1800–1910）專注於編程音樂，為此藝術歌曲，交響詩和各種各樣鋼琴流派是重要的容器。在這段時間才華被慶祝，鼓勵了巨大的哲學和哲學和民族主義被嵌入了 - 所有方面都融合了理查德·瓦格納（Richard Wagner）。到20世紀，風格統一逐漸消散，而流行音樂的突出性大大增加。許多作曲家積極避免了過去的技術和流派現代主義，有些放棄音調代替序列主義，而其他人則在民間旋律或印象派情緒。第二次世界大戰後，觀眾首次重視舊音樂當代的作品是一種偏愛商業記錄的出現和廣泛可用性。[10]迄今為止20世紀中葉的趨勢包括新的簡單性，新的複雜性，極簡主義，光譜音樂，最近後現代音樂和後主義。來自美洲，非洲和亞洲的從業者越來越全球，已經獲得了關鍵的角色，[3]而交響樂團和歌劇院現在出現在世界各地。

術語和定義

意識形態起源

（從左到右）Haydn，Mozart和Beethoven從1904年開始貝多芬–Haydn -Mozart紀念館。這三個通常被認為是第一維也納學校，以及最早被稱為“古典”的作曲家

英語術語“古典”和德國Klassik從法國發展Classique，本身源自拉丁語Classicus，最初提到最高班級的古羅馬公民.[11][n 1]在羅馬用法中，該詞後來成為區分尊敬的文學人物的一種手段。[11]羅馬作家Aulus Gellius稱讚的作家，例如Demosthenes和維吉爾作為Classicus.[13]由再生，形容詞獲得了更一般的含義：蘭德爾·科特格雷夫（Randle Cotgrave）1611年法語和英語舌頭的詞典是最早的現存定義之一，翻譯Classique作為“古典，術語[sic]，訂購，應有或適合蘭克；另外，已批准，Authenticall，酋長，校長”。[11][14]音樂學家丹尼爾·愛爾茲（Daniel Heartz）總結這兩個定義：1）“正式紀律”和2）“卓越模式”。[11]像Gellius一樣，後來在拉丁語中寫的文藝復興時期的學者Classicus參考作家古典古代；[12][n 2]但是，這種含義只會逐漸發展，並且有一段時間服從形式和卓越的更廣泛的古典理想。[15]文學和視覺藝術（對於存在的古老希臘和羅馬例子都存在）最終採用了“古典”一詞，與古典古代有關，但實際上，文藝復興時期的音樂家無法使用那個時代的音樂，限制了古典音樂與上古音樂之間的聯繫希臘羅馬世界.[15][n 3]

正是在18世紀的英格蘭，“古典”一詞“首先代表特定的績效作品”。[15]倫敦已經開發了一個著名的公共音樂會音樂界，這是其他歐洲城市前所未有的和無與倫比的。[11]皇家法院逐漸失去了對音樂的壟斷，這在很大程度上是由於不穩定的英國聯邦的解散和光榮的革命在法庭音樂家頒布。[11][n 4]1672年，前法院音樂家約翰·巴尼斯特（John Banister）開始在倫敦的小酒館舉行流行的公開音樂會。[n 5]他的受歡迎程度迅速揭示了倫敦公共音樂會的突出。[19]“古典”的概念（或更常見的“古代音樂”）仍然建立在形式和卓越的原則上，根據Heartz“公民儀式，宗教和道德活動，在這種新穎的音樂品味建構中都顯著地構成”。[15]這種音樂的表演是專門的古代音樂學院後來在音樂會音樂會系列，在其中精選的第16和17位作曲家的作品中有特色，[20]尤其喬治·弗里德里奇·漢德爾（George Frideric Handel）.[15][n 6]在法國，統治路易十四（r。1638–1715）看到了文化文藝復興時期，到底molière，讓·德拉·芬丹（Jean de la Fontaine）和讓·拉辛（Jean Racine）被認為超過了古典的成就。[21]因此，他們被描述為“古典”，音樂讓·巴蒂斯特·盧莉（Jean-Baptiste Lully）（然後克里斯托夫·威利巴爾德·格魯克（Christoph Willibald Gluck）），被指定為“L'OpéraFrançaiseClassique”。[21]在其餘的歐洲大陸，放棄將“古典”定義為類似於希臘羅馬世界的世界較慢，這主要是因為規範曲目的形成是最小或獨有的。[15]

19世紀初期的許多歐洲評論員在古典音樂的定義中發現了新的統一：將舊作曲家並列沃爾夫岡·阿馬迪斯·莫扎特，約瑟夫·海頓（Joseph Haydn），（不包括他的一些以後作品）路德維希·範·貝多芬作為反對新興風格的“古典”浪漫音樂.[22][23][24]特別是這三個作曲家被分組為第一維也納學校，有時被稱為“維也納經典”，[n 7]由於這三個人都沒有出生在維也納，而海頓和莫扎特在城市度過的時間很少，這是一個問題。[25]雖然這是一個經常表達的特徵，但這並不是一個嚴格的表徵。1879年作曲家查爾斯·肯辛頓·薩拉曼（Charles Kensington Salaman）將以下作曲家定義為經典：巴赫，漢德爾，海頓，莫扎特，貝多芬，韋伯，Spohr和門德爾松.[26]從更廣泛的角度來看，一些作家使用“古典”一詞來讚美各種作曲家的備受讚譽的成果，尤其是那些在既定類型中製作了許多作品的人。[11][n 8]

當代理解

當代對“古典音樂”一詞的理解仍然模糊而多方面。[31][32]其他術語，例如“藝術音樂”，“佳能音樂”，“耕種音樂”和“認真的音樂”，這在很大程度上是同義詞。[33]通常表示或暗示“古典音樂”一詞僅關注西方世界，[34]相反，在許多學術歷史中，“西方音樂”一詞不包括非古典音樂。[35][n 9]另一個並發症在於，“古典音樂”有時用於描述非西方藝術音樂，表現出相似的長期和復雜的特徵。示例包括印度古典音樂（Carnatic和印度斯坦音樂），加梅蘭音樂和中國帝國法院的各種風格（見yayue例如）。[1]因此，在20世紀後期的術語中，例如“西方古典音樂”和“西方藝術音樂”來解決這個問題。[34]音樂學家拉爾夫·洛克（Ralph P. Locke）注意到這兩個術語都是理想的，因為它們在考慮“來自非西方文化的西方藝術音樂流派的某些從業者”時會產生“有趣的並發症”。[37][N 10]

複雜性音樂形式和和聲組織是古典音樂的典型特徵。[1]這牛津英語詞典（OED）提供了與音樂有關的“古典”一詞的三個定義：[27]

  1. “公認的卓越”
  2. “與流行或民間音樂不同的，與正式音樂傳統有關或特徵的特徵”
  3. 更具體地說，“與19世紀末和19世紀初的正式歐洲音樂有關，其特徵在於和諧，平衡和遵守既定的構圖形式”。

最後一個定義涉及現在所謂的古典時期這是從18世紀下半葉到19世紀初的歐洲音樂的特定風格時代。[38]

歷史

更多信息：音樂史，按時代按古典音樂作曲家列表， 和古典音樂時代的日期

根

更多信息：古代音樂，古希臘的音樂， 和古羅馬的音樂

西方古典傳統正式始於早期基督教教會創作的音樂。[39]早期教會很可能希望與主要的教會分離古希臘的音樂和羅馬，因為這提醒了異教宗教它有過迫害和受到迫害.[39]因此，尚不清楚基督教教會的音樂以及整個西方古典音樂的程度受到之前的影響古代音樂.[40]對音樂的一般態度是從古希臘和羅馬音樂理論家和評論員。[41][n 11]就像在希臘羅馬社會中一樣，音樂被認為是教育的核心。除了算術，幾何和天文學外，音樂還包括在內四胎，標准上層的四個主題文科教育在裡面中世紀.[43]對音樂的高度重視是學者首先促進的cassiodorus，塞維利亞的伊西多爾，[44]特別是Boethius，[45]從音樂角度來看，他們的傳播和擴展畢達哥拉斯，亞里士多德和柏拉圖對於中世紀音樂思想的發展至關重要。[46]但是，學者，中世紀音樂理論家和作曲家經常誤解或誤解了希臘和羅馬前任的著作。[47]這是由於中世紀音樂家可獲得的倖存的希臘羅馬音樂作品，這是由於完全沒有[47][N 12]在塞維利亞的伊西多爾（Isidore）c.559 - 636）說：“除非人類記住的聲音，否則他們滅亡，因為他們不能寫下來”系統的符號實踐古希臘幾個世紀以前。[48][N 13]音樂學家古斯塔夫·里斯（Gustave Reese）但是，注意到，許多希臘羅馬文字仍然可以被認為是對西方古典音樂的影響，因為中世紀的音樂家經常閱讀他們的作品 - 沒有尊重他們是否正確的作品。[47]

但是，有一些無可爭議的音樂連續古代世界.[49]基本方面，例如單聲，即興創作在音樂環境中，文字在幾乎所有古代文明的音樂中都在音樂環境中的主導地位很突出。[50]希臘的影響特別包括教堂模式（這是發展的後代Aristoxenus和畢達哥拉斯），[51]基本的聲學理論從畢達哥拉斯調整，[40]以及中心功能四角洲.[52]古希臘樂器，例如奧洛斯（一個蘆葦樂器）和七弦琴（類似於小的弦樂器豎琴）最終導致了交響樂團的幾種現代樂器。[53]然而，唐納德·傑伊·格羅特（Donald Jay Grout）指出，試圖建立從古代音樂到早期中世紀的直接進化聯繫是毫無根據的，因為它幾乎完全受到希臘羅馬音樂理論的影響，而不是表演或實踐。[54]

早期音樂

主要文章：早期音樂

中世紀

主要文章：中世紀音樂
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音樂家演奏維埃爾（十四世紀中世紀手稿）

中世紀音樂包括從之後的西歐音樂西羅馬帝國的墮落到476至1400。單聲音頌歌，也稱為平原或格里高利的頌歌，直到1100年才是主要形式。[55]克里斯蒂安·僧侶（Christian Monks）開發了歐洲音樂符號的第一種形式，以便在整個教堂中標準化禮儀。[56][57]複音（多聲音）音樂在整個晚期發出的音樂中世紀並進入再生，包括更複雜的聲音Motets。在此期間早期中世紀，來自禮儀流派，主要是格里高利的頌歌， 曾是單聲音，使用單個無人陪伴的人聲旋律系列。[58]複音使用多種獨立聲音旋律的人聲流派開始發展中世紀高時代，到13世紀後期和14世紀初變得普遍。著名的中世紀作曲家包括賓根的希爾德加德，萊寧，pérotin，菲利普·德·維特里（Philippe de Vitry），Guillaume de Machaut，弗朗切斯科·蘭迪尼（Francesco Landini）， 和約翰內斯·塞科尼亞.

許多中世紀樂器仍然存在，但形式不同。中世紀的樂器包括長笛， 這錄音機並拔出弦樂器像琵琶。同樣，早期版本的器官和小提琴（或者維埃爾） 存在。歐洲的中世紀樂器最常被單獨使用，通常是自我伴隨的無人機注意，或偶爾分零件。從至少早在13世紀到15世紀豪特（大聲，刺耳，室外樂器）和bas（更安靜，更親密的樂器）。[59]許多樂器在東方的前任中有根源從中世紀伊斯蘭世界採用.[60]例如，阿拉伯語rebab是所有歐洲人的祖先鞠躬的弦樂器， 包括里拉，麗貝和小提琴.[61][62]

再生

主要文章：文藝復興時期的音樂
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文藝復興時代從1400到1600年。其特徵是更多地使用儀器，多個交織的旋律線條，並使用第一個低音儀器。社交舞蹈變得更加普遍，因此適合伴隨舞蹈的音樂形式開始標準化。正是在這個時候，音樂在職員和其他元素音樂符號開始成形。[63]本發明使得作品一首音樂中的音樂傳播;沒有書面音樂，傳輸是口頭的，並且每次傳輸時都可能發生變化。與樂譜，可以在沒有作曲家的存在的情況下進行音樂作品。[64]可移動型的發明印刷機在15世紀，對音樂的保存和傳播產生了深遠的影響。[65]

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許多樂器起源於文藝復興時期；其他是以前存在的儀器的變體或改進。今天有些人倖存下來。其他人已經消失，只是為了在時期樂器上表演音樂而被重新創建。與現代一樣，樂器可以歸類為黃銅，弦，打擊樂器和木管樂器。文藝復興時期的銅管樂器傳統上是由專業人士演奏的公會他們包括滑小號，木製短號，valveless喇叭和麻袋。弦樂器包括分子， 這麗貝，像豎琴一樣七弦琴， 這Hurdy-Gurdy， 這琵琶， 這吉他， 這公民， 這班多拉，和orpharion.鍵盤帶有琴弦的樂器包括豎琴和克拉維科。打擊樂器包括三角形， 這猶太人的豎琴， 這手提琴，鈴鐺，隆隆聲和各種鼓。木管樂器包括雙重的肖姆（早期成員雙簧管家庭），蘆葦管， 這風笛， 這橫笛， 這錄音機， 這dulcian，和克魯姆霍恩。簡單的管琴器官存在，但在很大程度上僅限於教堂，儘管有便攜式品種。[66]打印實現了儀器的描述和規格的標準化，以及使用指令。[67]

文藝復興時期的聲樂是為了蓬勃發展的繁榮而聞名複音風格。在整個文藝復興時期持續的主要禮儀形式是群眾和摩托車，還有其他一些發展，尤其是當神聖音樂的作曲家開始採用世俗形式（例如牧歌）用於自己的設計。在這一時期結束時，歌劇的早期戲劇性先驅，例如Monody，TheMadrigal喜劇，和Intermedio被看見。 1597年左右，意大利作曲家Jacopo Peri寫達芬，第一項稱為歌劇今天。他還組成歐里迪斯，第一部直到今天倖存的歌劇。

值得注意的文藝復興作曲家包括Josquin des Prez，Giovanni Pierluigi da Palestrina，約翰·鄧斯塔普爾（John Dunstaple），約翰內斯·奧克格姆（Johannes Ockeghem），奧蘭德·德·拉蘇斯（Orlande de Lassus），Guillaume du Fay，吉爾斯·賓喬伊斯（Gilles Binchois），托馬斯·塔利斯（Thomas Tallis），威廉·伯德（William Byrd），Giovanni Gabrieli，Carlo Gesualdo，約翰·道蘭（John Dowland），雅各布·奧布雷赫特（Jacob Obrecht），阿德里安·威拉特（Adrian Willaert），雅克·阿卡德爾特（Jacques Arcadelt）， 和Cipriano de Rore.

普通練習期

這普通練習期通常被定義為形成與公共實踐解散之間的時代音調。該術語通常跨越大約兩個半世紀，包括巴洛克式，古典和浪漫時期。

巴洛克式

主要文章：巴洛克音樂
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巴洛克儀器包括Hurdy-Gurdy，豎琴，貝斯分子，琵琶，小提琴， 和巴洛克吉他

巴洛克音樂的特徵是使用複雜的音調對位和使用巴索連續，連續的低音線。與所有前期的簡單歌曲相比，音樂變得更加複雜。[68]開始的開始奏鳴曲形式在卡佐納，就像更正式的概念主題和變化。音調專業和未成年人作為管理不和諧和色度音樂中的形狀充滿了形狀。[69]

在巴洛克時代，鍵盤音樂在豎琴和管風琴變得越來越受歡迎，小提琴家族的弦樂器家族如今通常可以看到這種形式。歌劇作為一部演出的音樂戲劇開始與早期的音樂和戲劇形式區分開來，以及像CANTATA和演說家變得更加普遍。[70]歌手首次開始為音樂添加額外的筆記。[68]

周圍的理論相等的氣質開始進行更廣泛的練習，尤其是因為它在難以調整的鍵盤儀器中實現了更廣泛的色彩可能性。雖然J.S.巴赫沒有使用平等的氣質，因為通常會調整現代鋼琴，因此氣質變化指內系統系統，當時很常見，到各種氣質使所有鑰匙在音樂上可以接受的鑰匙之間的調製使他成為可能脾氣暴躁的克拉維爾.[71]

巴洛克儀器包括早期（例如Hurdy-Gurdy and Recorder）和許多新儀器（例如，雙簧管，低音，大提琴，Controbass和Fortepiano）的一些樂器。以前時代的一些樂器被廢棄了，例如肖姆（Shawm）公民，拉克特，還有木製的角膜。弦的關鍵巴洛克儀器包括小提琴，分子，中提琴，中提琴，大提琴，違禁品，琵琶，理論（經常玩巴索連續部分），曼陀林，巴洛克吉他，豎琴和Hurdy-Gurdy。木管樂器包括巴洛克笛，巴洛克雙簧管，錄音機和巴鬆管。銅管樂器包括科內特，天然喇叭，天然小號，蛇和長號。鍵盤儀器包括克拉維科， 這切線鋼琴， 這豎琴， 這管風琴，在此期間，Fortepiano（鋼琴的早期版本）。打擊樂器包括蒂姆帕尼，小鼓，手提琴和板岩.

巴洛克音樂與隨之而來的古典時代之間的一個主要區別在於，巴洛克合奏中使用的樂器類型的標準化卻少得多。巴洛克合奏可以包括幾種不同類型的鍵盤儀器之一（例如，管風琴或大鍵琴），[72]其他弦樂器（例如，琵琶），弓弦，木管樂器和銅管樂器，以及執行Basso Continuo的貝司儀器數量的數量，例如大提琴，違禁，Viola，Viola，Bassoon，Serpent等）。

巴洛克時代的人聲發展包括歌劇諸如歌劇Seria和OpéraComique，以及相關形式，例如演說家和頌歌.[73][74]

這個時代的重要作曲家包括約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach），安東尼奧·維瓦爾第，喬治·弗里德里奇·漢德爾（George Frideric Handel），亨利·珀塞爾（Henry Purcell），克勞迪奧·蒙特維迪（Claudio Monteverdi），芭芭拉·斯羅齊（Barbara Strozzi），Domenico Scarlatti，喬治·菲利普·泰勒曼（Georg Philipp Telemann），Arcangelo Corelli，亞歷山德羅·斯卡拉蒂，讓·菲利普·拉莫（Jean-Philippe Rameau），讓·巴蒂斯特·盧莉（Jean-Baptiste Lully）， 和海因里希·舒茨（HeinrichSchütz）.

古典

主要文章：古典時期（音樂）
也可以看看：古典作曲家列表
約瑟夫·海頓（Joseph Haydn）（1732–1809）刻畫托馬斯·哈迪（1791）

儘管“古典音樂”一詞包括從中世紀時代到2000年代的所有西方藝術音樂，但古典時代是從1750年代到1820年代初的西方藝術音樂時代 - 沃爾夫岡·阿馬迪斯·莫扎特，約瑟夫·海頓（Joseph Haydn）， 和路德維希·範·貝多芬.

古典時代建立了許多構圖，演示和風格的規範，也是鋼琴成為主要鍵盤工具的時候。這基本的一個需要的力樂隊變得有些標準化（儘管它們會隨著在接下來的幾個世紀開發出更廣泛的儀器的潛力而成長）。室內音樂成長為包括多達8至10個表演者的合奏小夜曲.歌劇在意大利，法國和講德語的土地上繼續發展，地區風格。這歌劇布法塔，一種漫畫歌劇的形式，流行起來。這交響樂作為音樂形式出現，並開發了協奏曲作為展示演奏技巧的工具。樂團不再需要豎琴（這是傳統的一部分連續以巴洛克式的風格），通常由小提琴家領導（現在稱為音樂會大師）。[75]

古典時代音樂家繼續使用巴洛克時代的許多樂器鋼琴）和器官。雖然一些巴洛克式樂器被廢棄（例如Theorbo和Rackett），但許多巴洛克儀器已更改為當今仍在使用的版本，例如巴洛克小提琴（這成為小提琴），巴洛克雙簧管（變成了雙簧管）和巴洛克式小號，過渡到常規閥門。在古典時代，樂團中使用的弦樂器和室內樂如字符串四重奏被標準化為形成的四種樂器字符串部分的樂隊：小提琴，中提琴，大提琴和雙低音。巴洛克時代的弦樂器，例如彎曲，鞠躬分子被淘汰了。木管樂器包括Basset單簧管，巴塞特號角，Crarinette d'Amour，古典單簧管， 這Chalumeau，長笛，雙簧管和低音。鍵盤儀器包括克拉維科和Fortepiano。而豎琴在1750年代和1760年代，它仍然在巴索連續伴奏中使用，它在本世紀末不使用。銅管樂器包括buccin， 這ophicleide（替代低音蛇，這是圖巴）和天然喇叭.

在古典時代，風樂器變得更加精緻。儘管雙重像這樣的樂器雙簧管和巴鬆管在巴洛克式中有些標準化，單簧管家庭單蘆葦直到莫扎特擴大了其在管弦樂，室和協奏曲環境中的作用。[76]

這段時期的主要作曲家包括沃爾夫岡·阿馬迪斯·莫扎特，路德維希·範·貝多芬，約瑟夫·海頓（Joseph Haydn），克里斯托夫·威利巴爾德·格魯克（Christoph Willibald Gluck），約翰·克里斯蒂安·巴赫（Johann Christian Bach），Luigi Boccherini，卡爾·菲利普·伊曼紐爾·巴赫，Muzio Clementi，安東尼奧·薩利裡（Antonio Salieri）， 和約翰·尼波莫克·漢梅爾（Johann Nepomuk Hummel）.

浪漫的

主要文章：浪漫音樂
也可以看看：浪漫時代的作曲家名單
約瑟夫·丹豪瑟（Josef Danhauser）1840年的繪畫弗朗茲·李斯特（Franz Liszt）在包圍的鋼琴上（從左到右）亞歷山大·杜馬斯（Alexandre Dumas），Hector Berlioz，喬治·桑德，NiccolòPaganini，Gioachino Rossini，瑪麗·阿古爾特（Marie D'Agoult）半身像路德維希·範·貝多芬在鋼琴上。

浪漫時代的音樂，從19世紀的大約十年到20世紀初，其特徵是人們對擴展的旋律線以及表現力和情感元素的關注越來越多，並行浪漫主義以其他藝術形式。音樂形式開始從古典時代的形式（即使是被編纂的）中斷，有自由形式的作品夜曲，幻想曲， 和前奏在接受有關主題的博覽會和發展的觀念的文章被忽略或最小化。[77]音樂變得更加色彩，不和諧和色彩豐富多彩，並隨著關鍵簽名的增加而緊張（關於舊形式的公認規範）。[78]這藝術歌曲（或者撒謊）在這個時代成熟，史詩般的尺度也是如此大歌劇，最終超越理查德·瓦格納（Richard Wagner）環循環.[79]

在19世紀，音樂機構源於對富裕顧客的控制，因為作曲家和音樂家可以獨立於貴族來建立生活。整個西歐的中產階級不斷增長的中產階級對音樂的興趣增加，這激發了組織的教學，表演和保存。鋼琴在這個時代實現了現代建築（部分是由於工業發展冶金）在中產階級中廣泛流行，中產階級的要求刺激了許多鋼琴製造商。許多交響樂團將他們的成立與這個時代有關。[78]一些音樂家和作曲家是當天的明星。有些，喜歡弗朗茲·李斯特（Franz Liszt）和NiccolòPaganini，履行這兩個角色。[80]

歐洲文化思想和機構開始遵循殖民地擴展到世界其他地區。在這個時代的盡頭，也有一個上升音樂中的民族主義（在某些情況下，回應當時的政治情感），如作曲家Edvard Grieg，尼古拉·里姆斯基 - 科薩科夫， 和安東尼·德沃克在其作品中回應了家鄉的傳統音樂。[81]

在浪漫時代，現代鋼琴，具有更強大，持續的語氣和更廣泛的範圍，從聽起來更精緻的Fortepiano接管。在樂團中，保留了現有的古典工具和部分（字符串部分，木管樂器，黃銅和打擊樂器），但是這些部分通常會擴展到更大，更大的聲音。例如，雖然巴洛克樂團可能有兩個雙低音演奏者，但浪漫的樂團可能有多達十個。“隨著音樂越來越表現力，標準的管弦樂調色闆對許多浪漫作曲家來說還不夠豐富。”[82]

使用的樂器家屬，尤其是在樂團中，越來越大。在20世紀初期，浪漫主義和現代主義作曲家使用的非常大的樂團在20世紀初達到了高潮。一系列打擊樂器開始出現。銅管樂器扮演更大的角色，作為引入旋轉閥使他們有可能演奏更廣泛的音符。樂團的規模（通常在古典時代大約40個）越來越多。[78]古斯塔夫·馬勒（Gustav Mahler）1906年第8交響曲例如，已經對超過400多個工具主義者和合唱團進行了執行。[83]添加了新的木管樂器，例如違禁條，低音單簧管和短笛並添加了新的打擊樂器，包括木琴，鼓鼓，Celestas（鐘形鍵盤樂器），鈴鐺， 和三角形，[82]大的管弦樂豎琴， 乃至風車為了聲音特效.薩克斯管從19世紀後期開始出現一些分數，通常以獨奏樂器而不是樂團的整體部分。

這瓦格納·圖巴（Wagner Tuba），霍恩家族的修改成員，出現在理查德·瓦格納（Richard Wagner）的周期nibelungen。它在安東·布魯克納（Anton Bruckner）E專業的第七交響曲理查德·斯特勞斯（Richard Strauss）也用於幾種晚期浪漫和現代主義作品BélaBartók， 和別的[84]小號定期出現在19世紀的得分中，至少直到本世紀末，喇叭被認為不那麼敏捷。

這個時代的重要作曲家包括Pyotr Ilyich Tchaikovsky，Frédéric肖邦，Hector Berlioz，弗朗茲·舒伯特（Franz Schubert），羅伯特·舒曼，Felix Mendelssohn，弗朗茲·李斯特（Franz Liszt），朱塞佩·維爾迪（Giuseppe Verdi），理查德·瓦格納（Richard Wagner），約翰內斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms），亞歷山大·斯克里賓（Alexander Scriabin），尼古拉·梅特納（Nikolai Medtner），Edvard Grieg， 和約翰·施特勞斯二世.古斯塔夫·馬勒（Gustav Mahler）和理查德·斯特勞斯（Richard Strauss）通常被視為過渡作曲家，其音樂結合了晚期浪漫主義和早期現代主義元素。

20世紀和21世紀

主要文章：20世紀古典音樂和21世紀的古典音樂

現代主義者

伊戈爾·斯特拉文斯基， 經過巴勃羅畢加索，合作者Pulcinella（1920）
主要文章：現代主義（音樂）

包括各種各樣的後浪漫主義風格，現代主義的古典音樂包括晚期的浪漫主義，印象派，表現主義者和新古典主義的作品。現代主義標誌著一個時代，許多作曲家拒絕了普通實踐時期的某些價值觀，例如傳統的音調，旋律，儀器和結構。一些音樂歷史學家認為音樂現代主義是一個從1890年到1930年延伸的時代。[85][86]其他人則認為現代主義以兩次世界大戰中的一個或另一個結束。[87]還有其他當局聲稱現代主義與任何歷史時代無關，而是“態度作曲家；可以隨著時代而發展的生活結構。[88]儘管它在20世紀的最後三分之一的下降，但在本世紀末仍然存在著作曲家的活躍核心，他們繼續推進現代主義的思想和形式，例如皮埃爾·布萊茲（Pierre Boulez），寶琳·奧利弗羅斯（Pauline Oliveros），Toru Takemitsu，喬治·本傑明，雅各布·德魯克曼，Brian Ferneyhough，喬治·佩爾，Wolfgang Rihm，理查德·沃尼克（Richard Wernick），理查德·威爾遜， 和Ralph Shapey.[89]

在這段時間裡有兩個主導的音樂動作是印象派從1890年左右開始表現主義者它始於1908年左右。這是一個在挑戰和重新詮釋舊類別的音樂方面的各種反應時期，這些創新導致了新的組織和接近諧波，旋律，聲音，聲音和節奏的音樂的方式，以及在審美世界觀中的變化以及審美世界觀的變化與更大的可識別期有關現代主義在當時的藝術中。與之相關的最相關的手術單詞是“創新”。[90]它的主要功能是“語言多元化”，也就是說沒有單一的音樂類型曾經擔任過主導地位。[91]

在現代主義時代的早期，樂團的規模持續增長，在20世紀的前二十年達到頂峰。在19世紀很少出現的薩克斯風越來越普遍用作補充工具，但從未成為樂團的核心成員。例如，在某些作品中僅顯示出特色的獨奏樂器莫里斯·拉維爾（Maurice Ravel）的編排謙虛的穆索爾格斯基展覽中的圖片和Sergei Rachmaninoff交響舞，薩克斯管包括在其他作品中Sergei Prokofiev羅密歐與朱麗葉套房1和2還有許多其他作為管弦樂隊成員的作品。在某些構圖中，例如拉維爾Boléro，使用不同尺寸的兩個或多個薩克斯管用於創建整個部分，例如樂團的其他部分。這Euphonium遲到了浪漫的和20世紀作品，通常扮演標記為“男高音塔巴”的作品，包括古斯塔夫·霍爾斯特行星， 和理查德·斯特勞斯（Richard Strauss）Ein Heldenleben.

20世紀初的著名作曲家包括伊戈爾·斯特拉文斯基，克勞德·德彪西，Sergei Rachmaninoff，Sergei Prokofiev，阿諾德·肖恩伯格（Arnold Schoenberg），Nikos Skalkottas，HEOTOR VILLA-LOBOS，安東·韋伯恩，Alban Berg，塞西爾·夏尼納德（CécileChaminade），保羅·欣德米斯（Paul Hindemith），Aram Khachaturian，喬治·格甚溫，艾米海灘，BélaBartók， 和DMITRI SHOSTAKOVICH，以及上述的馬勒（Mahler）和施特勞斯（Strauss）作為從19世紀延續的過渡人物。

後現代/現代

主要文章：後現代音樂和當代古典音樂
也可以看看：高現代主義，20世紀古典作曲家名單， 和21世紀古典作曲家名單

後現代音樂根據某些當局的說法，是1930年開始的音樂時期。[85][86]它與後現代主義藝術 - 也就是說，隨後的藝術反應現代主義.

其他一些當局或多或少地等同於1930年後（從20世紀末到21世紀初）創作的“當代音樂”。[92][93]後現代/當代時代的某些多樣化運動包括神經，新手，極簡主義和極簡主義者。

當代古典音樂在21世紀初，經常被認為包括所有1945年後的音樂形式。[94]一代人之後，這個詞現在正確地指的是仍然活著的作曲家所寫的今天的音樂。1970年代中期突出的音樂。它包括不同的變體現代主義者，後現代，神經， 和多元主義音樂.[89]

表現

青年樂團在性能中

廣泛研究古典音樂的表演者被稱為“經典訓練”。這項培訓可能來自樂器或語音老師的私人課程，或完成音樂學院，大學或大學提供的正式課程，例如音樂學士學位或者音樂大師學位（包括教授的個人課程）。在古典音樂中，“……廣泛的正規音樂教育和培訓通常需要研究生學位[碩士學位]水平”。[95]

古典音樂曲目的表現需要熟練視奏和合奏播放，諧波原則，強大耳朵訓練（用耳朵糾正和調整音高）性能實踐（例如，巴洛克式裝飾），並且熟悉給定作曲家或音樂作品的風格/音樂習語（例如，婆羅門交響曲或莫扎特協奏曲）。

歐洲古典音樂的關鍵特徵將其與眾不同流行音樂，民間音樂，以及其他一些古典音樂傳統，例如印度古典音樂，是曲目傾向於寫下音樂符號，創建音樂部分或分數.[96]該分數通常決定節奏，音調以及兩名或更多音樂家（無論是歌手還是樂器演奏家）的細節，各個部分如何協調。音樂的書面質量使他們內心具有很高的複雜性：fugues，例如，實現大膽獨特的旋律線條編織的傑出婚姻對位然而創造了連貫的諧波邏輯。書面符號的使用還保留了作品的記錄，並使古典音樂家能夠在許多世紀前表演音樂。

儘管2000年代的古典音樂已經失去了大部分傳統音樂即興演奏，從巴洛克時代到浪漫時代，都有表演者可以即興創作時代風格的例子。在巴洛克時代，器官表演者會即興創作前奏，鍵盤表演者播放豎琴會即興創作和弦來自發現低音Basso Continuo部分的低音音符下方的符號以及聲樂和樂器表演者都會即興創作音樂裝飾品.[97]約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）因其複雜的即興創作而尤其引人注目。[98]在古典時代，作曲家表演者沃爾夫岡·阿馬迪斯·莫扎特因其能夠以不同風格即興旋律的能力而聞名。[99]在古典時代，一些專家獨奏家會即興創作卡登扎協奏曲的部分。在浪漫時代，路德維希·範·貝多芬會在鋼琴上即興演奏。[100]

古典音樂的女性

主要文章：古典音樂的女性
更多信息：音樂中的女人
瑪莎·阿格里奇（Martha Argerich）在基爾奇納文化中心，布宜諾斯艾利斯

在音樂教科書中所描述的幾乎所有作曲家都在古典音樂中進行了描述，其作品被廣泛演奏為標準音樂會曲目是男性作曲家，即使有一個大量女性作曲家在整個古典音樂時期。音樂學家瑪西婭·塞倫（Marcia Citron）已經問：“ [w]是女性創作的音樂這麼邊緣是標準的“古典”曲目？”[101]Citron“研究導致女性作曲家被排除在收到的情況下的實踐和態度”佳能“表演的音樂作品”。她認為，在1800年代，女性作曲家通常寫藝術歌曲用於小型演奏而不是交響曲打算在一個大廳裡與樂團演出，後者的作品被視為作曲家最重要的類型。由於女作曲家沒有寫很多交響曲，因此她們被認為並不是作曲家的知名度。[101]在裡面 ”...簡明的牛津音樂歷史，克拉拉（C）是唯一的sic]提到的女作曲家。”[102]修道院飛利浦指出：“撰寫/扮演的婦女的關注遠低於男性。”[102]

從歷史上看，主要專業人士樂團主要或完全由男人的音樂家組成。一些最早的案例婦女被專業樂團僱用在豎琴手。這維也納愛樂樂團例如，直到1997年才接受婦女的永久會員資格，比其他樂團在世界前五名中的其他樂團晚得多留聲機在2008。[103][N 14]任命一名婦女擔任永久職位的最後一個主要樂團是柏林愛樂樂團.[107]直到1996年2月，維也納愛樂樂團的主要長笛，Dieter Flury， 告訴Westdeutscher rundfunk接受女性將是“與情感統一賭博（emotionelle Geschlossenheit）該生物目前具有“”。[108]1996年4月，樂團的新聞秘書寫道，“彌補了預期的缺席葉子”產假將是一個問題。[109]

2013年，一篇文章瓊斯母親表示“ [m]任何著名的管弦樂隊都有重要的女性成員資格，但在人數中超過了男人紐約愛樂樂團的小提琴部分 - 以及幾個著名的合奏，包括國家交響樂團， 這底特律交響樂，明尼蘇達州的交響樂由女性小提琴家領導：低音主要樂團的黃銅和打擊樂部分“……仍然是男性”。[110]2014年英國廣播公司（BBC）的一篇文章指出，“ ...介紹“盲”試鏡，如果潛在的樂器演奏者在屏幕後面表演，以使評審小組無法行使性別或種族偏見，那麼傳統上以男性為主的交響樂團的性別平衡逐漸改變。”[111]

與其他音樂傳統的關係

流行音樂

古典音樂經常結合了來自的元素或材料流行音樂作曲家的時間。例子包括偶爾的音樂，例如Brahms在他的學術節序曲，體裁被舉例說明庫爾特·威爾（Kurt Weill）三分之一的歌劇，以及爵士對20世紀早期和20世紀中期作曲家的影響莫里斯·拉維爾（Maurice Ravel），由他的奏鳴曲中的《小提琴和鋼琴》中的題為“布魯斯”的運動舉例說明。[112]一些後現代，極簡主義者和郵政郵局古典作曲家承認對流行音樂的債務。[113][驗證失敗]

許多例子顯示了相反方向的影響，包括基於古典音樂的流行歌曲，帕切爾貝爾的佳能自1970年代以來一直被放置跨界現象，古典音樂家在流行音樂領域取得了成功。[114]在重金屬，許多首席吉他手（玩電吉他）， 包含里奇·布萊克莫爾（Ritchie Blackmore）和Randy Rhoads，[115]在巴洛克式或古典樂器音樂上模仿他們的演奏風格。[116]

民間音樂

古典音樂的作曲家經常使用民間音樂（音樂家通常不經過經典訓練的音樂，通常是從純粹的口頭傳統中創造的）。一些作曲家，喜歡dvo夏克和Smetana，[117]使用民間主題來賦予他們的作品一種民族主義的風味，而其他人則喜歡巴爾托克已經使用了特定的主題從他們的民間音樂起源中提升。[118]Khachaturian廣泛地納入他的作品中的民間音樂亞美尼亞，但也是中東和東歐的其他種族。[119][120]

商業化

隨著出現無線電廣播和唱片商店，現場古典音樂表演已彙編為彙編CD。（（WQXR為了塔記錄，1986）

某些古典音樂的主食經常在商業上使用（在廣告或電影配樂中）。在電視廣告中，已經變成了幾段陳詞濫調，特別是開放理查德·斯特勞斯（Richard Strauss）'還有Sprach Zarathustra（在電影中聞名2001：空間奧德賽）和開頭部分”o fortuna“ 的卡爾·奧爾夫（Carl Orff）Carmina Burana;其他示例包括“死亡“ 來自威爾第安魂曲，Edvard Grieg'在山區大廳“ 從同伴Gynt，開頭的酒吧貝多芬第5交響曲，瓦格納'ride“ 從diewalküre，Rimsky-Korsakov'大黃蜂的飛行”，摘錄亞倫科普蘭牛仔競技表演。來自黃金時代的動畫將動作與古典音樂相匹配。值得注意的例子沃爾特·迪斯尼幻想曲，湯姆和傑瑞約翰·鼠標， 和華納兄弟。'塞維利亞的兔子和什麼是歌劇，Doc？

同樣，電影和電視經常恢復到標準的，陳詞濫調的古典音樂摘錄，以傳達精緻或富裕：此類別中最常見的聽覺作品包括巴赫大提琴套房1號，莫扎特Eine Kleine Nachtmusik，維瓦爾第四個季節，墨索爾斯基在禿頭上的夜晚（由Rimsky-Korsakov精心策劃），然後羅西尼'威廉·泰爾（William Tell）序曲“肖恩·範考爾（Shawn Vancour）認為，20世紀初期古典音樂的商業化可能損害了音樂行業通過不充分的代表。[121]

教育

更多信息：音樂教育

在1990年代，幾本研究論文和流行書籍寫道，即將被稱為“莫扎特效應“：由於聽莫扎特的作品而觀察到的某些測試中觀察到的臨時，較小的分數提高。自然建議聽莫扎特暫時提高學生的智商以8至9分。[122]該理論的普及版本由紐約時報音樂專欄作家亞歷克斯·羅斯：“研究人員...已經確定聽莫扎特實際上會使您更聰明。”[123]發起人銷售的CD聲稱會引起這種影響。佛羅里達州通過了一項法律，要求國營學校的幼兒每天聽古典音樂，1998年，佐治亞州州長每年預算105,000美元，以向佐治亞州出生的每個孩子提供古典音樂的錄音帶或CD。莫扎特效應的原始研究的合著者之一評論說：“我認為這不會受傷。音樂教育程式。”[124]

參考

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