音樂

音樂寓言, 經過FrançoisBoucher,1764年

音樂是個藝術安排聽起來及時通過元素旋律,和諧,節奏和音色。[1][2]這是普遍文化所有人類社會的各個方面。一般的音樂的定義包括常見元素,例如瀝青(政府旋律和諧),韻律(及其相關的概念速度儀表, 和關節),動力學(響亮和柔軟),以及聲音的質量音色質地(有時被稱為音樂聲音的“顏色”)。不同的樣式或類型音樂的強調可能會強調,強調或忽略其中一些元素。音樂表演範圍很大儀器和聲帶技術從唱歌說唱;只有樂器作品完全發聲(例如沒有器樂的歌曲伴奏)以及結合唱歌和樂器的作品。這個詞來自希臘語μουσικήmousiké,'(藝術)繆斯'。[3]

以其最一般的形式,將音樂描述為藝術形式或文化活動包括創作音樂作品(歌曲,曲調,交響曲,等等)對音樂的批評, 這音樂歷史研究,和音樂的美學考試.古希臘印度哲學家將音樂分為兩個部分:旋律,按水平訂購,並像音調垂直訂購一樣和聲。諸如“球的和諧“和“這是我耳邊的音樂”指出,音樂經常被訂購和愉快地聽。但是,20世紀的作曲家約翰·凱奇認為任何聲音都可以是音樂,例如,“沒有噪音,只有聲音。”[4]

音樂的創造,表演,意義,甚至音樂的定義因文化和社會背景而異。確實,在整個歷史上,一些新形式或風格的音樂被批評為“不是音樂”,包括貝多芬'Grosse Fuge弦樂四重奏1825年,[5]早期的爵士樂在1900年代初[6]鐵桿朋克在1980年代。[7]音樂類型多種多樣,包括流行音樂傳統音樂藝術音樂為宗教儀式寫的音樂, 和工作歌曲頌歌。音樂範圍從嚴格組織的作品(例如1700年代和1800年代的古典音樂交響曲)到自發演奏即興音樂爵士樂, 和前衛樣式基於機會當代音樂從20和21世紀開始。

音樂可以分為流派(例如。,鄉村音樂)和類型可以進一步分為子流派(例如。,替代國家鄉村流行音樂儘管音樂流派之間的分歧和關係通常是微妙的,有時對個人解釋開放,偶爾有爭議。例如,很難在1980年代初期的某些地方劃清界限硬石重金屬。內藝術,音樂可能被歸類為表演藝術,美術或作為聽覺藝術。音樂可以播放或演唱,並在搖滾音樂會或樂團演出,作為一個現場直播戲劇性的工作(一個音樂劇院表演或歌劇),或者可以在廣播MP3播放器上錄製並聆聽並聆聽激光唱機手機或AS電影分數或電視節目。

在許多文化中,音樂是人們生活方式的重要組成部分,因為它在宗教儀式通道儀式儀式(例如畢業和婚姻),社交活動(例如,跳舞)和從業餘的文化活動卡拉OK唱歌玩業餘愛好者放克樂隊或在社區中唱歌唱詩班。人們可能會將音樂作為愛好,就像一個青少年在青年樂團,或擔任專業音樂家或歌手。這音樂行業包括創作新歌和音樂作品的個人(例如詞曲作者和作曲家),表演音樂的個人(包括樂團,包括樂團,爵士樂樂隊和搖滾樂隊的音樂家,歌手和指揮),錄製音樂的個人(音樂製作人和聲音工程師),組織音樂會之旅的個人以及出售錄音的個人,樂譜和分數給客戶。即使一旦演奏了一首歌或作品,音樂評論家音樂記者, 和音樂學者可以評估和評估作品及其性能。

詞源和術語

希臘神話,九繆斯是許多創意努力的靈感,包括藝術,並最終變得特別與音樂保持一致

現代英語單詞“音樂”在1630年代開始使用。[8]它源自一長串連續的先驅:古英語13世紀中葉的“ Musike”;這老法語musique12世紀;和拉丁mūsica.[9][10][n 1]拉丁語本身源自古希臘mousiké(technē) - μουσική(τέχνη) - 字面意思是“繆斯女神的(藝術)”。[9][n 2]繆斯是九個古希臘神話誰主持藝術科學.[13][14]最早的西方作家將它們包括在故事中荷馬hesiod[15]並最終與音樂專門相關聯。[14]隨著時間的推移,多血症與其他繆斯女神相比,音樂上的居住更為突出。[11]拉丁語musica也是西班牙人的發起人música和法國musique通過拼寫和語言調整,儘管其他歐洲術語可能是藉詞,包括意大利語musica,德語musik,荷蘭muziek,挪威人musikk, 拋光muzyka和俄語muzïka.[14]

現代西方世界通常將音樂定義為一個無所不包的術語,同樣用來描述各種流派,風格和傳統。[16]在世界範圍內,情況並非如此,諸如現代印尼語等語言(musik) 和Shona(Musakazo)最近採用了詞來反映這一普遍觀念,因為它們沒有完全適合西方範圍的詞。[14]東亞,日本和中國都沒有一個單詞,它涵蓋了廣義上的音樂,但是在文化上,人們通常以這種方式看音樂。[17]最接近中文的音樂的詞,yue,與le,意思是喜悅,最初是在其含義上變窄之前提到的所有藝術。[17]非洲太多了,無法進行堅定的概括,但是音樂學家約瑟夫·漢森·誇貝納·尼凱尼亞強調了非洲音樂經常與一般舞蹈和言語的不可分割的聯繫。[18]一些非洲文化,例如歌耶人剛果tiv人在尼日利亞,對“音樂”有一個強烈而廣泛的概念,但在其母語中沒有相應的單詞。[18]其他通常翻譯為“音樂”的詞通常在各自的文化中具有更具體的含義:印地語的音樂詞,桑吉塔正確指的是藝術音樂[19]而很多美洲的土著語言有專門指歌曲的音樂單詞,但無論如何都會描述樂器音樂。[20]雖然阿拉伯語musiqi可以參考所有音樂,通常用於樂器和公制音樂,而khandan標識聲樂和即興音樂。[21]

歷史

史前

史前音樂只能根據來自舊石器時代考古站點。fl經常被發現,用橫向孔被刺穿的骨頭雕刻;這些被認為像日本人一樣被吹了Shakuhachi。這Divje寶貝長笛,從一個洞穴熊股骨,人們認為至少有40,000年的歷史,儘管圍繞它是真正的樂器還是動物形成的物體存在很大的爭論。[22]諸如七洞長笛和各種類型的儀器弦樂器, 如那個拉瓦納哈莎,已從印度河谷文明考古學站點。[23]

印度是世界上最古老的音樂傳統之一 - 參考印度古典音樂(瑪格)在吠陀經,古代經文印度教傳統。[24]最早,最大的史前樂器集合在中國發現,可追溯到公元前7000至6600年。[25]這 ”Hurrian讚美詩至尼克爾”,在粘土平板電腦那個日期可以追溯到公元前1400年,是最古老的音樂中最古老的音樂作品。[26][27]

古埃及

音樂家阿蒙,墳墓納克特第18王朝,西部底比斯

埃及樂器的最早材料和代表性證據可以追溯到介體時期,但是證據在老王國什麼時候豎琴fl雙簧管被玩了。[28]打擊樂器,Lyres獅子被添加到樂團中間王國.[29]經常伴隨音樂和舞蹈,就像他們仍然在埃及今天。埃及人民間音樂,包括傳統蘇菲dhikr儀式,是最接近當代的音樂類型古埃及人音樂,保留了許多功能,節奏和樂器。[30][31]

亞洲文化

穿著區域服裝的印度婦女演奏各種樂器在印度不同地區流行

亞洲音樂涵蓋了在有關文章中調查的大量音樂文化阿拉伯中亞東亞南亞, 和東南亞。一些傳統陷入古代。

印度古典音樂是世界上最古老的音樂傳統之一。[32]印度河谷文明有顯示舞蹈的雕塑[33]和舊樂器,例如七個洞長笛。已經從各種類型的弦樂器和鼓已從哈拉帕Mohenjo Daro由先生進行的發掘Mortimer Wheeler.[34]里格維達具有當前印度音樂的元素,並帶有音樂符號來表示儀表和誦經方式。[35]印度古典音樂(Marga)是單聲道的,並基於單個旋律系列或拉加節奏組織塔拉斯.Silappadhikaram經過Ilango Adigal提供有關如何通過現有量表對補品的模態轉移如何形成新量表的信息。[36]今天印地語音樂受到影響波斯傳統音樂阿富汗Mughals。Carnatic音樂,在南部州流行,主要是虔誠的。大多數歌曲都介紹給印度教神靈。也有許多強調愛情和其他社會問題的歌曲。

印度尼西亞是鑼聲,印度尼西亞有許多變體,尤其是爪哇巴厘島.

印尼音樂自從青銅時代文化遷移到印尼群島公元前2至3世紀。印尼傳統音樂經常使用打擊樂器,尤其是肯丹。他們中的一些開發了精心製作的獨特樂器,例如薩桑多在死記硬背的弦樂器,聖丹尼斯Angklung,以及復雜而復雜的爪哇人巴厘島Gamelan樂團。印度尼西亞是家的家鑼聲,Gong Chime是一組一組小型,高高的鍋鑼的一般術語。鑼通常按順序放置,船長抬起在木製框架中的繩子上。印尼音樂最受歡迎,最著名的形式可能是加梅蘭,一個調諧的合奏打擊樂器其中包括金屬載體尖刺提琴隨著竹子悶熱.

中國古典音樂,中國的傳統藝術或法院音樂,歷史悠久,大約三千多年。它具有自己獨特的音樂符號系統,以及音樂調整和音調,樂器和風格或音樂流派。中文音樂是五音階 - 五角形,對八度音符(5+7 = 12)的音階和受歐洲影響的音樂也是如此。

古希臘

音樂是社會和文化生活的重要組成部分古希臘實際上,這是向兒童教授的主要主題之一。音樂教育被認為對個人靈魂的發展很重要。音樂家和歌手在希臘劇院[37]接受音樂教育的人被視為貴族和完美的和諧(可以在共和國,柏拉圖)混合性別合唱演出娛樂,慶祝和精神儀式。[38]神聖的古希臘音樂被認為是完美和純潔的例子。儀器包括雙雷奧洛斯和一個拔出弦樂器, 這七弦琴,主要是一種稱為A的特殊類型基塔拉。音樂是教育的重要組成部分,從六歲開始,男孩被教導音樂。希臘音樂素養創造了音樂發展的開花。希臘語音樂理論包括希臘人音樂模式,最終成為西方的基礎宗教古典音樂。後來,影響羅馬帝國,東歐和拜占庭帝國改變了希臘音樂。這Seikilos墓誌銘是世界上任何地方的完整音樂作品(包括音樂符號)的最古老的倖存例子。[39]關於音樂理論主題的最古老的倖存作品是Harmonika Stoicheia經過Aristoxenus.[40]

西方古典

中世紀

音樂符號來自天主教徒遺失, C。 1310–1320

中世紀ERA(476至1400),發生在中世紀,從引入單聲音(單旋律線)誦經進入羅馬天主教會服務。音樂符號自從古代以來被使用希臘文化,但在中世紀,符號首先是由天主教會因此,可以寫下頌歌旋律,以促進整個天主教帝國中相同的旋律用於宗教音樂。從800之前以書面形式找到的唯一以書面形式找到的歐洲中世紀曲目是單聲音禮儀平原羅馬天主教堂的頌歌,其中心傳統被稱為格里高利的頌歌。以及這些傳統神聖教堂音樂存在著充滿活力的傳統世俗歌(非宗教歌曲)。此期間作曲家的示例是萊寧pérotinGuillaume de Machaut, 和Walther Von der Vogelweide.

再生

音樂寓言, 經過Filippino Lippi(c。1650)

文藝復興時期的音樂(c。1400至1600)更專注於世俗(非宗教)主題,例如法庭愛。大約1450年印刷機發明了,印刷了樂譜便宜得多,更容易大量生產(在印刷機發明之前,所有註釋的音樂都是手工播放的)。樂曲音樂的可用性提高有助於更快地傳播音樂風格。音樂家和歌手經常為教堂,法院和城鎮工作。教堂合唱團的規模不斷增長,教堂仍然是音樂的重要贊助人。到15世紀中葉,作曲家撰寫了豐富的複音神聖音樂,其中不同的旋律線條同時交織在一起。這個時代的傑出作曲家包括Guillaume DufayGiovanni Pierluigi da Palestrina托馬斯·莫利(Thomas Morley), 和奧蘭德·德·拉蘇斯(Orlande de Lassus)。隨著音樂活動從教堂轉變為貴族法院,國王,皇后和王子爭奪了最好的作曲家。許多領先的重要作曲家來自荷蘭,比利時和法國北部。它們被稱為佛朗哥 - 普蘭米甚作曲家。他們在整個歐洲,尤其是意大利擔任重要職務。其他充滿活力的音樂活動的國家包括德國,英國和西班牙。

巴洛克式

巴洛克音樂時代發生在1600年至1750年巴洛克藝術風格在整個歐洲蓬勃發展;在此期間,音樂的範圍和復雜性擴大。巴洛克音樂始於創作第一部歌劇(由樂團伴隨著戲劇性的獨奏聲樂)。在巴洛克時代,複音對立音樂使用多個獨立的旋律系列,仍然很重要(在中世紀時代的聲樂中,對立很重要)。德國巴洛克作曲家為小寫合奏包含字符串黃銅, 和木管樂器,以及合唱團和鍵盤儀器,例如管風琴豎琴, 和克拉維科。在此期間,定義了幾種主要的音樂表格,這些形式持續到後期,當時它們被擴展並進一步發展,包括賦格, 這發明, 這奏鳴曲和協奏曲。[41]巴洛克式晚期的風格是整合的複雜且裝飾豐富的。巴洛克時代的重要作曲家包括約翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann Sebastian Bach)(大提琴套房),喬治·弗里德里奇·漢德爾(George Frideric Handel)(彌賽亞),喬治·菲利普·泰勒曼(Georg Philipp Telemann)Antonio Lucio Vivaldi(四個季節)。

古典主義

沃爾夫岡·阿馬迪斯·莫扎特(坐在鍵盤上)是神童鋼琴和小提琴的演奏家。甚至在他成為一名著名作曲家之前,他就被廣泛聞名為有才華的表演者和即興演奏者。

音樂的音樂古典時期(1730年至1820年)旨在模仿古希臘和羅馬藝術和哲學的關鍵要素:平衡,比例和紀律表達的理想。 (注意:來自古典時期不應將一般的古典音樂混淆,這個詞是指西方藝術音樂從5世紀到2000年代,其中包括經典時期作為許多時期之一)。與古典時期的音樂相比巴洛克音樂之前。主要風格是諧音[42]一個突出的地方旋律和下屬和弦伴奏部分顯然是不同的。古典的樂器旋律幾乎是語音的旋律。開發了新的流派,Fortepiano,現代鋼琴的先驅,取代了巴洛克時代豎琴管風琴作為主鍵盤儀器(儘管管風琴繼續用於神聖音樂,例如群眾)。

重視器樂音樂。它是由最初在巴洛克時期定義的音樂形式的進一步發展所佔據的:奏鳴曲,協奏曲和交響樂。其他主要種類是三人組弦樂四重奏小夜曲分離。奏鳴曲是最重要和發展的形式。儘管巴洛克作曲家還寫了奏鳴曲,但奏鳴曲的古典風格是完全不同的。從弦樂四重奏到交響曲和協奏曲的古典時代的所有主要工具形式都是基於奏鳴曲的結構。使用的儀器室內樂樂團變得更加標準化。代替巴索連續巴洛克時代的小組由大鍵琴,器官或琵琶以及許多由小組負責人酌情選擇的低音儀器(例如,Vial,大提琴,理論,蛇,蛇),經典的室內室,使用了指定的標準化工具(例如,弦樂四重奏將由兩隻小提琴,一個中提琴和大提琴進行。巴洛克時代即興創作了Continuo鍵盤手或Lute Player的和弦遊戲,在1750年至1800年之間逐漸消失。

在古典時期,最重要的變化之一是開發公共音樂會。貴族在音樂會和作品的讚助中仍然發揮著重要作用,但是現在作曲家可以生存而不是皇后區或王子的永久僱員。古典音樂的日益普及導致樂團數量和類型的增長。管弦樂音樂會的擴展需要建立大型公共表演空間。交響音樂,包括交響樂,芭蕾舞音樂伴奏以及混合聲樂/器樂類型,例如歌劇和演說家變得更受歡迎。

最著名的古典主義作曲家是卡爾·菲利普·伊曼紐爾·巴赫克里斯托夫·威利巴爾德·格魯克(Christoph Willibald Gluck)約翰·克里斯蒂安·巴赫(Johann Christian Bach)約瑟夫·海頓(Joseph Haydn)沃爾夫岡·阿馬迪斯·莫扎特路德維希·範·貝多芬弗朗茲·舒伯特(Franz Schubert)。貝多芬和舒伯特也被認為是古典時代後期的作曲家,因為它開始朝著浪漫主義發展。

浪漫主義

鋼琴是19世紀中產階級城市人社會活動的核心(莫里茨·馮·施溫德(Moritz von Schwind),1868年)。鋼琴的那個人是作曲家弗朗茲·舒伯特(Franz Schubert).

浪漫音樂(c。1810至1900年)從19世紀開始浪漫的文學和繪畫時代的風格。浪漫主義是一種藝術,文學和智力運動的特點,其特點是它對情感和個人主義以及對過去和自然的榮耀。浪漫音樂將古典時代的僵化風格和形式擴展到更加熱情,戲劇性的表現力和歌曲。浪漫作曲家,例如瓦格納勃拉姆斯試圖增加音樂中的情感表達和力量,以描述更深層的真理或人類的感受。與交響樂語氣詩,作曲家試圖使用樂器音樂來講述故事,並喚起圖像或風景。一些作曲家晉升民族主義以愛國主義的管弦樂為靈感而驕傲民間音樂。音樂的情感和富有表現力優於傳統。

浪漫的作曲家在特質中成長,然後走得更遠合一在音樂背景下(例如文學),歷史(歷史人物和傳說)或自然本身探索不同的藝術形式。浪漫的愛在此期間,渴望是許多作品中的普遍主題。在某些情況下,繼續使用古典時期的形式結構(例如,奏鳴曲形式字符串四重奏交響曲),但是這些形式得到了擴展和改變。在許多情況下,探索了現有​​類型,形式和功能的新方法。此外,創建了新表格,被認為更適合新主題。作曲家繼續開發歌劇和芭蕾舞音樂,探索新風格和主題。[37]

在1800年後的幾年中,音樂開發了路德維希·範·貝多芬弗朗茲·舒伯特(Franz Schubert)引入了一種更具戲劇性,表現力的風格。在貝多芬的情況下,簡短主題,有機地開發,取代旋律作為最重要的組成單元(一個例子是他的獨特四音符圖第五交響曲)。後來的浪漫作曲家,例如Pyotr Ilyich Tchaikovsky安東尼·德沃克, 和古斯塔夫·馬勒(Gustav Mahler)使用了更多不尋常的和弦和更多不和諧創造戲劇性的張力。他們產生了複雜的音樂作品,而且通常更長的音樂作品。在浪漫時期,作曲家探索了戲劇性改變音調, 如擴展和弦改變的和弦,創建了新的聲音“顏色”。 19世紀後期,樂團的規模發生了巨大的擴張,工業革命幫助創建更好的樂器,創造出更強大的聲音。公共音樂會成為富裕的重要組成部分城市的社會。它還看到了新的多樣性戲劇音樂, 包含歌劇, 和音樂喜劇和其他形式的音樂劇。[37]

20世紀和21世紀

在19世紀,新作品成為公眾知道的關鍵方法之一是銷售樂譜,中產階級業餘音樂愛好者將在他們的鋼琴或其他普通樂器(例如小提琴)上表演。和20世紀的音樂,新的發明電力技術無線電廣播大眾市場可用性留聲機記錄這意味著聲音錄音聽眾(在廣播或他們的唱片播放器上)聽到的歌曲和作品成為了解新歌和作品的主要方式。隨著廣播的流行和留聲機被用來重播和分發音樂,因為在19世紀,專注於音樂限制了向中產階級的新音樂訪問和可以閱讀音樂的上層階級人士,並且在20世紀擁有鋼琴和樂器的人,擁有廣播或唱片播放器的任何人都可以聽到歌劇,交響曲大樂隊就在自己的客廳裡。這允許低收入人士,他們永遠無法負擔歌劇或交響樂音樂會的門票來聽這種音樂。這也意味著人們可以聽到來自該國不同地區,甚至世界各地的音樂,即使他們負擔不起去這些地點旅行。這有助於傳播音樂風格。

重點藝術音樂在20世紀,其特徵是探索新的節奏,風格和聲音。恐怖第一次世界大戰受影響的許多藝術,包括音樂和一些作曲家開始探索更黑暗,更刺耳的聲音。傳統音樂諸如爵士樂民間音樂作曲家用作古典音樂的想法來源。伊戈爾·斯特拉文斯基阿諾德·肖恩伯格(Arnold Schoenberg), 和約翰·凱奇都是20世紀藝術音樂中有影響力的作曲家。發明錄音編輯音樂的能力產生了新的古典音樂族,包括聲學[43]MusiqueConcrète電子組成的學校。聲音錄製也是對流行音樂流派發展的主要影響,因為它使歌曲和樂隊的錄音得以廣泛分佈。引入多核記錄系統對搖滾音樂產生了重大影響,因為它可以做得不僅僅是錄製樂隊的表演。使用MultiTrack系統,樂隊及其音樂製作人可以誇大許多樂器軌道和人聲,從而創造出現場表演不可能的新聲音。

爵士樂在20世紀的過程中,發展並成為音樂的重要流派,在該世紀下半葉,搖滾音樂也是如此。爵士樂是一種美國音樂藝術形式,起源於20世紀初在美國南部的非洲裔美國社區中非洲人和歐洲音樂傳統。該風格的西非譜系在使用時很明顯藍色筆記即興創作多節律暈厥,和筆記.[44]

搖滾音樂是一種流派流行音樂1950年代從1950年代開始搖滾搖滾布魯斯, 和鄉村音樂.[45]岩石的聲音經常圍繞電吉他或原聲吉他旋轉,並且使用強烈背部跳動節奏部分。除吉他或鍵盤外,薩克斯管和布魯斯風格的口琴被用作獨奏樂器。它以其“最純正的形式”,“有三個和弦,堅強,堅持不懈的跳動和吸引人的旋律”。[該報價需要引用]流行音樂的傳統節奏部分是節奏吉他,電貝司吉他,鼓。有些樂隊還具有鍵盤樂器,例如器官,鋼琴,或自1970年代以來模擬合成器。在1980年代,流行音樂家開始使用數字合成器,例如DX-7合成器,電子鼓機如那個TR-808和合成貝司設備(例如TB-303) 或者合成低音鍵盤。在1990年代,越來越多的計算機硬件音樂設備和儀器和軟件(例如,數字音頻工作站使用)。在2020年代軟合成器和計算機音樂應用程序使得臥室生產商創建和記錄某些類型的音樂,例如電子舞曲音樂在自己的家中,添加採樣和數字儀器並以數字方式編輯錄製。在1990年代,一些流派中的一些樂隊,例如nu金屬開始包括DJ在他們的樂隊中。 DJ通過在唱片播放器或CD播放器上操縱錄製的音樂來創建音樂DJ攪拌機.

音樂技術的創新一直持續到21世紀,包括同構鍵盤動態音調.

藝術和娛樂

音樂是出於許多目的而創作和演奏的,從美學的愉悅,宗教或禮儀目的或作為市場的娛樂產品。當音樂僅通過樂譜分數,例如古典和浪漫的時代,音樂愛好者會購買樂譜他們最喜歡的作品和歌曲,以便他們可以在鋼琴上在家中表演。隨著出現留聲機,流行歌曲的記錄,而不是樂曲音樂成為音樂愛好者欣賞自己喜歡的歌曲的主要方式。隨著家的到來錄音機在1980年代,數字音樂在1990年代,音樂愛好者可以製作錄音帶或播放列表他們最喜歡的歌曲,並將他們帶到便攜式盒式磁帶播放器或mp3播放器。一些音樂愛好者創造混合磁帶在他們最喜歡的歌曲中,它是“自畫像,友誼的手勢,理想派對的處方手勢……[和]一個完全由最熱愛的環境組成的環境”。[46]

業餘音樂家可以為自己的樂趣創作或表演音樂,並在其他地方獲得收入。專業音樂家由包括武裝部隊在內的一系列機構和組織僱用(在行進樂隊音樂會樂隊和受歡迎的音樂團體),教堂和猶太教堂,交響樂團,廣播或電影製作公司和音樂學校。專業音樂家有時會擔任自由職業者或會議音樂家,在各種環境中尋求合同和參與。業餘音樂家和專業音樂家之間通常有很多聯繫。開始業餘音樂家參加教訓與專業音樂家。在社區環境中,高級業餘音樂家與專業音樂家在各種合奏中表演,例如社區音樂會樂隊和社區樂團。

經常在工作室中為現場觀眾和音樂表演的音樂進行區分,以便可以通過音樂零售系統或廣播系統進行錄製和分發。但是,在許多情況下,還記錄和分發了觀眾面前的現場表演。現場音樂會唱片在古典音樂和流行音樂諸如岩石之類的形式非法錄音現場音樂會被音樂愛好者珍視。在裡面果醬樂隊場景,直播,即興果醬會議優先於工作室錄音。

作品

人們在2013年創作音樂電子鍵盤和計算機。

“作曲”是創作歌曲的行為或實踐器樂作品,唱歌和樂器的作品,或其他類型的音樂。在包括西方古典音樂在內的許多文化中,作曲的行為還包括創造音樂符號, 比如一個樂譜“得分”然後由作曲家或其他歌手或音樂家執行。在流行音樂和傳統音樂中,通常稱為歌曲創作的作曲行為可能涉及創建歌曲的基本輪廓,稱為鉛紙,列出了旋律歌詞和弦進展。在古典音樂中,作曲家通常編排他或她自己的作品,但在音樂劇和流行音樂中,詞曲作者可能會聘請編曲者來進行編排。在某些情況下,詞曲作者可能根本不使用符號,而是在她的腦海中撰寫歌曲,然後從記憶中播放或錄製。在爵士樂和流行音樂中,有影響力的表演者的著名錄音被賦予了古典音樂中書面分數的重量。

即使在古典音樂中像相對精確地記錄音樂時,表演者必須做出許多決定,因為符號並不能準確地指定音樂的所有元素。決定如何執行先前創作和註明的音樂的過程稱為“解釋”。從選擇的節奏以及演奏或唱歌風格或措辭旋律。呈現自己的音樂的作曲家和詞曲作者正在解釋自己的歌曲,就像那些表演他人音樂的歌曲一樣。在給定時間和給定位置存在的標準選擇和技術的標準體系稱為性能實踐,而解釋通常用來表示表演者的各個選擇。

雖然音樂作品經常使用音樂符號並且有一個作者,並非總是如此。音樂作品可以有多個作曲家,通常發生在流行音樂當樂隊合作寫一首歌或在音樂劇中,當一個人寫旋律時,第二個人寫歌詞,第三個人精心策劃歌曲。在某些音樂風格中,例如布魯斯,作曲家/詞曲作者可以創建,表演和錄製新歌或作品,而無需在音樂符號中寫下它們。一段音樂也可以由單詞,圖像或計算機程序組成,這些音樂可以解釋或記錄歌手或音樂家應如何創造音樂聲音。示例範圍從使用前衛音樂的範圍圖形符號,諸如Aus Den Sieben Tagen,到為音樂作品選擇聲音的計算機程序。大量使用隨機性和機會的音樂稱為劇烈的音樂,並且與20世紀活躍的當代作曲家有關約翰·凱奇莫頓·費爾德曼(Morton Feldman), 和WitoldLutosławski。基於機會的音樂的一個更常見的示例是風鈴輕而易舉。

傳統上,對構圖的研究一直由西方古典音樂的方法和實踐來控制,但是構圖的定義足夠廣泛,可以包括創建流行音樂傳統音樂歌曲和樂器作品以及自發的即興就像那些一樣免費爵士樂表演者和非洲打擊樂家,例如母羊鼓手.

符號

樂譜是音樂的書面代表。同性戀(IE。,聖歌 - 風格)傳統的安排”Adeste Fideles“以標準的兩站格式用於混合聲音。

在2000年代,音樂符號通常是指使用符號在紙上的音樂筆記和節奏的書面表達。當音樂寫下來時,音樂的音調和節奏,例如旋律,注意到。音樂符號還經常提供有關如何執行音樂的說明。例如,歌曲的樂譜可能會說這首歌是“慢藍色”或“快速搖擺”,這表明了節奏和流派。要閱讀音樂符號,一個人必須了解音樂理論和諧性能實踐與特定的歌曲或作品類型相關。

書面符號隨音樂的風格和時期而變化。在2000年代,註明的音樂被製作為樂譜或者,對於有計算機的人記分員程序,作為圖像電腦屏幕。在古代,音樂符號被放在石頭或粘土片上。要從符號中表演音樂,歌手或樂器演奏家需要了解符號中體現的節奏和音高元素以及與音樂或類型相關的表演實踐。在需要的類型中音樂即興演奏,表演者經常從音樂中播放和弦改變並寫了這首歌的形式,要求表演者對音樂的結構,和諧和特定類型的風格有很好的了解(例如,爵士樂或者鄉村音樂)。

在西方藝術音樂中,最常見的書面符號類型是分數,其中包括合奏作品的所有音樂部分和零件,這是個人表演者或歌手的音樂符號。在流行音樂,爵士和布魯斯中,標準音樂符號是鉛紙,這不是旋律,和弦,歌詞(如果是聲音)和音樂的結構。假書也用於爵士樂;它們可能由鉛片或簡單的和弦圖表組成,這些圖表允許節奏部分成員即興創作伴奏爵士歌曲的一部分。流行音樂和爵士樂還使用了分數和零件,尤其是在爵士樂等大型合奏中”大樂隊小組(通常縮寫為“ TAB”),這表明使用吉他或低音指板的圖表在儀器上播放音符的位置。在巴洛克時代也使用了曲面,以記錄音樂琵琶,一種弦樂,有折的儀器。

即興創作

即興演奏在爵士樂中起著核心作用;音樂家使用秤和和弦語調學習進步(圖是約翰尼·霍奇斯(Johnny Hodges))

音樂即興演奏是自發音樂的創建,通常是在(或基於)既有的諧波框架或和弦進展。即興演奏者使用和弦的音符,與每個和弦相關的各種尺度,以及色調和傳遞音調,這些音調既不是和弦音調,也不是與和弦相關的典型尺度。音樂即興創作可以在有或沒有準備的情況下完成。即興演奏是某些類型音樂的主要部分,例如布魯斯爵士樂, 和爵士融合,在其中儀器表演者即興創作獨奏,旋律線條和伴奏部分。

在西方藝術音樂傳統中,即興創作是巴洛克時代和古典時代的重要技能。在巴洛克時代,表演者即興飾面,以及巴索連續鍵盤播放器即興和弦的聲音基於發現低音符號。同樣,預計頂級獨奏家將能夠即興創作,例如前奏。在古典時代,獨奏表演者和歌手即興創意卡登扎斯在音樂會中。

但是,在20世紀和21世紀初,作為“普通實踐”藝術音樂表演在交響樂團,歌劇院和芭蕾舞團中變得機構化,即興演奏起著較小的作用,隨著音樂家的分數和零件中越來越多的音樂播放。同時,大約20和21世紀藝術音樂作曲家越來越多地包括即興創作。在印度古典音樂即興創作是核心組成部分,也是表演的基本標準。

理論

音樂理論涵蓋了音樂的性質和力學。它通常涉及確定控製作曲家技術並檢查的模式符號音樂。從宏偉的意義上講,音樂理論蒸餾和分析參數或音樂元素 - 節奏,和諧(諧波功能),旋律, 結構體,形式, 和質地。從廣義上講,音樂理論可能包括音樂或關於音樂的任何陳述,信念或概念。[47]研究這些特性的人被稱為音樂理論家,他們通常是大學,大學和音樂音樂學院的教授。有些申請了聲學人類生理學, 和心理學解釋如何以及為什麼音樂是感知到。音樂理論家在音樂理論期刊和大學出版社中發表研究。

元素

音樂有許多不同的基本面或元素。根據所使用的“元素”的定義,這些可以包括音高,節奏或脈搏,節奏,節奏,旋律,和諧,紋理,樣式,聲音分配,音色或顏色,動態,表達,表達,表達,形式和結構。音樂元素在澳大利亞,英國和美國的音樂課程中突出。所有三個課程都將音調,動力學,音色和紋理確定為元素,但是其他確定的音樂要素遠非普遍同意。以下是“音樂元素”的三個官方版本的列表:

  • 澳大利亞:音調,音色,紋理,動力學和表達,節奏,形式和結構。[48]
  • 英國:音調,音色,紋理,動力學,持續時間,節奏,結構。[49]
  • 美國:音調,音色,紋理,動力學,節奏,形式,和諧,風格/發音。[50]

關於英國課程,2013年:“適當音樂符號“被添加到他們的元素列表中,列表的標題從“音樂的元素”更改為“音樂相互關聯的維度”。音樂相互關聯的維度被列為:俯仰,持續時間,持續時間,動力學,節奏,音色,紋理,結構和適當的音樂符號。[51]

“音樂元素”短語用於許多不同的上下文中。可以通過將它們描述為“音樂的基本要素”和“音樂的知覺元素”來區分這兩個最常見的環境。

基本

在1800年代,“音樂的要素”和“音樂的基礎”短語被互換使用。[52][53]這些文檔中描述的元素是指為了成為音樂家所需的音樂方面,最近的作家(例如Espie Estrella)似乎以類似的方式使用了“音樂元素”。[54]最準確地反映這種用法的定義是:“藝術,科學等的基本原理:語法的要素”。[55]英國的課程切換到“音樂相互關聯的維度”似乎是回溯到使用音樂的基本元素。

感知

自從研究的出現以來心理聲學在1930年代,音樂元素的大多數列表與我們的方式有關聽到音樂比我們學習播放或學習的方式。 C.E.海濱,在他的書中音樂心理學[56]確定了四個“聲音的心理屬性”。這些是:“音調,響度,時間和音色”(第3頁)。他沒有稱它們為“音樂的元素”,而是將它們稱為“元素組件”(第2頁)。儘管如此,這些元素組件與四個最常見的音樂元素恰恰鏈接:“ pitch”和“ timbre”匹配,“響度”與動態鏈接,“時間”與節奏,持續時間和持續時間和基於時間的元素鏈接速度。 “音樂元素”一詞的用法與韋伯斯特的新20世紀詞典元素的定義為:“不能通過已知方法將更簡單形式分為更簡單的物質”[57]教育機構的元素清單通常也與此定義保持一致。

儘管“音樂的基本要素”列表​​的作家可以根據其個人(或機構)優先事項來改變其列表,但音樂的感知要素應包括已建立(或證明)的離散元素清單,可以獨立操縱,以實現這些元素預定的音樂效果。在這個階段,似乎仍有研究在這一領域進行。

接近音樂元素的識別方式稍有不同的方法是確定“聲音“ 作為:瀝青期間響亮音色聲音紋理空間位置[58]然後將“音樂元素”定義為:聲音,結構和藝術意圖。[58]

描述

音高和旋律

瀝青這是我們可以聽到的聲音的一個方面,反映出一種音樂聲音,音符或音調是“更高”或“更高”的聲音,而不是其他音樂聲音,音符或音調。我們可以在更一般的意義上談論音調的殿下或柔和,例如聽眾聽到高度高的方式短笛注意或吹口哨音調的音調比深度重擊高低音鼓。我們還以與音樂劇相關的精確意義談論音調旋律貝司和弦。精確的音高只能以具有清晰且穩定的頻率與噪聲區分開的頻率的聲音確定。例如,聽眾辨別鋼琴上單音調的音調要比試圖辨別一個音調要容易得多。碰撞c那是擊中的。

傳統歌曲的旋律”流行鼬鼠"

一個旋律(也稱為“曲調”)是一系列連續的音調(音符),通常是在上升和下降的模式中。旋律的音符通常是使用俯仰系統(例如或者模式。旋律通常還包含歌曲中使用的和弦的音符。簡單的民歌和傳統歌曲中的旋律可能只使用單一音階的音符,與補品味或鑰匙給定的歌。例如,C鍵(也稱為C大調)中的民間歌曲可能只使用C主要量表的音符(單個註釋C,d,e,f,g,a,b ,c;這些是“白色筆記“在鋼琴鍵盤上。另一方面,bebop - 1940年代的爵士樂當代音樂從20世紀和21世紀開始,可以使用許多色筆記(即,除了主要尺度的音符外,筆記;在鋼琴上,色刻度還包括鍵盤上的所有音符,包括“白色筆記”和“黑色筆記”和“黑色筆記”和不尋常的尺度,例如全音階(C的鍵中的整個音調將包含註釋C,D,E,F, G)。低音樂器(例如雙低音,電貝司或圖巴稱為a低音線.

和諧與和弦

當音樂家演奏三個或更多不同筆記同時,這創建了。在西方音樂,包括古典音樂,流行音樂,搖滾音樂和許多相關風格,最常見的和弦是三合會 - 通常同時播放三個音符。最常用的和弦是大弦小和弦。一個主要和弦的一個例子是三個音高C,E和G。小調的一個例子是三個音調A,C和E。(圖是一個吉他手在吉他上表演和弦)。

和諧指音樂中音調的“垂直”聲音,這意味著同時播放或演唱的音調以創建一個。通常,這意味著音符是同時播放的,儘管和諧也可能是由概述諧波結構的旋律所暗示的(即,使用一個接一個地播放的旋律音符,概述了和弦的音符)。在使用主要限制系統編寫的音樂中音調(“鑰匙”),其中包括從1600年到1900年寫的大多數古典音樂以及大多數西方流行音樂,搖滾和傳統音樂,作品的鑰匙決定了“家庭筆記”或補品該作品通常可以解決,以及使用中的字符(例如主要或小規模)。簡單的古典作品以及許多流行音樂和傳統的音樂歌曲都寫了,因此所有音樂都屬於單個鑰匙。更複雜的古典音樂,流行音樂和傳統的音樂歌曲和作品可能有兩個鑰匙(在某些情況下三個或更多鍵)。來自浪漫時代的古典音樂(大約1820 - 1900年寫)通常包含多個鑰匙,爵士樂, 尤其bebop從1940年代開始的爵士樂,其中歌曲的鑰匙或“主張”可能每四個酒吧甚至每兩個酒吧都會更改。

韻律

節奏是時間和沈默的安排。儀表在常規脈搏分組中為時間動畫,稱為措施或酒吧在西方古典,受歡迎和傳統音樂中,經常以兩組(例如2/4次)為單位(例如3/4次,也稱為3/4次)華爾茲時間,或3/8時間)或四個(例如4/4時間)。儀表變得更容易聽到,因為歌曲和曲目經常(但並非總是如此)強調每個分組的首次節拍。存在著值得注意的例外,例如背部在許多西方流行音樂和岩石中使用,其中一首使用由四個節拍組成的措施(稱為4/4次或常見時間)將有兩次和四節的口音,通常由鼓手在小鼓,一種響亮而獨特的打擊樂器。在流行音樂和搖滾中,歌曲的節奏部分由節奏部分,其中包括和弦演奏樂器(例如電吉他,原聲吉他,鋼琴或其他鍵盤儀器),一種貝司儀器(通常是電動貝斯或某些樣式,例如爵士樂藍草,雙低音)和鼓套件播放器。

質地

音樂質地是音樂或歌曲的整體聲音。作品或歌曲的質地取決於旋律,有節奏和諧波材料如何合併成構圖,從而確定零件中聲音的整體性質。在最低和最高音調之間的密度,厚度,範圍或寬度方面,通常以相對術語以及根據聲音數量或零件的數量以及這些聲音之間的關係來區分質地。 (請參閱下面的常見類型)。例如,厚實的質地包含許多“層”樂器。這些層之一可能是弦樂部分或另一個黃銅。厚度也受儀器的數量和豐富度的影響。紋理通常根據部分或音樂線:

音樂包含大量獨立的音樂部分(例如,一協協奏曲伴隨著100個管弦樂器,帶有許多交織的旋律線)通常被認為具有“厚”或“更密集的”紋理,而不是幾個零件的作品(例如,一個獨奏長笛旋律伴隨單個大提琴)。

音色或“音色”

音色,有時稱為“顏色”或“音色”是聲音或樂器的質量或聲音。[59]音色是使特定的音樂聲音與另一種音樂不同的原因,即使它們具有相同的音高和響度。例如,440 Hz的音符在播放時聽起來有所不同雙簧管,鋼琴,小提琴或電吉他。即使同一儀器的不同玩家演奏相同的音符,由於儀器技術的差異,他們的音符聽起來可能有所不同(例如,不同充分),不同類型的配件(例如,黃銅玩家的喉舌,雙簧管和巴鬆管玩家的蘆葦)或用不同材料為弦樂器製成的琴弦(例如,腸弦相對鋼琴)。即使是兩名樂器演奏者在同一樂器上演奏相同的音符(一個接一個的音符)也可能會因為演奏樂器的不同方式而聽起來有所不同(例如,兩個弦樂器可能以不同的方式握住弓箭)。

確定音色感知的聲音的物理特徵包括光譜信封, 和泛音音符或音樂聲音。為了電的20世紀開發的樂器,例如電吉他,電鱸和電鋼琴,表演者還可以通過調整來改變音調均衡器控件,音調控制樂器,並通過使用電子效應單元失真踏板。電氣的音調Hammond器官通過調整來控制繪製欄.

表達

歌手使用多種方法為他們唱歌的旋律添加表達,包括改變他們的唱歌音調,添加顫音在某些筆記中,並強調歌詞中的重要單詞。

表現力的素質是音樂中的那些元素,它們會在不改變主音調或實質上改變旋律及其伴奏的節奏。表演者,包括歌手和樂器演奏家,可以通過添加來增加音樂表達措辭,通過添加諸如顫音(帶有聲音和一些樂器,例如吉他,小提琴,銅管樂器和木管樂器),動態(片段的響度或柔軟度或其中一部分),節奏波動(例如,Ritardando或者Accelerando通過添加暫停或費瑪塔斯節奏,通過更改筆記的表達(例如,使筆記更明顯或重音,通過使筆記更多legato,這意味著平穩連接,或使音符變短)。

通過操縱音高(例如彎曲,顫音,幻燈片等),音量(動態,口音,顫音等),持續時間(節奏波動,節奏變化,諸如legato和staccato等注意的持續時間,例如在legato和staccato等)來實現表達。 。因此,表達可以看作是對所有元素的操縱,以傳達“情緒,精神,性格等的跡象”[60]因此,不能將其作為音樂的獨特感知元素包括在內[61]儘管它可以被認為是音樂的重要基本要素。

形式

樂譜符號為聖誕節歌曲的合唱(避免)叮噹鈴"

在音樂中,形式描述歌曲或音樂的整體結構或計劃,[62]它描述了分為部分的組合的佈局。[63]在20世紀初,錫潘巷歌曲和百老匯音樂劇歌曲經常在aaba32條形式,其中A部分重複了相同的八個條形旋律(具有變化),而B部分為八個bar提供了對比的旋律或和諧。從1960年代開始,西方流行音樂和搖滾歌曲通常都在詩句形式,其中包括合唱(“ Refrain”)部分,有了新的歌詞對於大多數經文和合唱的重複歌詞。流行音樂經常使用曲折形式,有時與十二個酒吧布魯斯.

在第十版牛津音樂伴侶珀西·斯科爾斯(Percy Scholes)將音樂形式定義為“一系列策略,旨在在不脫落的重複和不彌補的改變之間找到成功的平均值。”[64]西方音樂的共同形式的例子包括賦格, 這發明奏鳴曲 - allegro佳能曲折主題和變化, 和朗多.

斯科爾斯指出,歐洲古典音樂只有六種獨立形式:簡單的二進制,簡單三元,複合二進制,朗多,空氣,有變化,賦格(雖然音樂學家阿爾弗雷德·曼強調賦格曲主要是一種有時採用某些結構慣例的組成方法。[65])

如果一件作品不能輕易分解為截面單位(儘管它可能會從詩歌,故事或程序),據說是通過組合。這種情況通常是這樣幻想曲序幕狂想曲Etude(或研究),交響詩bagatelle即興等等。查爾斯·基爾(Charles Keil)教授將形式和形式的細節分類為“部分,發展或變異”。[66]

樣式分析

放克將大部分重點放在節奏和,總體歌曲基於鞋面在一個和弦上。圖為有影響力的放克音樂家喬治·克林頓議會 - 國民在2006年。

某些音樂風格強調了這些基本原理,而另一些音樂則較少強調某些元素。舉一個例子,bebop-時代爵士樂利用非常複雜的和弦,包括改變的主導力和挑戰和弦進行,和弦每一個條更改兩次或多次,鑰匙幾次更改,放克將大部分重點放在節奏和,總體歌曲基於鞋面在一個和弦上。雖然從中期到1800年代後期的浪漫時代古典音樂充分利用了戲劇性的動態變化,從竊竊私語的鋼琴片段到雷鳴般的Fortissimo部分,一些整個巴洛克舞套件豎琴從1700年代初開始,可以使用單個動態。舉一個例子,而有些藝術音樂碎片,例如交響曲很長,有些流行歌曲只有幾分鐘。

表現

中國人納克斯音樂家
亞述人Zurna拖曳,可以追溯到數千年的樂器。

表現是音樂的物理表達,它是在歌曲演唱或鋼琴演奏,電吉他旋律,交響曲,鼓聲或其他時發生的音樂部分由音樂家演奏。在古典音樂中,音樂作品寫在音樂符號由作曲家通過作曲家對其結構和儀器感到滿意後,將其執行。但是,隨著它的執行,歌曲或作品的解釋可以發展和改變。在古典音樂中,樂器表演者,歌手或指揮家可能會逐漸改變作品的措辭或節奏。在流行音樂和傳統的音樂中,表演者有更多的自由來改變歌曲或歌曲的形式。因此,即使樂隊演奏封面歌曲,他們可以對此進行更改,例如添加吉他獨奏進行或插入介紹。

可以計劃和排練(練習)表演,這是古典音樂的常態,爵士樂大樂隊以及許多流行的音樂風格 - 或即興在...之上和弦進展(一系列和弦),這是小規範爵士樂布魯斯小組。樂團的排練,音樂會樂隊合唱團由導體領導。搖滾,布魯斯和爵士樂隊通常由樂隊領導者領導。排練是表演者對歌曲或作品的結構化重複,直到可以演唱或正確演奏,並且,如果這是一首歌或歌曲,則是一首音樂家的歌曲或歌曲,直到從節奏和調音的角度來看,這些零件是一起的。即興創作是音樂構想的創建,即當場創建的旋律或其他音樂線,通常是基於尺度或預先存在的旋律即興.

許多文化都有很強的獨奏表演傳統(其中一位歌手或樂器演奏者表演),例如印度古典音樂和西方藝術音樂傳統。其他文化,例如巴厘島,包括強大的團體表現傳統。所有文化都包括兩者的混合,表演的範圍可能從即興演奏到計劃和有組織的表演,例如現代古典音樂會,宗教演出,古典音樂節或音樂比賽.室內樂這是一個小型合奏的音樂,只有每種樂器中的幾種樂器,通常被認為比大型交響樂更親密。

口腔和聽覺傳統

許多類型的音樂,例如傳統布魯斯民間音樂沒有寫下來樂譜;取而代之的是,它們最初是在表演者的記憶中保存的,而歌曲被傳遞給口頭,從一位音樂家或歌手到另一個音樂家,或者是表演者學習歌曲的,”通過耳朵“當不再知道歌曲或作曲的作曲家時,這種音樂通常被歸類為“傳統”或“民間歌曲”。不同的音樂傳統對如何以及對原始原始資料進行更改的態度不同從非常嚴格到要求即興創作或修改到音樂的人。文化的歷史和故事也可以通過歌曲傳遞。

裝飾

顫音符號 - 兩個音符之間的快速交替。

在音樂中裝飾品由添加的註釋組成,可為旋律,低音線或其他音樂部分提供裝飾。細節明確包含在音樂符號流派和歷史時期之間有所不同。一般而言,從17世紀到19世紀的藝術音樂符號要求表演者對錶演風格具有豐富的上下文知識。例如,在17世紀和18世紀,為獨奏表演者註明的音樂通常表明一個簡單的,未修飾的旋律。期望表演者知道如何添加風格適當的裝飾品以增加音樂的興趣,例如顫音。不同風格的音樂使用不同的裝飾品。巴洛克式笛子玩家可能會添加媒體,這是在主旋律音符之前播放的簡短音符,無論是在主旋律音符上方還是下方。彈吉他的布魯斯吉他手可能會使用弦彎曲來添加表達;一個重金屬吉他玩家可能會使用錘子拉力.

在19世紀,獨奏表演者的藝術音樂可能會提供一般的指導,例如表達音樂,而無需詳細描述表演者如何做到這一點。預計表演者將知道如何使用節奏更改,強調, 和停頓(除其他設備)以獲得這種“表現力”的性能風格。在20世紀,藝術音樂符號通常變得更加明確,並使用了一系列標記和註釋向表演者表明他們應該如何演奏或唱歌。在流行音樂和傳統音樂風格中,表演者有望知道哪種類型的裝飾品在風格上適合給定的歌曲或作品,並且表演者通常以簡易的方式添加它們。一個例外是音符單獨的獨奏,其中一些玩家精確地重新創建了著名版本的獨奏,例如吉他獨奏.

哲學和美學

紅色的女人經過Giovanni Boldini

音樂哲學是哲學的子領域。音樂的理念是研究有關音樂的基本問題。音樂的哲學研究與哲學問題有許多聯繫形而上學美學。音樂哲學中的一些基本問題是[根據誰?]

  • 是什麼音樂的定義? (什麼是必要和充分的條件將某些東西歸類為音樂?)
  • 音樂和思想之間的關係是什麼?
  • 有什麼音樂史向我們展示世界?
  • 音樂和情感之間有什麼聯繫?
  • 關於音樂的意義是什麼?

在古代,例如古希臘, 這音樂美學探索了數學和宇宙學尺寸有節奏和諧波組織。在18世紀,重點轉移到聽音樂的經歷,因此轉向了有關其美麗和人類享受的問題(普拉西爾歡樂音樂。這種哲學轉變的起源有時歸因於亞歷山大·戈特利布·鮑姆加滕(Alexander Gottlieb Baumgarten)在18世紀,接下來是伊曼紐爾·康德。通過他們的寫作,古代術語“美學”,含義感官知覺,獲得了當今的內涵。在2000年代,哲學家傾向於強調除了美和享受之外的問題。例如,音樂表達情感的能力一直是一個核心問題。

在20世紀,重要的貢獻是由彼得·基維杰羅德·萊文森羅傑·斯克魯(Roger Scruton), 和斯蒂芬·戴維斯(Stephen Davies)。但是,許多音樂家,音樂評論家以及其他非哲學家為音樂的美學做出了貢獻。在19世紀,引起了重大辯論愛德華·漢斯利克(Eduard Hanslick), 一個音樂評論家音樂學家和作曲家理查德·瓦格納(Richard Wagner)關於音樂是否可以表達意義。哈里·帕奇(Harry Partch)還有其他音樂學家, 如凱爾·甘,已經研究並試圖普及微調音樂和替代的用法音樂秤。還有許多現代作曲家La Monte YoungRhys Chatham格倫·布蘭卡(Glenn Branca)非常關註一個名為只是語調.

人們通常認為音樂具有影響我們的能力情緒智力, 和心理學;它可以緩解我們的孤獨感或煽動我們的激情。這哲學家柏拉圖建議共和國音樂對靈魂有直接影響。因此,他建議在理想的政權中受到國家的密切管制(第七本書)。在古代中國,哲學家孔子認為音樂和儀式或儀式與大自然相互聯繫和和諧。他說,音樂是天地的協調,而秩序是由儀式命令帶來的,使它們在社會中極為重要。[67]

音樂的美學傾向是強調構圖結構的重要性。但是,有關音樂美學的其他問題包括抒情和諧催眠術情感時間動態諧振,嬉戲,和顏色(也可以看看音樂發展)。

心理學

現代的音樂心理學旨在解釋和理解音樂劇行為經驗.[68]該領域及其子領域的研究主要是經驗;他們的知識傾向於基於系統的數據解釋觀察人類參與者。音樂心理學除了關注基本的看法和認知過程外,還對許多領域的研究領域,包括音樂,包括音樂表現作品教育批評, 和治療,以及對人類的調查才能, 技能,智力,創造力,以及社會行為.

神經科學

主聽覺皮層是與高級俯仰分辨率相關的主要領域之一。

認知神經科學音樂是對音樂基礎音樂涉及的基於大腦的機制的科學研究。這些行為包括音樂聆聽,表演,作曲,閱讀,寫作和輔助活動。它也越來越關注音樂美學和音樂情感的大腦基礎。該領域的區別是使用諸如功能磁共振成像(fMRI),經顱磁刺激(TMS),磁腦攝影(MEG),腦電圖(EEG),以及正電子發射斷層掃描(寵物)。

認知音樂學

認知音樂學認知科學關注於計算建模音樂知識以了解音樂和認知的目標。[69]計算機模型的使用提供了一種嚴格的交互式介質,在其中製定和測試理論並根源人工智能認知科學.[70]

這個跨學科的領域調查了諸如大腦中語言和音樂之間的相似之處。生物學啟發的計算模型通常包括在研究中,例如神經網絡和進化程序。[71]該領域試圖建模如何代表,存儲,感知,執行和生成音樂知識。通過使用結構良好的計算機環境,可以研究這些認知現象的系統結構。[72]

心理聲學

心理聲學是聲音感知的科學研究。更具體地說,這是科學研究的分支心理生理與聲音相關的響應(包括演講和音樂)。它可以進一步歸類為心理物理學.

進化音樂學

進化音樂學涉及“音樂的起源,動物之歌的問題,音樂演變的選擇壓力”以及“音樂進化與人類進化”。[73]它試圖理解音樂的感知和活動進化論.查爾斯·達爾文推測音樂可能具有自適應優勢,並充當原始語言[74]這種觀點催生了幾種相互競爭的音樂演變理論。[75][76][77]替代視圖將音樂視為語言進化;一種“聽覺芝士蛋糕”,可以使感官取悅感官,而無需提供任何適應性功能。[78]眾多音樂研究人員直接反駁了這種觀點。[79][80][81]

文化影響

個人的文化或種族在他們的音樂認知,包括他們的喜好情緒反應, 和音樂記憶。音樂偏好偏向於從嬰儿期開始的文化熟悉的音樂傳統,成年人對音樂作品的情感分類取決於文化特定和普遍的結構特徵。[82][83]此外,個人的音樂記憶能力比文化熟悉的音樂要比文化陌生的音樂更大。[84][85]

社會學方面

宋朝(960–1279)繪畫,Han Xizai的夜晚狂歡,向中國音樂家展示在10世紀家庭的聚會上娛樂客人

許多人種學研究表明,音樂是一項基於社區的參與性活動。[86][87]音樂是在各種社交環境中經歷的音樂,從獨自一人到參加大型音樂會,形成一個音樂界,不能理解為個人意誌或意外的函數;它包括具有共同價值的商業和非商業參與者。音樂表演在不同的文化和社會經濟環境中採取不同的形式。在歐洲和北美,通常將哪種音樂視為“高文化“ 和 ”低文化。”“高文化”音樂類型通常包括西方藝術音樂,例如巴洛克,古典,浪漫和現代時代的交響樂,協奏曲和獨奏作品,通常在音樂廳和教堂的正式音樂會中聽到觀眾安靜地坐在座位上。

其他類型的音樂 - 包括但不限於爵士,布魯斯,靈魂, 和國家 - 經常在酒吧,夜總會和劇院中演出,觀眾可以通過歡呼來喝酒,跳舞和表達自己。直到20世紀後期,“高級”和“低名”音樂形式之間的劃分被廣泛接受為有效的區別,該區別將更好的質量,更先進的“藝術音樂”與酒吧和舞廳中聽到的流行音樂風格區分開來。

然而,在1980年代和1990年代,研究了“高”和“低”音樂流派之間這種鴻溝的音樂學家認為,這種區別並不基於不同音樂類型的音樂價值或質量。相反,他們認​​為這種區別在很大程度上基於社會經濟學表演者或不同類型音樂的觀眾的站立或社交階層。例如,儘管古典交響樂團的觀眾通常收入高於平均水平,但在城市內部地區舉行的說唱音樂會的觀眾可能收入低於平均水平。即使表演者,觀眾或表演音樂的表演者或場地也可能具有較低的社會經濟地位,但表演的音樂,例如布魯斯,說唱,說唱,說唱朋克放克, 或者ska可能非常複雜和復雜。

當作曲家介紹與慣例中斷的音樂風格時,學術音樂專家和流行文化可能會有強烈的抵抗。晚期貝多芬弦樂四重奏,斯特拉文斯基芭蕾舞得分,序列主義bebop-時代爵士樂嘻哈(音樂朋克搖滾, 和電子當一些評論家首次引入時,所有批評家都被認為是非音樂的。在音樂的社會學中檢查了這樣的主題。音樂的社會學研究,有時稱為社交學,經常在社會學,媒體研究或音樂部門中追求,並與該領域密切相關民族音樂學.

婦女的角色

19世紀作曲家和鋼琴家克拉拉·舒曼(Clara Schumann)
Navneet Aditya Waiba - 尼泊爾民間歌手。唯一使用正宗/原創民間樂器和唱歌真實的尼泊爾民間歌曲的歌手。

作為作曲家,詞曲作者,女性在整個歷史上都發揮了重要作用樂器表演者,歌手,指揮,音樂學者音樂教育者音樂評論家/音樂記者和其他音樂專業。同樣,它描述了與女性有關的音樂運動,事件和流派,婦女的問題女權主義。在2010年代,婦女佔很大一部分流行音樂還有古典音樂歌手,以及很大一部分詞曲作者(其中許多是歌手兼作曲家),很少有女性唱片製作人岩石評論家和岩石樂器主義者。雖然有大量女作曲家在古典音樂中,從中世紀到今天,女性作曲家的代表大大不足通常表演古典音樂曲目,音樂歷史教科書和音樂百科全書;例如,在簡明的牛津音樂歷史克拉拉·舒曼(Clara Schumann)是提到的少數女性作曲家之一。

女性在古典音樂中的樂器獨奏家中很大一部分,樂團中女性的百分比正在增加。但是蒙特利爾樂團是男人。 2012年,女性仍然僅佔排名最高的6%維也納愛樂樂團樂隊。女性在流行音樂流派(例如搖滾)中的樂器演奏者不太普遍重金屬,儘管有許多著名的女樂器主義者和全女樂隊。婦女的人數尤其不足極端金屬流派。[88]在1960年代的流行音樂場景中,“ [l]伊克(Ike)音樂界的大多數方面,[1960年代]歌曲創作是男性主導的領域。儘管廣播中有很多女歌手,但女性有很多女歌手。 ..主要被視為消費者:...有時對女孩來說是可以接受的消遣,但是演奏樂器,寫歌或製作唱片的唱片根本沒有完成。”[89]年輕女性“ ...沒有社交,因為他們將自己視為創造[音樂]的人。”[89]

女性在管弦樂,音樂批評/音樂新聞中的人數也不足音樂製作, 和聲音工程。雖然婦女在19世紀不鼓勵作曲,但婦女很少音樂學家,婦女參與音樂教育“……在某種程度上,女性在19世紀後半葉和20世紀佔據了[這個領域]的統治。”[90]

根據倫敦音樂作家傑西卡·杜欽(Jessica Duchen)的說法獨立,古典音樂中的女音樂家是“……經常因外表而不是他們的才華來判斷”,而她們面臨壓力”……在舞台上和照片中看起來很性感。”[91]杜欽(Duchen)指出,雖然“這是女性音樂家拒絕在外觀上演奏,但……那些確實在物質上更成功的人。”[91]根據英國電台3編輯Edwina Wolstencroft的說法,音樂界長期以來一直在表演或娛樂角色扮演女性,但女性的權威地位的可能性較小,例如成為樂隊的指揮.[92]在流行音樂中,雖然有很多女歌手錄製歌曲,但後面的女性很少音頻控制台作為音樂製作人,指導和管理錄音過程的個人。[93]錄音最多的藝術家之一是Asha Bhosle,印度歌手最著名的是印地語電影中的播放歌手。[94]

媒體和技術

2000年代的音樂製作使用數字音頻工作站(DAW)帶有電子鍵盤和一個多監測器設置

作曲家和詞曲作者製作的音樂可以通過多種媒體聽到。最傳統的方式是在音樂家(或音樂家之一)面前聽到它的現場直播,在室外或室內空間,例如圓形劇場,音樂廳歌舞表演房間,劇院,酒吧或咖啡館。自20世紀以來,現場音樂也可以通過廣播,電視或互聯網或記錄並聽了激光唱機或mp3播放器。

一些音樂風格專注於製作歌曲和作品以進行現場表演,而另一些音樂風格則專注於製作錄音,將從未演奏過的“現場”混合在一起。即使在諸如岩石之類的現場風格中,錄製工程師也經常使用能力編輯,拼接和混音產生可能被認為比實際的現場表現“更好”的錄音。例如,一些歌手錄製自己唱歌旋律,然後使用過度配音錄製多個和諧零件,從而創造出一種無法實現的聲音。

技術自史前時代以來,自史前時代就對音樂產生了影響,當時洞穴人使用簡單的工具將41,000年前的骨頭孔插入骨頭長笛。技術在整個音樂的歷史中繼續影響音樂,因為它使新的樂器和音樂符號複製系統得以使用,音樂符號中的一個分水嶺是發明的發明印刷機在1400年代,這意味著音樂得分不再需要手工複製。在19世紀,音樂技術導致了更強大,更大聲的鋼琴的發展,並導致了新的閥門銅管樂器的發展。

在20世紀初(1920年代後期),說話的圖片在20世紀初期出現,憑藉預先記錄的音樂曲目,越來越多的電影屋樂團音樂家發現自己失業了。[95]在1920年代,樂團,鋼琴家和戲劇風琴家在首發劇院很常見。[96]隨著會說話的電影的到來,這些特色表演被大大消除了。這美國音樂家聯合會(AFM)取出了報紙廣告,抗議用機械播放設備代替現場音樂家。 1929年的公元出現在匹茲堡出版社具有標有“罐頭音樂 /大噪音品牌 /保證不會產生智力或情感反應的罐頭圖像”[97]

自從引入立法以幫助保護表演者,作曲家,出版商和製片人,包括錄音法1992年在美國和1979年修訂伯爾尼保護文學和藝術作品公約在英國,通過計算機,設備和互聯網以通常稱為的形式,錄音和現場表演也變得更加易於訪問聽音樂.

在許多文化中,表演和聽音樂之間的區別較小,因為幾乎每個人都參與某種音樂活動,通常是在公共環境中。在工業化國家,通過錄製的形式聽音樂,例如錄音在記錄的或廣播中,大約在20世紀中葉的現場表演比實現現場表演更為普遍。到1980年代,看著音樂視頻是聽音樂的一種流行方式,同時也看到了表演者。

有時,現場表演包含預先記錄的聲音。例如,唱片騎師用途光盤記錄為了刮擦,還有一些20世紀的作品有一個獨奏樂器或聲音的獨奏,並與錄音帶預先記錄的音樂一起演奏。一些流行樂隊使用記錄背景軌道。計算機和許多鍵盤可以編程以生產和播放樂器數字界面(MIDI)音樂。觀眾也可以變得表演者參加卡拉OK,日本起源的活動集中在播放著名歌曲的語音放逐版本的設備上。大多數卡拉OK機器還具有視頻屏幕,顯示歌曲的歌曲。表演者可以跟隨歌詞在樂器曲目上唱歌。

互聯網

互聯網和廣泛的高速寬帶訪問的出現,改變了音樂的體驗,部分是通過越來越輕鬆地通過音樂錄製的訪問性。流媒體視頻並為消費者大大增加了音樂的選擇。克里斯·安德森,在他的書中長尾:為什麼業務的未來銷售較少,表明,雖然傳統的經濟模型供需描述稀缺性,互聯網零售模型基於豐富。數字存儲成本很低,因此公司有能力使其整個錄音庫存在線可用,從而為客戶提供盡可能多的選擇。因此,在經濟上可以提供很少有人感興趣的音樂錄音。消費者對他們增加的選擇的越來越多,導致聽力品味與社會身份之間的緊密聯繫,並創建了數千個利基市場.[98]

互聯網的另一個影響是在線社區社交媒體YouTube和Facebook等網站,一個社交網絡服務。這些網站使有抱負的歌手和業餘樂隊更容易分發歌曲的視頻,與其他音樂家聯繫並引起觀眾的興趣。專業音樂家還使用YouTube作為促銷材料的免費出版商。例如,YouTube用戶不再僅下載和收聽MP3,而且會積極創建自己的。根據唐·塔普斯科特(Don Tapscott)安東尼·威廉姆斯,在他們的書中Wikinomics,從傳統的消費者角色轉變為他們所謂的“生產商“角色,既創建內容又消耗的消費者。音樂在音樂中的表現包括生產搗碎混音,以及粉絲的音樂視頻。[99]

商業

音樂商店出售各種單曲和專輯

音樂行業是指與音樂創作和銷售有關的企業。它由創作新歌和音樂作品,音樂製作人和創作的詞曲作者和作曲家組成聲音工程師誰錄製歌曲和作品,唱片公司和出版商分發錄製的音樂產品和樂譜國際上,通常控制這些產品的權利。一些音樂標籤是”獨立的,“雖然其他人是大公司實體或國際的子公司媒體組。在2000年代,聽音樂作為MP3播放器,iPod或計算機上的數字音樂文件的普及以及在文件共享網站或以數字文件形式在線購買它對傳統音樂業務產生了重大影響。許多較小的獨立CD商店隨著音樂買家減少購買CD的購買,倒閉了業務,許多標籤的CD銷量較低。但是,一些公司在更改為數字格式的情況下表現出色,例如蘋果公司iTunes, 一個在線音樂商店通過互聯網出售歌曲的數字文件。

知識產權法

儘管有一些國際版權條約,確定哪種音樂在公共區域因各種民族而變得複雜版權法這可能適用。美國版權法以前受保護的印刷音樂在1923年之後出版了28年,並續簽了28年,但1976年版權法使續訂自動,數字千年版權法將版權術語的計算更改為創作者去世後的70年。記錄的聲音落在機械許可,經常被州法律拼湊而成的拼湊而成;最多封面版本通過哈里·福克斯公司.績效權利可以由表演者或表演場所獲得;兩個主要許可組織是BMIASCAP。兩個在線資源公共領域音樂IMSLP(國際音樂得分庫項目)合唱公共領域庫(CPDL).

教育

非專業

一個鈴木與不同年齡的學生進行小提琴演奏

將一些音樂或唱歌培訓納入通識教育學前班中等教育在北美和歐洲很常見。人們認為參與演奏和唱歌音樂可以教授基本技能,例如集中精力,數數傾聽和合作,同時也促進對,提高能力記起信息,並創造一個更有利於在其他領域學習的環境。[100]在小學中,孩子們經常學會彈奏諸如錄音機,用小型合唱團唱歌,了解西方藝術音樂和傳統音樂的歷史。一些小學的孩子還了解流行音樂風格。在宗教學校,孩子們唱歌讚美詩和其他宗教音樂。在中學(在小學中較少)中,學生可能有機會在某些類型的音樂合奏中表演,例如合唱團(一群歌手),行進樂隊音樂會樂隊,爵士樂隊或樂團。在某些學校系統中,可以提供有關如何播放樂器的音樂課程。一些學生也私下音樂課放學後與唱歌老師或儀器老師一起。業餘音樂家通常會學習基本的音樂基礎(例如,學習音樂符號為了音樂秤和節奏)和初學者到中級唱歌或儀器播放技術。

在大學一級,大多數藝術的學生和人文科學程序可以接收信用要參加一些音樂課程,通常在該課程上以概述課程的形式音樂史,或音樂讚賞課程著重於聆聽音樂和學習不同的音樂風格。此外,大多數北美和歐洲大學都有某些類型的音樂合奏,藝術和人文學科的學生能夠參加,例如合唱團,遊行樂隊,音樂會樂隊或樂團。西方藝術音樂的研究越來越普遍在北美和歐洲,例如印尼藝術學院日也是印度尼西亞,或在韓國,日本和中國等亞洲國家使用的古典音樂節目。同時,西方大學和大學正在擴大課程,包括非西方文化的音樂,例如非洲音樂或巴厘島(例如加梅蘭音樂)。

專業的

曼哈頓音樂學院教授和專業雙低音演奏家蒂莫西·科布(Timothy Cobb)在2000年代後期教低音課程。他的低音具有低C擴展名,帶有金屬“機器”,並帶有按鈕,可以在擴展上播放音高。

旨在成為專業音樂家,歌手,作曲家,詞曲作者,音樂老師和其他與音樂有關的職業的從業者,例如音樂史教授聲音工程師,以及在大學,大學和音樂音樂學院。一些培訓個人從事音樂職業的機構提供了廣泛專業的培訓,與許多美國頂級大學一樣,這些都提供音樂表演學位(包括唱歌和演奏樂器),音樂歷史,音樂理論,音樂構圖,音樂教育(對於旨在成為小學或高中音樂老師的個人)以及在某些情況下進行的。另一方面,一些小型大學可能只提供單個職業的培訓(例如,錄音)。

雖然大多數大學和音樂學音樂課程都專注於培訓古典音樂的學生,但有許多大學和學院培訓音樂家的職業生涯爵士樂或者流行音樂音樂家和作曲家,包括美國的著名示例曼哈頓音樂學院伯克利音樂學院。加拿大提供專業爵士培訓的兩所重要學校是麥吉爾大學亨伯學院。針對某些類型音樂的職業的個人,例如重金屬音樂鄉村音樂或者布魯斯通過在大學或大學中完成學位或文憑而成為專業人士的可能性較小。相反,他們通常通過在許多樂隊中唱歌或演奏來了解自己的音樂風格(通常是從業餘樂隊開始的,封面樂隊致敬樂隊),研究CD,DVD和Internet上可用的錄音,並通過非正式與已經建立的音樂風格合作指導或常規音樂課。自2000年代以來,互聯網論壇和YouTube“ How-To”視頻的普及和可用性越來越多,使許多歌手和音樂家來自金屬,藍調和類似流派,以提高他們的技能。許多流行音樂,搖滾和鄉村歌手非正式地訓練聲樂教練唱歌老師.

大學本科

大學本科大學學位在音樂中,包括音樂學士學位,音樂教育學士學位和藝術學士學位(音樂專業)通常需要大約四年才能完成。這些學位為學生提供了音樂理論和音樂歷史的基礎,許多學生還學習樂器或學習唱歌技術作為他們計劃的一部分。本科音樂課程的畢業生可以尋求就業或繼續學習音樂研究生課程。學士學位畢業生也有資格申請一些研究生課程和專業學校在音樂之外(例如,公共管理商業管理圖書館科學,在某些司法管轄區,老師學院法學院或者醫學院)。

畢業

研究生音樂學位包括音樂大師,藝術碩士(音樂學,音樂理論或其他音樂領域),哲學博士(博士學位)(例如,音樂學或音樂理論),最近,音樂藝術博士或DMA。音樂學位碩士需要一到兩年才能完成,通常會授予學習樂器,教育,聲音(唱歌)或作曲表現的學生。藝術碩士學位,需要一到兩年才能完成,並且經常需要一個論文,通常授予學習音樂學,音樂史,音樂理論或民族音樂學的學生。

對於那些想擔任音樂學,音樂歷史或音樂理論大學教授的學生,該博士需要在碩士學​​位後進行三到五年的學習,在此期間,學生將完成高級課程並進行研究論文。 DMA是一個相對較新的學位,旨在為希望擔任音樂表演或作曲大學教授的專業表演者或作曲家提供證書。 DMA需要三到五年的碩士學位,包括高級課程,項目和表演。在中世紀,音樂的研究是四胎七個大量的美術作品並被認為對高等教育至關重要。在定量四元中,音樂或更準確諧波,是理性比例的研究。

音樂學

音樂學,對音樂主題的學術研究在大學和音樂音樂學院進行了研究。 19世紀的最早定義定義了音樂學的三個子學科:系統音樂學歷史音樂學,比較音樂學或民族音樂學。在2010年時代的獎學金中,更有可能遇到該學科的劃分音樂理論音樂史, 和民族音樂學。音樂學研究經常經過跨學科的工作,例如心理聲學。非西方文化音樂和音樂文化研究的研究稱為民族音樂學。學生可以從事音樂學,民族音樂學的本科研究,音樂史,以及音樂理論,包括幾種不同類型的學位,包括學士學位,碩士學位和博士學位。

音樂理論

音樂理論是對音樂的研究,通常是在其他學科之外以高度技術的方式進行的。更廣泛地是指任何音樂研究,通常以某種形式與作曲有關,可能包括數學物理, 和人類學。在開始音樂理論課程中最常教的是要以風格寫作的準則普通練習期, 或者音調音樂。理論,即使是普通實踐時期的音樂,也可能採取許多其他形式。音樂集理論是數學的應用集理論到音樂,首先應用於亞頓音樂.投機音樂理論,與之形成對比分析音樂理論,例如,專門用於音樂材料的分析和合成調諧系統,通常作為組成的準備。

動態學

動態學是對非人類動物的音樂的研究,或者是非人類動物產生的聲音的音樂方面。正如喬治·赫爾佐格(George Herzog,1941)問:“動物有音樂嗎?”François-BernardMâche'Musique,Mythe,自然,Ou Les Dauphins d'Arion(1983),一項使用一種技術的研究尼古拉斯·魯威特(Nicolas Ruwet)'Langage,Musique,Poésie(1972)範式分割分析,顯示鳥歌根據重複轉化原則組織。讓·雅克·納蒂茲(Jean-Jacques Nattiez,1990)認為:“在最後的分析中,即使聲音不是人類的起源,正是人類決定什麼和不是音樂。如果我們承認聲音不會組織和概念化(也就是說,是為了形成音樂的)僅由製片人,但是從感知到它的心中,音樂是獨特的人類。”

民族音樂學

在西方,教授的音樂史大部分都涉及西方文明的藝術音樂,這被稱為古典音樂。非西方文化中音樂的歷史(”世界音樂“或“民族音樂學”的領域),通常在西方大學中涵蓋非洲和亞洲的音樂。這包括西歐影響以外的亞洲國家的經典傳統以及民間或本地音樂其他各種文化。非西方國家的流行或民間風格的音樂風格因文化而異,而且從期間到時期。不同的文化強調不同的不同儀器,技術,唱歌風格和音樂用途。音樂已用於娛樂,儀式,儀式,宗教目的以及實踐和藝術交流。非西方音樂也已用於宣傳目的,就像中國歌劇在此期間文化大革命.

有許多關於非西方音樂的音樂分類,其中許多是在爭論中陷入的音樂的定義。其中最大的是古典音樂(或“藝術”音樂)和流行音樂(或商業音樂 - 包括非西方風格的岩石,國家和與流行音樂有關的樣式)。某些類型並不整齊地適合這些“兩個大”分類之一(例如民間音樂世界音樂, 或者爵士樂與音樂相關)。

隨著世界文化的進入更大的全球接觸,他們的土著音樂風格經常與其他樣式合併,從而產生新樣式。例如,美國藍草樣式包含來自盎格魯-愛爾蘭人蘇格蘭,愛爾蘭人,德語以及能夠在美國的“多種族”融合的非洲樂器和聲音傳統熔爐“社會。某些類型的世界音樂包含非西方土著風格與西方流行音樂元素的混合。音樂流派的傳統和演示與實際音樂一樣多。有些作品,例如喬治·格甚溫'藍色的狂想曲,爵士和古典音樂都宣稱Porgy和Bess倫納德·伯恩斯坦'西側的故事由歌劇和百老匯音樂劇傳統。非西方音樂的許多當前音樂節包括來自特定音樂類型的樂隊和歌手,例如世界音樂。

印度音樂例如,是最古老,最長的音樂類型之一,在南亞以及國際上(尤其是自1960年代以來)仍然廣泛聽到和表演。印度音樂主要有三種古典音樂,印度斯坦Carnatic, 和德魯帕德樣式。它還具有大量風格的曲目,僅涉及打擊樂音樂,例如Talavadya表演南印度.

治療

來自“學校布魯斯”計劃的音樂治療師與海軍水手在海軍療法中心一起演奏口琴。

音樂療法是一個人際交往過程,其中訓練有素的治療師使用音樂及其所有方面(身體,情感,心理,社交,美學和精神),以幫助客戶改善或保持健康。在某些情況下,客戶的需求直接通過音樂來解決。在其他情況下,他們是通過客戶和治療師之間發展的關係來解決的。音樂療法與各個年齡段的人一起使用,包括:精神疾病,醫學問題,身體障礙,感覺障礙,發育障礙,藥物濫用問題,溝通障礙,人際關係問題和衰老。它也用於改善學習,建立自尊心,減輕壓力,支持體育鍛煉,並促進許多其他與健康有關的活動。音樂治療師可能會鼓勵客戶唱歌,演奏樂器,創作歌曲或進行其他音樂活動。

在10世紀,哲學家Al-Farabi描述了聲樂如何刺激聽眾的感情和靈魂。[101]音樂長期以來一直被用來幫助人們處理自己的情緒。在17世紀,學者羅伯特·伯頓(Robert Burton)'憂鬱的解剖結構認為音樂和舞蹈對於治療至關重要精神疾病, 尤其憂鬱症.[102]他指出,音樂具有“出色的力量……驅逐許多其他疾病”,他稱其為“反對絕望和憂鬱的主權補救措施”。他指出,在古代,羅迪安的提琴手野菜用音樂來“讓一個憂鬱的人快樂,……一個情人更迷戀,一個虔誠的人更加虔誠”。[103][104][105]在裡面奧斯曼帝國,用音樂治療精神疾病。[106]2006年11月,Michael J. Crawford博士[107]他的同事們還發現音樂療法有幫助精神分裂症患者。[108]

艾爾伯特愛因斯坦對音樂有終生的熱愛(尤其是巴赫莫扎特),[109]一旦表明沒有演奏音樂的生活對他來說是不可想像的。在一些採訪中,愛因斯坦甚至將他的科學直覺歸因於音樂,他的兒子漢斯說:“每當他覺得自己走到盡頭或在工作中的艱難情況下,他都會避難,避難這通常會解決他的所有困難。”米歇爾(Michele)和羅伯特(Robert Root-Bernstein)在音樂中的某些東西今天的心理學,“將以新的和創造性的方向指導他的思想。”[110]有人說,愛因斯坦認為莫扎特的音樂揭示了愛因斯坦認為存在於宇宙中存在的普遍和諧,“好像偉大的沃爾夫岡·阿瑪迪斯(Wolfgang Amadeus)根本沒有'創造'他精美的清晰音樂,但簡單地發現了它。相似,愛因斯坦對自然的最終簡單性及其通過基本簡單的數學表達式的解釋和陳述的觀點相似。”[111]評論表明,音樂可能有效地改善失眠症症狀的成年人的主觀睡眠質量。[112]音樂也用於認知和運動障礙的臨床康復。[113]

也可以看看

筆記

  1. ^許多中世紀思想家現在享有的一個恥辱的理論是,“音樂”是埃及語的後裔Moys,意思是水,被認為連接到摩西.[11]
  2. ^對於進一步的詞源起源,mousiké源自女性為了mousikos,這是“與繆斯有關的”,從古希臘語for Muse,Mousa.[9]關於單詞的起源沒有共識Mousa[12]雖然看繆斯§詞源對於擬議的理論。

參考

  1. ^公司,霍頓·米夫林·哈科特出版社。“美國遺產詞典條目:音樂”.ahdictionary.com。檢索2021-01-20.
  2. ^“音樂|藝術形式,風格,節奏和歷史”.英國百科全書。檢索2021-09-15.
  3. ^“ Mousike,亨利·喬治·利德爾,羅伯特·斯科特,希臘 - 英語詞典,在珀爾修斯”。 perseus.tufts.edu。檢索10月27日2015.
  4. ^Kozinn,艾倫(1992年8月13日)。“約翰·凱奇(John Cage),現年79歲,極簡主義者著迷,死了”.紐約時報。檢索9月11日2012.
  5. ^Watson 2009,109–10。[不完整的簡短引用]
  6. ^Reiland Rabaka。嘻哈的健忘症:來自布魯斯和黑人婦女俱樂部運動,到說唱和嘻哈運動。列剋星敦書籍,2012年。 103
  7. ^Manabe,Noriko。革命不會被電視轉播:福島之後的抗議音樂。牛津大學出版社,2015年。 163。
  8. ^在線詞源詞典,第2段。
  9. ^一個bc在線詞源詞典,第1段。
  10. ^Hoad,T。F.,編輯。 (2003)[1996]。“音樂”.簡明的牛津英語詞源詞典.ISBN978-0-19-283098-2。檢索5月30日2022.
  11. ^一個bAPEL 1969,p。 548。
  12. ^Anderson&Mathiesen 2001,第1段。
  13. ^默里2020年,第13-14頁。
  14. ^一個bcdNettl 2001,§i“ 1.詞源”。
  15. ^Anderson&Mathiesen 2001,第2段。
  16. ^Nettl 2001,§II“ 1.當代西方文化”。
  17. ^一個bNettl 2001,§ii“ 2.東亞”。
  18. ^一個bNettl 2001,§II“ 5.一些非洲文化”。
  19. ^Nettl 2001,§II“ 4.印度”。
  20. ^Nettl 2001,§II“ 6.一些美洲和大洋洲的文化”。
  21. ^Nettl 2001,§II“ 3.伊朗和中東”。
  22. ^Morley 2013,第38-39頁。
  23. ^Reginald Massey;賈米拉·梅西(Jamila Massey)(1996)。印度音樂。 Abhinav出版物。 p。 11。ISBN978-81-7017-332-8.
  24. ^Brown,RE(1971)。 “印度音樂”。民族音樂學的讀物.
  25. ^威爾金森(Wilkinson),恩迪(Endymion)(2000)。中國歷史。哈佛大學亞洲中心。
  26. ^Stolba,K。Marie(1995)。西方音樂的發展:歷史(簡短第二版)。麥迪遜:Brown&Benchmark Publishers。 p。 2。
  27. ^韋斯特,馬丁·利奇菲爾德(1994年5月)。 “巴比倫音樂符號和Hurrian旋律文本”。音樂和字母。卷。 75.第161-179頁。
  28. ^古埃及音樂存檔2015-10-13在Wayback Machine.凱爾西考古博物館,密歇根大學,安阿伯。
  29. ^“ UC 33268”。 Digitalegypt.ucl.ac.uk。檢索10月27日2015.
  30. ^希克曼,漢斯(1957)。 “ Un Zikr Dans Le Mastaba de Debhen,Guîzah(IvèmeDynastie)”。國際民間音樂委員會雜誌.9:59–62。doi10.2307/834982.Jstor834982.
  31. ^希克曼,漢斯(1960年1月至3月)。 “ Rythme,Mètre等人的Musique Enginderale et voesale et acnagens egyptiens”。Acta Musicologica.32(1):11–22。doi10.2307/931818.Jstor931818.
  32. ^理查德·尼德爾(Richard O. Nidel),世界音樂:基礎知識,p。 219。
  33. ^查爾斯·卡恩(Charles Kahn),世界歷史:過去的社會,p。 98。
  34. ^世界歷史:查爾斯·卡恩(Charles Kahn)的過去社會(第11頁)
  35. ^世界音樂:Nidel Nidel的基礎知識,Richard O. Nidel(第10頁)
  36. ^Rajagopal,Geetha(2009)。南印度神廟中的音樂儀式,第1卷。 D. K. Printworld。第111–112頁。ISBN978-81-246-0538-7.
  37. ^一個bc野蠻人,羅傑。“偶然音樂”,格羅夫音樂在線。牛津音樂在線,2012年8月13日訪問(需要訂閱)
  38. ^West,Martin Litchfield(1994)。古希臘音樂。牛津大學出版社。
  39. ^溫寧頓 - 吉拉姆(Reginald P.)(1929年10月)。 “古希臘音樂:調查”。音樂和信件.10(4):326–345。doi10.1093/ml/10.4.326.Jstor726126.
  40. ^Aristoxenus,Henry Stewart Macran(1902)。Harmonika Stoicheia(Aristoxenus的諧波)。 Georg Olms Verlag。ISBN978-3-487-40510-0.OCLC123175755.
  41. ^Elaine Thornburgh;傑克·洛根(Jack Logan)博士“巴洛克音樂”。小號。SDSU.EDU。存檔原本的2015年9月5日。檢索10月27日2015.
  42. ^布魯姆,弗里德里希。經典音樂:一項綜合調查。紐約:W.W。 Norton&Company,1970年。印刷。
  43. ^Schaeffer,P。(1966年),特徵DES OBJETS MUSICAAUX,LE SEUIL,巴黎。
  44. ^Alyn Shipton,爵士的新歷史,第二。 Ed。,Continuum,2007年,第4-5頁
  45. ^吉利蘭,約翰(1969)。“ Show 55 - Crammer:關於岩石歷史和其他一些事物的活潑的訓練課程”(聲音的).流行紀事.北德克薩斯大學圖書館.[需要時間]
  46. ^Kirszner,Laurie G.(2012年1月)。大學寫作的模式。貝德福德/聖。馬丁的。 p。 520。ISBN978-0-312-67684-1
  47. ^Boretz,本傑明(1995)。元變化:音樂思想基礎的研究…。開放空間。
  48. ^阿卡拉。 (2015)。音樂詞彙表。 v7.5。從2015年5月28日從2015年檢索“存檔副本”。存檔原本的在2016-01-26。檢索2016-01-09.{{}}:CS1維護:存檔副本為標題(鏈接)
  49. ^guady.gov.uk。 (2011)。音樂 - 學校。 2013年7月12日從http://www.education.gov.uk/schools/teachingandlearning/curriculum/primary/b00199150/music
  50. ^納夫姆。 (2015)。核心音樂標準詞彙表。http://www.nafme.org/my-classroom/standards/core-music-standards/
  51. ^gov.uk。 (2013)。英格蘭國家課程:音樂課程。 2016年1月6日從https://www.gov.uk/government/publications/national-curriculum-in-in-england-music-music-programmes of-Study
  52. ^Clementi,M。:“在鋼琴福特上彈奏的藝術介紹”,《達卡波出版社》(1974年)。 Cohen,Dalia和Dubnov,Shlomo(1996)。 “音樂質地中的格式塔現象”,施普林格doi10.1007/bfb0034128
  53. ^尼克斯,弗雷德里克(1884)。音樂術語簡明詞典..“審查”.音樂時代和唱歌班.25(498):473。1884年8月1日。doi10.2307/3357513.HDL2027/UC1.B4284161.Jstor3357513.
  54. ^Estrella,Espie(2019年11月4日)。“音樂元素的介紹”.liveabout.com。檢索2月25日2020.
  55. ^“元素”,(n.d.)在dictionary.com中刪除。檢索2015年6月10日
  56. ^Seashore,C。E.(1938)。音樂心理學:紐約:多佛出版物。
  57. ^Webster,N。(編輯)(1947)韋伯斯特的新二十世紀詞典。俄亥俄州克利夫倫德:世界出版公司。
  58. ^一個bR.L. Burton(2015)。音樂元素:他們是什麼,誰在乎?在J. Rosevear&S。Harding中。 (編輯),ASME XXTH全國會議記錄。論文在:音樂:生命教育:ASME XXTH全國會議(第22-28頁),維多利亞州帕克維爾:澳大利亞音樂教育協會。
  59. ^Harnsberger,Lindsey。 “關節。”音樂詞典。阿爾弗雷德出版公司(Alfred Publishing Co.
  60. ^“表達的定義”.dictionary.com。 dictionary.com。檢索10月22日2017.
  61. ^伯頓,羅素(2015)。 “音樂元素:他們是什麼,誰在乎?”。教育人生。 ASME XXTH全國會議程序。澳大利亞音樂教育學會。:22。
  62. ^Schmidt-Jones,凱瑟琳(2011年3月11日)。“音樂中的形式”.連接。檢索9月11日2011.
  63. ^布蘭特,安東尼(2007年1月11日)。“音樂形式”。連接。檢索9月11日2011.
  64. ^斯科爾斯,珀西·A。(1977)。 “形式”。牛津音樂伴侶(10 ed。)。牛津大學出版社.
  65. ^曼,阿爾弗雷德(1958)。賦格研究。 W.W. Norton and Co. Inc.
  66. ^凱爾(Charles)(1966)。城市藍調.ISBN978-0-226-42960-1.
  67. ^Kirkendall,Jensen Armstrong(2017-12-14)。“井井有條的心:和諧,音樂和儀式的孔子”(PDF).
  68. ^譚,siu-lan;彼得·普福德雷斯(Pfordresher); Harré,ROM(2010)。音樂心理學:從聲音到意義。紐約:心理學出版社。 p。 2。ISBN978-1-84169-868-7.
  69. ^Laske,Otto(1999)。導航新的音樂視野(對音樂和舞蹈研究的貢獻)。韋斯特波特:格林伍德出版社。ISBN978-0-313-30632-7.
  70. ^Laske,O。(1999)。 AI和音樂:認知音樂學的基石。在M. Balaban,K。Ebcioglu和O. Laske(編輯)中用AI了解音樂:音樂認知的觀點。劍橋:麻省理工學院出版社。
  71. ^Graci,C。(2009–2010)簡短的學習科學之旅,該學習科學具有用於研究旋律現象的認知工具。教育技術系統雜誌,38(2),181–211。
  72. ^Hamman,M.,1999年。“作為表演的結構:認知音樂學和程序的客觀化”,《奧托·拉斯克:瀏覽新音樂視野》,編輯。 J. Tabor。紐約:格林伍德出版社。
  73. ^瓦林,尼爾斯L./björn默克/史蒂文·布朗(1999):“進化音樂學概論”。在:瓦林,尼爾斯L./björn默克/史蒂文·布朗(Eds。,1999):音樂的起源,第5-6頁。ISBN0-262-23206-5。
  74. ^“人的血統,與性有關”。 1871年。第三章;語
  75. ^尼爾·沃林(Nils L. Wallin); BjörnMerker;史蒂文·布朗(Steven Brown)編輯。 (2000)。音樂的起源。馬薩諸塞州劍橋:麻省理工學院出版社。ISBN978-0-262-23206-7.
  76. ^史蒂文·米森(Steven Mithen),唱歌尼安德特人:音樂,語言,思想和身體的起源,哈佛大學出版社,2006年。
  77. ^哈根,愛德華·H; Hammerstein P(2009)。“尼安德特人和其他早期的人都在唱歌嗎?在靈長類動物,獅子,鬣狗和狼的大聲呼喚中尋求音樂的生物根源”(PDF).音樂科學.doi10.1177/1029864909013002131.S2CID39481097.
  78. ^Pinker,Steven(1997)。思想如何運作。紐約:W。W。Norton。 p。534.ISBN978-0-393-04535-2.
  79. ^Perlovsky L.音樂。音樂情緒的認知功能,起源和演變。 Web -Medcentral心理學2011; 2(2):WMC001494
  80. ^艾莉森·雅培(Alison Abbott)。 2002年。“神經生物學:音樂,大師,請!”自然416,12-14(2002年3月7日)|doi10.1038/416012a
  81. ^Carroll,Joseph(1998)。“史蒂文·平克的芝士蛋糕”。 cogweb.ucla.edu。檢索12月29日2012.
  82. ^Soley,G。; Hannon,E。E.(2010)。 “嬰兒更喜歡自己文化的音樂計:跨文化比較”。發展心理學.46(1):286–292。doi10.1037/a0017555.PMID20053025.
  83. ^Balkwill,L。;湯普森(W. F.) Matsunaga,R。(2004)。“日語聽眾對日語,西方和印度斯坦音樂中對情感的認可”.日本心理學研究.46(4):337–349。doi10.1111/j.1468-5584.2004.00265.x.
  84. ^Demorest,S.M。; Morrison,S.J。; Beken,M。N。; Jungbluth,D。(2008)。 “翻譯失落:音樂記憶表現中的培養效果”。音樂感知.25(3):213–223。doi10.1525/mp.2008.25.3.213.
  85. ^格魯薩德(M。) Rauchs,G。; Landeau,b。 Viader,f。; Desgranges,b。 Eustache,f。; Platel,H。(2010)。“ fMRI和兩個語義任務揭示了音樂記憶的神經基礎”(PDF).神經圖像.53(4):1301–1309。doi10.1016/j.neuroimage.2010.07.013.PMID20627131.S2CID8955075.
  86. ^格拉茲安,大衛。 “芝加哥布魯斯場景中真實性的象徵性經濟。”在音樂場景中:本地,易位和虛擬。 ed。貝內特,安迪和理查德·彼得森。納什維爾:范德比爾特大學出版社,2004年。第31-47頁
  87. ^麗貝卡·伊麗莎白·鮑爾(Rebecca Elizabeth Ball)(2010)。波特蘭的獨立音樂界:社區身份和替代城市文化景觀的形成,p。 27
  88. ^朱利安·沙普(Julian Schaap)和保羅·伯克斯(Pauwke Berkers)。 “一個人咕grun?在極端金屬音樂中的在線性別不平等”IASPM期刊。卷。 4,不。 1(2014)p。 103
  89. ^一個bErika White(2015-01-28)。“音樂史入門:30年代的3個開創性女詞曲作者| Repeat Magazine”。 receatmag.com。檢索2016-01-20.
  90. ^“美國流行歌曲中的女作曲家”。 parlorsongs.com。 1911-03-25。 p。 1。檢索2016-01-20.
  91. ^一個bhttp://music.cbc.ca/#!/blogs/2014/3/classical-musics-shocking-gender-gap存檔2016-03-01在Wayback Machine
  92. ^傑西卡·杜欽(Jessica Duchen)。“為什麼男性統治古典音樂可能會結束|音樂”.守護者。檢索2016-01-20.
  93. ^Rosina NCube(2013年9月)。“響起:為什麼有那麼少的女性在音頻中?”.聲音上的聲音.
  94. ^“歌手Asha Bhosle進入吉尼斯世界唱片的大多數單人錄音”.今天的印度。 2011年10月21日。檢索3月12日2016.
  95. ^“美國音樂家/歷史聯合會”。存檔原本的在2007-04-05。
  96. ^哈伯德(1985),第1頁。 429。[不完整的簡短引用]
  97. ^“試驗中的音樂罐頭”部分杜克大學'廣告*訪問項目。
  98. ^安德森,克里斯(2006)。長尾:為什麼業務的未來銷售較少。 Hyperion。ISBN1-4013-0237-8。
  99. ^塔普斯科特,唐威廉姆斯,安東尼·D。(2006-12-28)。Wikinomics:大規模合作如何改變一切。投資組合精裝。ISBN978-1-59184-138-8.
  100. ^Woodall and Ziembroski,2002年[不完整的簡短引用]
  101. ^rens bod(2022)。模式世界:全球知識史。約翰·霍普金斯大學出版社。 p。 169。ISBN9781421443454.
  102. ^參見憂鬱的解剖結構羅伯特·伯頓(Robert Burton),第3款,在第3,480行,“音樂A補救措施”上和之後
  103. ^據說Ismenias Theban Theban,Chiron Chiron,僅通過音樂治癒了這種疾病:就像您現在那樣,您就是那些人,他們對聖維特斯的貝德蘭舞所困擾。Gutenberg項目憂鬱的解剖結構,由Democrecitus Junior
  104. ^“人文科學是荷爾蒙:塔蘭特拉來到紐芬蘭。我們該怎麼辦?”存檔2015-02-15在Wayback Machine紐芬蘭紀念大學醫學院新聞通訊John Crellin博士,1996年。
  105. ^昂,史蒂文·K·H。 Lee,Mathew H. M.(2004)。 “音樂,聲音,醫學和冥想:一種綜合方法的康復藝術方法”。替代和互補療法.10(5):266–270。doi10.1089/ACT.2004.10.266.
  106. ^通過音樂療法治療精神疾病 - 與歷史不同的方法存檔2013年12月1日,在Wayback Machine
  107. ^邁克爾·J·克勞福德博士倫敦帝國學院,心理醫學系醫學院。
  108. ^克勞福德(Mike J。);塔爾瓦爾(Nakul);等。 (2006年11月)。“精神分裂症患者的音樂療法:探索性隨機對照試驗”.英國精神病學雜誌.189(5):405–409。doi10.1192/bjp.bp.105.015073.PMID17077429.音樂療法可以提供一種精神分裂症患者的心理健康的方法,但尚未探索其在急性精神病中的影響
  109. ^福斯特,布萊恩(2005)。“愛因斯坦和他對音樂的熱愛”(PDF).物理世界。檢索8月14日,2017.
  110. ^Root-Bernstein,Michele; Root-Bernstein,羅伯特(2010年3月31日)。“關於創意思維的愛因斯坦:音樂和科學想像力的直覺藝術”.今天的心理學。檢索8月14日,2017.
  111. ^瓊斯,喬什(2013年6月25日)。“阿爾伯特·愛因斯坦的音樂思想:偉大的物理學家,業餘小提琴家和莫扎特的奉獻者”.開放文化。檢索8月14日,2017.
  112. ^基拉(Jespersen),基拉(Kira)(2015年8月13日)。 “成人失眠的音樂”。系統評論的Cochrane數據庫(8):CD010459。doi10.1002/14651858.CD010459.PUB2.PMID26270746.
  113. ^紐曼,蒂姆。“為什麼低音讓你想跳舞?”.今天的醫療新聞。檢索2018-08-21.

來源

進一步閱讀

外部鏈接