音樂
音樂通常被定義為安排聲音的藝術，以創建形式，和諧，旋律，節奏或其他表現力的內容的組合。音樂的定義因文化而異，儘管這是所有人類社會和文化普遍的一個方面。儘管學者同意音樂是由一些特定元素定義的，但就其確切的定義尚無共識。音樂的創作通常分為音樂作品，音樂即興創作和音樂表演，儘管該主題本身擴展到了學術學科，批評，哲學，心理學和治療背景。音樂可以使用包括人類聲音在內的各種樂器來執行或即興演奏。
在某些音樂背景下，表演或作品可能在某種程度上是即興創作的。例如，在印度斯坦古典音樂中，表演者在遵循部分定義的結構並使用特徵圖主題時自發播放。在模態爵士樂中，表演者可能會輪流和響應，同時分享一組不斷變化的筆記。在免費的爵士樂背景下，可能沒有任何結構，每個表演者都酌情行事。音樂可能是故意構成的，以從許多表演中以電子方式被以電子方式形成。音樂是在公共和私人區域播放的，在節日，搖滾音樂會和樂團表演等活動中強調，並作為電影，電視節目，歌劇或視頻遊戲的樂譜或配樂的一部分偶然地聽到。音樂播放是MP3播放器或CD播放器的主要功能，也是收音機和智能手機的通用功能。
音樂經常在社交活動，宗教儀式，通道儀式，慶祝活動和文化活動中起關鍵作用。音樂行業包括詞曲作者，表演者，聲音工程師，製作人，旅遊組織者，樂器，配飾和樂譜的分銷商。音樂評論家，音樂記者和音樂學者以及業餘愛好者評估和評估作品，表演和錄音。
詞源和術語
現代英語單詞“音樂”在1630年代開始使用。它源自一長串的連續前代：13世紀中葉的古老英語“ Musike ”； 12世紀的古老法國穆斯克（French Musique） ；和拉丁語穆西卡。拉丁單詞本身源自古希臘味覺（ Technē ） - μουσική （ τέχνη ） - 字面意義上的“（藝術）”。繆斯女神是古希臘神話中主持藝術和科學的九個神靈。最早的西方作家荷馬和赫西奧德（Hesiod）將它們包括在故事中，並最終與音樂有關。隨著時間的流逝，聚集會比其他繆斯女神更為突出音樂。拉丁語Musica也是通過拼寫和語言調整的西班牙語Música和French Musique的創始人，儘管其他歐洲術語可能是借用詞，包括意大利音樂，德國Musik ，荷蘭語Muziek ，Norwegian Musikk ，波蘭Muzyka和RussianMuzïka 。
現代西方世界通常將音樂定義為一個無所不包的術語，用於描述各種流派，風格和傳統。在世界範圍內，情況並非如此，現代印尼（ Musik ）和Shona （ Musakazo ）等語言最近採用了詞來反映這一普遍概念，因為它們沒有完全適合西方範圍的詞。在東亞的西方接觸之前，日本和中國都沒有一個單詞，它涵蓋了廣義上的音樂，但是從文化上講，他們經常以這種方式看音樂。最接近中文的音樂的詞， Yue與Le分享了一個角色，意思是喜悅，最初是在含義縮小之前提到所有藝術的。非洲太多了，無法實現堅定的概括，但是音樂學家JH Kwabena Nketia強調了非洲音樂常常與舞蹈和演講密不可分的聯繫。一些非洲文化，例如剛果民主共和國的宋耶人和尼日利亞的TIV人民，對“音樂”的概念很廣，但在其母語中沒有相應的詞。其他通常被翻譯為“音樂”的單詞在各自的文化中通常具有更具體的含義：sangita的印地語單詞，桑吉塔（Sangita ）正確地指藝術音樂，而美洲的許多土著語言都有音樂的單詞，這些詞專門指歌曲，但描述器樂音樂。儘管阿拉伯語Musiqi可以參考所有音樂，但通常用於器樂和公制音樂，而Khandan則標識了聲樂和即興音樂。
歷史
起源和史前
經常會辯論音樂的起源在多大程度上可以理解，並且有競爭的理論旨在解釋它。許多學者突出了音樂的起源與語言的起源之間的關係，無論音樂是否在之前，之後還是與語言同時開發，都存在分歧。類似的爭論來源圍繞著音樂是自然選擇的故意結果還是進化的副產品伴侶。最早的有影響力的理論是由查爾斯·達爾文（Charles Darwin）在1871年提出的，他說音樂是一種性選擇的一種形式，也許是通過交配電話。達爾文的原始觀點因其與其他性選擇方法的不一致而受到嚴重批評，儘管21世紀的許多學者已經發展並促進了這一理論。其他理論包括音樂來協助組織勞動，改善長距離交流，使與神的溝通受益，協助社區凝聚力或以防禦恐懼的掠食者。
史前音樂只能根據舊石器時代考古網站的發現來理論上。從洞穴熊股骨雕刻而成的Divje Babe長笛被認為至少40，000年，儘管圍繞它是真正的樂器還是動物形成的物體，但仍有相當大的爭論。最早的物體被稱為樂器被廣泛接受的是來自德國斯瓦比亞朱拉（Swabian Jura）的骨頭長笛，即來自蓋森克爾斯特（Geissenklösterle），霍爾·費爾斯（ Hohle Fels）和沃格爾德（Vogelherd ）洞穴。可追溯到上舊石器時代的奧里尼亞族人，並由歐洲早期的現代人類使用，來自所有三個洞穴，有八個例子，四個由鳥的翅膀骨頭製成，四個來自猛mm象象牙。其中三個接近完成。來自吉森克爾斯特爾（Geissenklösterle）的三個笛子的日期為最古老的c。 43,150–39,370 bp。
古代
埃及樂器的最早材料和代表性證據可以追溯到伴有前時期，但是在演奏豎琴，笛子和雙簧管時，在舊王國中更牢固地證明了證據。中間王國將打擊樂器，利雷斯和盧特斯添加到樂團中。 Cymbals經常伴隨音樂和舞蹈，就像今天在埃及仍然一樣。埃及民間音樂，包括傳統的Sufi Dhikr儀式，是與古埃及音樂最接近的當代音樂類型，它保留了許多功能，節奏和樂器。
在古老的敘利亞城市烏加里特（ Ugarit ）的粘土片上發現的“赫爾·讚美詩（Hurrian Hymn to Nikkal） ”是最古老的音樂中最古老的音樂作品，可追溯到公元前1400年。
音樂是古希臘社會和文化生活的重要組成部分，實際上，它是教給兒童的主要主題之一。音樂教育被認為對個人靈魂的發展很重要。音樂家和歌手在希臘劇院中扮演著重要角色，那些接受音樂教育的人被視為貴族和完美的和諧（可以在柏拉圖共和國閱讀）。混合性別合唱團為娛樂，慶祝和精神儀式而表演。儀器包括雙reed aulos和摘下的弦樂器，七弦琴，主要是一種稱為Kithara的特殊形式。音樂是教育的重要組成部分，從六歲開始，男孩被教導音樂。希臘音樂素養創造了重大的音樂發展。希臘音樂理論包括希臘音樂模式，最終成為西方宗教和古典音樂的基礎。後來，羅馬帝國，東歐和拜占庭帝國的影響改變了希臘音樂。 Seikilos墓誌銘是來自世界任何地方的完整音樂作品（包括音樂符號）的最古老的倖存例子。關於音樂理論主題的最古老的尚存作品是Aristoxenus的Harmonika Stoichia 。
亞洲文化
亞洲音樂涵蓋了在阿拉伯，中亞，東亞，南亞和東南亞的文章中調查的許多音樂文化。一些傳統陷入了古代。
印度古典音樂是世界上最古老的音樂傳統之一。印度河谷文明的雕塑表演舞蹈和舊樂器，例如七洞長笛。莫蒂默·惠勒（Mortimer Wheeler）進行的發掘，已經從哈拉帕（Harappa ）和莫恩霍·達羅（Mohenjo Daro）中回收了弦樂器和鼓。里格維達（Rigveda）是一部古老的印度文字，上面有當前印度音樂的元素，並帶有音樂符號，表示誦經的儀表和模式。印度古典音樂（MARGA）是單聲道的，基於單個旋律系列或通過Talas組織的節奏。這首詩cilappatikaram提供了有關如何通過現有量表對滋補品的模態轉移來形成新量表的信息。當今的印地語音樂受到波斯傳統音樂和阿富汗Mughals的影響。 Carnatic音樂在南部州流行，在很大程度上是虔誠的。大多數歌曲都介紹給印度神靈。有歌曲強調愛情和其他社會問題。
自從公元前第二至3世紀，青銅時代文化遷移到印尼群島以來，印尼音樂就已經形成。印尼傳統音樂使用打擊樂器，尤其是Kendang和Gongs 。他們中的一些人開發了精心設計的儀器，例如在死記硬背的薩桑多（Sasando）弦樂器，聖丹尼斯·昂克隆（ Sundanese Angklung ）以及復雜而復雜的爪哇人和巴厘島的Gamelan樂團。印度尼西亞是Gong Chime的故鄉，這是一組小型，高高的鍋鑼的一般術語。鑼通常按順序放置，船長抬起在低木架上的繩子上。印尼音樂最受歡迎的形式是Gamelan，它是一種調諧的打擊樂器的合奏，其中包括金屬載體，鼓，鑼和尖峰提琴，以及竹子的悶悶不樂（例如長笛）。
中國古典音樂是中國的傳統藝術或法院音樂，歷史悠久，超過3000年。它具有自己獨特的音樂符號系統，以及音樂調整和音調，樂器和風格或流派。中文音樂是五音調的-唱，有十二個音符的八度音符（5 + 7 = 12），以及受歐洲影響的音樂。
西方古典
早期音樂
中世紀的音樂時代（500至1400）發生在中世紀，始於引入單聲道（單旋律系列）呼喚天主教教堂服務。自從古代文化中以來，使用了音樂符號，但是在中世紀，天主教會首先引入了符號，因此可以寫下唱歌旋律，以促進在整個天主教帝國中使用相同的旋律用於宗教音樂。從800年之前發現的歐洲中世紀曲目是以書面形式發現的，是天主教堂的單聲禮拜堂的平原頌歌，其中心傳統被稱為格里高利的頌歌。除了這些神聖和教會音樂的傳統之外，還有一個充滿活力的世俗歌（非宗教歌曲）的傳統。這一時期作曲家的例子是萊昂寧， Pérotin ， Guillaume de Machaut和Walther von von der Vogelweide 。
文藝復興時期的音樂（約1400至1600年）更專注於世俗主題，例如貪婪的愛情。在1450年左右發明了印刷機，這使得印刷的表樂園便宜得多，更容易大規模生產（在新聞發布會發明之前，所有註釋的音樂都是手工播放的）。樂曲音樂的供應量提高，更快地傳播了音樂風格。音樂家和歌手經常為教堂，法院和城鎮工作。教堂合唱團的規模不斷增長，教堂仍然是音樂的重要贊助人。到15世紀中葉，作曲家撰寫了豐富的複音神聖音樂，其中不同的旋律線條同時交織在一起。這個時代的著名作曲家包括Guillaume du Fay ， Giovanni Pierluigi da Palestrina ， Thomas Morley ， Orlando Di Lasso和Josquin des Prez 。隨著音樂活動從教堂轉變為貴族法院，國王，皇后和王子爭奪了最好的作曲家。許多領先的作曲家來自荷蘭，比利時和法國。它們被稱為佛朗哥 - 普蘭米甚作曲家。他們在整個歐洲，尤其是意大利擔任重要職務。其他充滿活力的音樂活動的國家包括德國，英國和西班牙。
普通練習期
巴洛克式
巴洛克音樂時代發生在1600年至1750年，隨著歐洲各地的巴洛克藝術風格蓬勃發展。在此期間，音樂在其範圍和復雜性方面擴展。巴洛克音樂始於寫第一部歌劇（由樂團伴隨著戲劇性的獨奏聲樂）。在巴洛克時代，使用多個同時使用的獨立旋律線條，仍然很重要（對立在中世紀時代的聲樂中很重要）。德國巴洛克作曲家為小合奏寫作，包括琴弦，黃銅和木管樂器，以及合唱團和鍵盤儀器，例如管風琴，大鍵琴和克拉維琴。在此期間，定義了幾種主要的音樂表格，這些形式持續到後期，當時它們被擴展並進一步發展，包括賦格，發明，奏鳴曲和協奏曲。巴洛克式晚期的風格是整合的複雜且裝飾豐富的。巴洛克時代的重要作曲家包括約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（大提琴套房），喬治·弗里德里奇·漢德爾（ Missiah ），喬治·菲利普·泰勒曼（Georg Philipp Telemann ）和安東尼奧·維瓦爾迪（ Antonio Vivaldi ）（四個季節）。
古典主義
古典時期的音樂（1730年至1820年）旨在模仿古希臘和羅馬的藝術和哲學的關鍵要素：平衡，比例和紀律表達的理想。 （注意：古典時期的音樂不應與一般的古典音樂混淆，該術語是指從5世紀到2000年代的西方藝術音樂，其中包括古典時期是許多時期之一）。與之前的巴洛克音樂相比，古典時期的音樂具有更輕，清晰，更簡單的質感。主要風格是同質風格，其中傑出的旋律和下屬的和弦伴奏部分顯然是不同的。古典的樂器旋律幾乎是語音的旋律。開發了新的流派，現代鋼琴的先驅Fortepiano取代了巴洛克時代的大鍵琴和管風琴作為主鍵盤儀器（儘管諸如大眾之類的神聖音樂中繼續使用管風琴）。
重要的是樂器音樂。它是由最初在巴洛克時期定義的音樂形式的進一步發展的主導的：奏鳴曲，協奏曲和交響曲。其他主要種類是三重奏，弦樂四重奏，小夜曲和Divertimento 。奏鳴曲是最重要和發展的形式。儘管巴洛克作曲家還寫了奏鳴曲，但奏鳴曲的古典風格是完全不同的。從弦樂四重奏到交響曲和協奏曲的古典時代的所有主要工具形式都是基於奏鳴曲的結構。使用室內音樂和樂團的樂器變得更加標準化。代替巴洛克時代的Basso Continuo小組，由大鍵琴，器官或琵琶以及許多由小組負責人酌情選擇的低音樂器（例如，Vial，vir，大提琴，理論，蛇），古典室內室內組所使用的指定的標準化儀器（例如，將通過兩個小提琴，中提琴和大提琴執行弦樂四重奏）。 Continuo鍵盤手或琵琶演奏家的即興演奏的練習是巴洛克音樂的標誌，在1750-1800之間逐漸下降。
在古典時期，最重要的變化之一是開發公共音樂會。貴族在音樂會和作品的讚助中仍然發揮著重要作用，但現在作曲家可以生存而不是皇后區或王子的永久僱員。古典音樂的日益普及導致樂團數量和類型的增長。管弦樂音樂會的擴展需要建立大型公共表演空間。交響音樂，包括交響曲，芭蕾舞音樂伴奏以及混合聲樂/器樂類型（例如Opera和Oratorio ）變得越來越流行。
最著名的古典主義作曲家是卡爾·菲利普·伊曼紐爾·巴赫（Carl Philipp Emanuel Bach） ，克里斯托夫·威利巴爾德·格魯克（Christoph Willibald Gluck） ，約翰·克里斯蒂安·巴赫（Johann Christian Bach） ，約瑟夫·海頓（Joseph Haydn），沃爾夫岡·阿馬迪斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart ），路德維希·範·貝多芬（ Ludwig Van Beethoven）和弗朗茲·舒伯特（ Franz Schubert） 。貝多芬和舒伯特也被認為是古典時代後期的作曲家，因為它開始朝著浪漫主義發展。
浪漫主義
19世紀的浪漫音樂（ 1820年至1900年）與文學和繪畫時代的浪漫風格有許多共同點。浪漫主義是一種藝術，文學和智力運動的特點，其特點是它對情感和個人主義以及對過去和自然的榮耀。浪漫音樂將古典時代的僵化風格和形式擴展到更加熱情，戲劇性的表現力和歌曲。瓦格納（Wagner ）和勃拉姆斯（Brahms）等浪漫作曲家試圖增加音樂中的情感表達和力量，以描述更深層的真理或人類的感受。作曲家憑藉交響音詩，試圖使用樂器音樂講述故事，並喚起圖像或風景。一些作曲家以受民間音樂啟發的愛國管弦樂音樂促進了民族主義自豪感。音樂的情感和富有表現力優於傳統。
浪漫作曲家在特質中成長，並在音樂背景下（例如文學），歷史（歷史人物和傳說）或自然本身探索不同的藝術形式的融合主義進一步發展。在此期間，浪漫的愛或渴望是許多作品中的普遍主題。在某些情況下，繼續使用古典時期的形式結構（例如，弦樂四重奏和交響曲中使用的奏鳴曲形式），但是這些形式擴展和改變了。在許多情況下，探索了現有類型，形式和功能的新方法。此外，創建了新表格，被認為更適合新主題。作曲家繼續開發歌劇和芭蕾舞音樂，探索新風格和主題。
在1800年後的幾年中，路德維希·範·貝多芬（ Ludwig Van Beethoven）和弗朗茲·舒伯特（Franz Schubert）開發的音樂引入了更具戲劇性，富有表現力的風格。在貝多芬的情況下，有機開發的簡短主題是將旋律替換為最重要的組成單元（一個例子是他的第五個交響曲中使用的獨特四個音符圖）。後來的浪漫作曲家，例如Pyotr Ilyich Tchaikovsky ， AntonínDvo紅K和Gustav Mahler，使用了更多不尋常的和弦和更多的不和諧來造成戲劇性的緊張。他們產生了複雜的音樂作品，而且通常更長的音樂作品。在浪漫的時期，作曲家探索了音調的戲劇性色彩改變，例如擴展的和弦和和弦，創造了新的聲音“顏色”。 19世紀後期，樂團的規模發生了巨大的擴張，工業革命幫助創造了更好的樂器，創造了更強大的聲音。公共音樂會成為富裕城市社會的重要組成部分。它還看到了戲劇音樂的新多樣性，包括歌劇，音樂喜劇和其他形式的音樂劇。
20和21世紀
在19世紀，新的作品成為公眾聞名的關鍵方式，是由中產階級的業餘音樂愛好者在家裡，鋼琴或其他普通樂器（例如小提琴）演出的樂譜的銷售。借助20世紀的音樂，新電動技術的發明，例如廣播廣播和gramophone唱片的大眾市場可用性，意味著聽眾（在廣播或唱片播放器上）聽到的聲音錄音成為學習新歌和作品的主要方式。隨著廣播的受歡迎程度，音樂聆聽的大幅增加，並用留聲機來重播和分發音樂，任何擁有廣播或唱片播放器的人都可以在自己的客廳裡聽到歌劇，交響曲和大樂隊。在19世紀，人們對樂曲的關注限制了可以閱讀音樂，擁有鋼琴和其他樂器的中上層階級和上層階級人士的新音樂的訪問。收音機和唱片球員允許低收入人士，他們負擔不起歌劇或交響樂團的演唱會來聽這種音樂。這意味著人們可以聽到來自該國不同地區，甚至世界各地的音樂，即使他們負擔不起前往這些地點的旅行。這有助於傳播音樂風格。
20世紀藝術音樂的焦點的特點是探索了新的節奏，風格和聲音。第一次世界大戰的恐怖影響了許多藝術，包括音樂和作曲家開始探索更黑暗，更刺耳的聲音。作曲家將傳統的音樂風格（例如爵士樂和民間音樂）用作古典音樂的想法來源。 Igor Stravinsky ， Arnold Schoenberg和John Cage是20世紀藝術音樂中有影響力的作曲家。聲音錄製的發明和編輯音樂的能力引起了新的古典音樂，包括電子構圖的聲學和MusiqueConcrète學校。聲音錄製是對流行音樂流派發展的主要影響，因為它使歌曲和樂隊的錄音得以廣泛分佈。 MultiTrack錄製系統的引入對搖滾音樂產生了重大影響，因為它可以做更多的錄製樂隊的表演。樂隊及其音樂製作人使用多軌系統可以超越許多樂器的音軌和人聲，從而創造出現場表演不可能的新聲音。
爵士樂的發展，並成為20世紀的重要音樂流派，在下半年，搖滾音樂也是如此。爵士樂是一種美國音樂藝術形式，起源於20世紀初，在美國南部的非裔美國人社區中，由於非洲和歐洲音樂傳統的融合。該風格的西非譜系在使用藍色音符，即興表演，多節奏，暈厥和張張音符方面顯而易見。
搖滾音樂是一種流行音樂的流派，它於1950年代從1960年代搖滾，搖滾，藍調和鄉村音樂開發。岩石的聲音經常圍繞電氣或原聲吉他旋轉，並且使用節奏部分放下強烈的背部節拍。除吉他或鍵盤外，薩克斯管和布魯斯風格的口琴被用作獨奏樂器。它以其“最純正的形式”，“有三個和弦，堅強，堅持的背部節拍和醒目的旋律”。流行音樂的傳統節奏部分是節奏吉他，電貝司吉他，鼓。一些樂隊具有器官，鋼琴等鍵盤儀器，或者自1970年代以來，模擬合成器。在1980年代，流行音樂家開始使用數字合成器，例如DX-7合成器，電子鼓機，例如TR-808和Synth Bass設備（例如TB-303 ）或Synth Bass鍵盤。在1990年代，使用了越來越多的計算機硬件音樂設備，儀器和軟件（例如數字音頻工作站）。在2020年代，軟合成器和計算機音樂應用程序使臥室生產商可以在他們的家中創建和錄製音樂類型，例如電子舞蹈音樂，添加採樣和數字樂器，並在數字上編輯錄音。在1990年代， NU金屬等流派的樂隊開始在其頻段中包括DJ 。 DJ通過使用DJ混音器來操縱錄製的音樂來創建音樂。
音樂技術的創新一直持續到21世紀，包括發展同構鍵盤和動態音調。
創建
作品
“作曲”是創作歌曲，樂器音樂作品，唱歌和樂器的作品或其他類型的音樂的行為或實踐。在包括西方古典音樂在內的許多文化中，作曲的行為還包括創建音樂符號，例如樂譜“得分”，然後由作曲家或其他歌手或音樂家進行。在流行的音樂和傳統音樂中，通常稱為歌曲創作的作曲行為可能涉及創建歌曲的基本輪廓，稱為“鉛” ，該歌曲列出了旋律，歌詞和和弦的進步。在古典音樂中，作曲家通常會編排自己的作品，但是在音樂劇和流行音樂中，詞曲作者可能會聘請編曲者來進行編排。在某些情況下，詞曲作者可能根本不使用符號，而是在她的腦海中撰寫歌曲，然後從記憶中播放或錄製。在爵士樂和流行音樂中，有影響力的表演者的著名錄音被賦予了古典音樂中書面分數的重量。
即使在古典音樂中像相對精確地記錄音樂時，表演者必須做出許多決定，因為符號並不能準確地指定音樂的所有元素。決定如何執行以前撰寫和註明的音樂的過程稱為“解釋”。從選擇的節奏以及旋律的演奏或演唱風格或措辭來看，不同表演者對相同音樂作品的解釋可能會差異很大。呈現自己的音樂的作曲家和詞曲作者正在解釋自己的歌曲，就像那些表演他人音樂的歌曲一樣。在給定時間和給定位置存在的標準選擇和技術的標準體系稱為績效實踐，而解釋通常用來表示表演者的各個選擇。
儘管音樂作品經常使用音樂符號並有一位作者，但並非總是如此。音樂作品可以有多個作曲家，當樂隊合作寫歌或音樂劇院時，當一個人寫旋律時，第二個人寫歌詞，而第三人稱歌曲，這些作曲家通常會發生在流行音樂中。 。在某些風格的音樂中，例如藍調，作曲家/詞曲作者可能會創建，表演和錄製新歌或作品，而無需在音樂符號中寫下它們。一段音樂也可以由單詞，圖像或計算機程序組成，它們可以解釋或註意歌手或音樂家如何創造音樂聲音。示例範圍從使用圖形符號的前衛音樂到諸如Aus den Sieben Tagen之類的文本組成，再到為音樂作品選擇聲音的計算機程序。大量使用隨機性和機會的音樂稱為“核心音樂” ，與活躍於20世紀的現代作曲家有關，例如John Cage ， Morton Feldman和WitoldLutosławski 。基於機會的音樂的一個眾所周知的例子是微風中的風鈴聲聲音。
傳統上，對構圖的研究一直以西方古典音樂的方法和實踐為主，但是作品的定義足夠廣泛，可以包括創作流行音樂和傳統音樂歌曲和樂器作品，以及自發的即興創作，就像那些一樣免費的爵士表演者和非洲打擊樂手，例如母羊鼓手。
表現
表演是音樂的身體表達，這是在演唱歌曲或鋼琴作品，吉他旋律，交響曲，鼓聲或其他音樂劇時發生的。在古典音樂中，作曲家用音樂符號寫作，然後一旦作曲家對其結構和儀器感到滿意。但是，隨著它的執行，歌曲或作品的解釋可以發展和改變。在古典音樂中，樂器表演者，歌手或指揮家可能會逐漸改變作品的措辭或節奏。在流行音樂和傳統的音樂中，表演者有更多的自由來改變歌曲或歌曲的形式。因此，在流行和傳統的音樂風格中，即使樂隊演奏封面歌曲，他們也可以進行更改，例如添加吉他獨奏或插入介紹。
可以計劃並進行表演（練習）（這是古典音樂，爵士大樂隊和許多流行音樂風格的常態），或者在和弦中即興演奏（一系列和弦），這是小型的規範爵士和布魯斯團體。樂團，音樂會樂隊和合唱團的排練由指揮家領導。搖滾，布魯斯和爵士樂隊通常由樂隊領導者領導。彩排是表演者對歌曲或作品進行結構化的重複，直到可以演唱或正確演奏，並且，如果這是多個音樂家的歌曲或歌曲，直到從節奏和調音的角度來看，這些零件是一起的。
許多文化具有悠久的獨奏表演傳統（其中一位歌手或樂器演奏者表演），例如在印度古典音樂中，以及西方藝術音樂傳統。其他文化，例如在巴厘島，包括強大的團體表現傳統。所有文化都包括兩者的混合物，表演的範圍可能從即興演奏到計劃和有組織的表演，例如現代古典音樂會，宗教演出，古典音樂節或音樂比賽。室內音樂是一個小型合奏的音樂，每種樂器中只有一種或幾種樂器，通常被認為比大型交響樂更親密。
即興創作
音樂即興演奏是自發音樂的創作，通常是在（或基於）先前存在的諧波框架，和弦進步或即興演奏的內部。即興演奏者使用和弦的音符，與每個和弦相關的各種尺度，以及色調和傳遞音調，這些音調可能既不是和弦音調，也不是與和弦相關的典型尺度。無論有沒有準備，都可以完成音樂即興演奏。即興演奏是某些類型的音樂的主要部分，例如布魯斯，爵士和爵士融合，樂器表演者即興創作獨奏，旋律線條和伴奏部分。
在西方藝術音樂傳統中，即興創作是巴洛克時代和古典時代的重要技能。在巴洛克時代，表演者即興演奏者， Basso Continuo鍵盤播放器即興地基於鱸魚的符號來表達和弦。同樣，預計頂級獨奏家將能夠即興創作諸如前奏之類的作品。在古典時代，獨奏表演者和歌手在音樂會中即興創意瓦多薩斯。
然而，在20世紀和21世紀初，隨著“普通實踐”的“普通練習”，西方藝術音樂表演在交響樂團，歌劇院和芭蕾舞團中被制度化，即興演奏起著較小的作用，隨著越來越多的音樂在得分和零件中越來越多的音樂。音樂家播放。同時，大約20世紀和21世紀的藝術音樂作曲家越來越多地包括即興創作。在印度古典音樂中，即興創作是表演的核心組成部分和基本標準。
藝術和娛樂
音樂是出於許多目的而創作和演奏的，從美學的愉悅，宗教或禮儀目的或作為市場的娛樂產品。當音樂的樂譜分數（例如古典和浪漫的時代）中，音樂愛好者會購買他們最喜歡的作品和歌曲的樂譜，以便他們可以在鋼琴上表演它們。隨著留聲機的出現，流行歌曲的唱片而不是樂譜成為音樂愛好者享受自己喜歡的歌曲的主要方式。隨著1980年代主頁錄音機和1990年代的數字音樂的出現，音樂愛好者可以製作最喜歡的歌曲的錄像帶或播放列表，並將它們帶到便攜式盒式錄音帶播放器或MP3播放器上。一些音樂愛好者創作了最喜歡的歌曲的混音錄像帶，這些歌曲是“自畫像，友誼的手勢，理想聚會的處方處方……[和]一個完全由最熱愛的環境組成的環境”。
業餘音樂家可以為自己的樂趣創作或表演音樂，並在其他地方獲得收入。專業音樂家受到機構和組織的僱用，包括武裝部隊（在樂隊，音樂會樂隊和受歡迎的音樂團體中），宗教機構，交響樂團，廣播或電影製作公司以及音樂學校。專業音樂家有時會擔任自由職業者或會議音樂家，在各種環境中尋求合同和訂婚。業餘音樂家和專業音樂家之間通常有很多聯繫。開始的業餘音樂家與專業音樂家一起上課。在社區環境中，高級業餘音樂家與專業音樂家一起在社區音樂會樂隊和社區樂團等各種合奏中演出。
通常在工作室中為現場觀眾和音樂演奏的音樂進行區分，以便可以通過音樂零售系統或廣播系統進行錄製和分發。但是，在許多情況下，還記錄和分發了觀眾面前的現場表演。現場音樂會唱片在古典音樂和流行音樂形式中都很受歡迎，例如搖滾，在那裡非法錄音的現場音樂會受到音樂愛好者的珍視。在果醬樂隊的場景中，現場直觀的果醬會議比錄音室錄製更為優先。
符號
音樂符號通常是指使用符號在紙上的音樂筆記和節奏的書面表達。當音樂寫下來時，會注意到音樂的音調和節奏，例如旋律的音符。音樂符號通常提供有關如何執行音樂的說明。例如，歌曲的樂譜可能會說這首歌是“慢藍色”或“快速搖擺”，這表明節奏和流派。要閱讀符號，一個人必須對音樂理論，和諧以及與特定歌曲或作品類型相關的表演實踐有了解。
書面符號隨音樂的風格和時期而異。如今，註明的音樂是作為樂譜音樂製作的，或者對於具有計算機記分員程序的個人，作為計算機屏幕上的圖像。在古代，音樂符號被放在石頭或粘土片上。要從符號中表演音樂，歌手或樂器演奏家需要了解符號中體現的節奏和音調元素以及與音樂或類型相關的表演實踐。在需要音樂即興演奏的流派中，表演者經常播放音樂，其中只有和弦會改變歌曲的變化和形式，這要求表演者對音樂的結構，和諧和特定類型的風格有很好的了解鄉村音樂。
在西方藝術音樂中，最常見的書面符號類型是分數，其中包括合奏作品的所有音樂部分和零件，這是個人表演者或歌手的音樂符號。在流行音樂，爵士樂和布魯斯中，標準音樂符號是鉛片，它不指出旋律，和弦，歌詞（如果是人聲）和音樂的結構。假書也用於爵士樂；它們可能由鉛片或簡單的和弦圖表組成，這些圖表允許節奏部分成員即興創作爵士歌曲的伴奏部分。流行音樂和爵士樂還使用了分數和零件，尤其是在爵士樂“大樂隊”等大型合奏中。在流行音樂中，吉他手和電動貝斯手經常閱讀曲面中註明的音樂（通常縮寫為“ Tab”），這表明使用吉他或低音指板的圖表在樂器上播放音符的位置。在巴洛克時代，使用了曲面，用來記錄琵琶的音樂，這是一種弦樂，有碎的樂器。
口腔和聽覺傳統
樂譜中沒有寫許多類型的音樂，例如傳統的藍調和民間音樂。取而代之的是，它們最初是在表演者的記憶中保存下來的，這些歌曲是從一位音樂家或歌手到另一個音樂家到另一個表演者學習歌曲“ by Ear ”的口頭的。當不再知道歌曲或作曲的作曲家時，這種音樂通常被歸類為“傳統”或“民間歌曲”。不同的音樂傳統對如何以及在何處進行更改的態度不同，從非常嚴格到需要即興創作或對音樂進行修改的原始資料。文化的歷史和故事也可以通過歌曲傳遞。
元素
音樂有許多不同的基本原理或元素。根據使用的“元素”的定義，這些可以包括音高，節奏或脈搏，節奏，節奏，旋律，和諧，紋理，樣式，聲音的分配，音色或顏色，動態，表達，表達，表達，表達，形式和結構。音樂元素在澳大利亞，英國和美國的音樂課程中突出。所有三個課程都將音調，動力學，音色和紋理確定為元素，但是其他確定的音樂要素遠非普遍同意。以下是“音樂元素”的三個官方版本的列表：
- 澳大利亞：音調，音色，紋理，動力學和表達，節奏，形式和結構。
- 英國：音調，音色，紋理，動力學，持續時間，節奏，結構。
- 美國：音調，音色，紋理，動力學，節奏，形式，和諧，風格/發音。
關於英國課程，2013年，“合適的音樂符號”一詞被添加到其元素列表中，列表的標題從“音樂元素”更改為“音樂相關維度”。音樂相互關聯的尺寸列為：音高，持續時間，動力學，節奏，音色，紋理，結構和適當的音樂符號。
“音樂元素”短語用於許多不同的上下文中。可以通過將它們描述為“音樂的基本要素”和“音樂的知覺元素”來區分這兩個最常見的環境。
瀝青
音調是我們可以聽到的聲音的一個方面，它反映了一種音樂聲音，音符或音調是“更高”或“更高”的聲音，而不是其他音樂聲音，音符或音調。我們可以從更一般的意義上談論音高的殿下或柔和的聲音，例如聽眾聽到的刺耳的短笛音符或吹口哨的音調比低音鼓的深度重擊。我們還以與音樂旋律，低音和和弦相關的確切意義上談論音調。精確的音高只能以具有清晰且穩定的頻率與噪聲區分開的頻率的聲音確定。例如，對於聽眾來說，辨別鋼琴上單音調的音調要比試圖辨別被擊中的碰撞cymbal的音高要容易得多。
旋律
旋律（也稱為“曲調”）是一系列連續（一個接一個地）的音調（音符），通常是以上升和下降的方式。旋律的音符通常是使用刻度或模式等音高系統創建的。旋律通常還包含歌曲中使用的和弦的音符。簡單的民歌和傳統歌曲中的旋律可能只使用單一音階的音符，與給定歌曲的滋補音符或鑰匙相關的比例。例如，C鍵中的一首民歌（也稱為C大調）可能只使用C主要量表的音符（單個註釋C，d，e，f，g，a，b） ，和c;這些是鋼琴鍵盤上的“白色筆記”。另一方面，1940年代的Bebop -era爵士樂和20世紀和21世紀的當代音樂可能會使用帶有許多色調的旋律（即，註釋，Notes，另外還對於主要量表的音符；在鋼琴上，色譜法包括鍵盤上的所有音符，包括“白色筆記”和“黑色音符”和“黑色音符”和不尋常的尺度，例如整個音調量表（整個音調量表在C的鑰匙中，將包含音符C，D，E， F♯ ， G♯和A♯ ）。低音樂器（例如Double Bass，Electric Bass或Tuba ）演奏的低音，深層音樂線稱為低音。
和諧
Harmony指的是音樂中音調的“垂直”聲音，這意味著同時播放或演唱的音調以創建和弦。通常，這意味著音符是同時播放的，儘管和諧也可能是由概述諧波結構的旋律所暗示的（即，通過使用一個接一個地播放的旋律音符，概述了和弦的音符）。在使用主要最少音調系統（“鑰匙”）的音樂中，其中包括從1600到1900年寫的大多數古典音樂以及最西方的流行音樂，搖滾音樂和傳統音樂，其中的鑰匙決定了“家庭筆記”或該作品通常可以解決的補品，以及使用量表的特徵（例如主要或小規模）。簡單的古典作品以及許多流行音樂和傳統的音樂歌曲都寫成，以便所有音樂都以單鍵為單曲。更複雜的古典音樂，流行音樂和傳統的音樂歌曲和作品可能有兩個鑰匙（在某些情況下，三個或更多鍵）。浪漫時代的古典音樂（大約1820- 1900年寫）通常包含多個鑰匙，爵士樂，尤其是1940年代的Bebop爵士樂，其中一首歌的鑰匙或“主張”可能會更改每四個酒吧，甚至每四個酒吧都會改變兩個條。
韻律
節奏是時間和沈默的安排。儀表在常規的脈搏分組中為時間動畫，稱為措施或條，在西方古典，受歡迎和傳統音樂中，經常以兩個（例如，2/4次）為單位（例如，三個時間）（例如，3/4次，也知道）作為華爾茲時間，或3/8時間）或四個（例如4/4次）。儀表變得更容易聽到，因為歌曲和曲目經常（但並非總是如此）重點放在每個分組的第一個節拍上。存在著值得注意的例外，例如Western Pop和Rock中使用的反對，其中一首使用由四個節拍組成的措施（稱為4/4次或常用時間）的歌曲將在二和四通常由鼓手在鼓鼓上表演，這是一種響亮而獨特的打擊樂器。在流行音樂和搖滾中，歌曲的節奏部分由節奏部分播放，其中包括和弦演奏樂器（例如，電吉他，原聲吉他，鋼琴或其他鍵盤樂器），貝斯樂器（通常是電貝司或用於爵士和藍草，雙低音）和鼓套件播放器等一些樣式。
質地
音樂質地是音樂或歌曲的整體聲音。作品或歌曲的質地取決於旋律，有節奏和諧波材料如何合併成構圖，從而確定聲音中聲音的整體性質。在最低和最高音高之間的密度，厚度，範圍或寬度方面，通常以相對術語以及根據聲音的數量或部分區分這些聲音之間的質感，以及範圍或寬度。 （請參閱下面的常見類型） 。例如，厚質地包含許多“層”樂器。這些層之一可能是弦樂部分或另一個黃銅。厚度也受儀器的數量和豐富度的影響。紋理通常根據音樂部分或音樂線之間的關係描述：
- 單聲道：單個旋律（或“曲調”）既不具有器樂伴奏，也沒有和諧部分。母親唱著催眠曲的嬰兒將是一個例子。
- 雜種：兩個或多個樂器或歌手演奏/唱著相同的旋律，但是每個表演者都會稍微改變旋律的節奏或速度或在旋律中添加不同的裝飾品。兩個藍草提琴手一起演奏相同的傳統小提琴曲調通常會在某種程度上改變旋律，每個旋律都會添加不同的裝飾品。
- 複音：多個獨立的旋律線，它們交織在一起，同時演唱或演奏。文藝復興時代寫的合唱音樂通常以這種風格寫。一首歌是一首歌，例如“ Row，Row，Row Your Boat ”，不同的歌手都在不同的時間開始唱歌，這是一聲唱片。
- 諧音：由弦伴伴支持的清晰旋律。 19世紀以來的大多數西方流行音樂歌曲都是用這種質地寫的。
音樂中包含大量獨立零件的音樂（例如，雙重協奏曲伴隨著100個帶有許多交織旋律線的管弦樂器樂器）通常被認為具有“厚”或“更密集的”紋理，而不是幾個零件的作品（例如，一個，例如，一個獨奏長笛旋律伴隨單個大提琴）。
音色
音色，有時稱為“顏色”或“音色”是語音或樂器的質量或聲音。音色是使特定的音樂聲音與另一種音樂不同的原因，即使它們具有相同的音高和響度。例如，440 Hz的音符在雙簧管，鋼琴，小提琴或電吉他上播放時聽起來有所不同。即使同一樂器的不同玩家發揮相同的音符，由於儀器技術的差異（例如，不同類型的配件），他們的音符聽起來可能不同（例如，黃銅玩家的喉舌，蘆葦的蘆葦和低音玩家）或用不同材料製成的弦樂器（例如，腸字符串與鋼弦）製成的弦。即使是兩名樂器演奏者在同一樂器上演奏相同的音符（一個接一個的音符）也可能會因為演奏樂器的不同方式而聽起來有所不同（例如，兩個弦樂器可能以不同的方式握住弓箭）。
確定音色感知的聲音的物理特徵包括音符或音樂聲音的光譜，信封和泛音。對於20世紀開發的電器，例如電吉他，電貝司和電鋼琴，表演者還可以通過調整均衡器控件，儀器上的音調控制以及使用諸如失真踏板等電子效果單元來改變音調。通過調節拉桿來控制電Hammond器官的音調。
表達
表現力的素質是音樂中的那些元素，它們在不改變主音調或實質上改變旋律及其伴奏的節奏的情況下會改變音樂的變化。包括歌手和樂器演奏家在內的表演者可以通過添加諸如顫音（吉他，小提琴，黃銅樂器和木絲等諸如語音和某些樂器）之類的效果來通過添加措辭來通過添加措辭來增加音樂表達方式或作品。或零件的柔軟度），節奏波動（例如，利塔爾多（Ritardando ）或accelerando ，它們通過在節奏上添加暫停或費馬塔斯（Fermatas），並通過更改音符的表達方式來分別放慢速度和加快速度）。 （例如，通過使音符更加明顯或重音，使音符更加明顯或重音，這意味著平穩連接或使音符變短）。
通過操縱音高（例如彎曲，顫音，幻燈片等），音量（動態，口音，顫音等），持續時間（節奏波動，節奏變化，諸如legato和staccato等變化的音符持續時間，等於legato and staccato等），可以實現表達的表達。 。因此，表達可以看作是對所有元素的操縱，以傳達“情緒，精神，性格等的跡象”。因此，儘管可以將其視為音樂的重要基本要素，但不能作為音樂的獨特感知元素。
形式
在音樂中，形式描述了歌曲或音樂的整體結構或計劃，它描述了構圖的佈局為部分。在20世紀初， Tin Pan Alley的歌曲和百老彙的音樂歌曲通常以Aaba 32桿形式出現，其中A部分重複了相同的八個bar Melody（帶有變化），而B部分則提供了對比的旋律或和諧或和諧用於八個酒吧。從1960年代開始，西方流行音樂和搖滾歌曲通常都採用詩歌 - 詩歌形式，其中包括一系列詩歌和合唱（“ Refrain ”）部分，其中包括大多數詩句的新歌詞，並為合唱而重複歌詞。流行音樂經常使用曲折形式，有時與十二個酒吧布魯斯一起使用。
在牛津音樂伴侶的第十版中，珀西·斯科爾斯（Percy Scholes）將音樂形式定義為“一系列策略，旨在在不脫落的重複和不脫離的變化之間找到相反極端的均值。”西方音樂的常見形式的例子包括《賦格，發明》， 《奏鳴曲》 ，佳能，斯特羅式，主題和變體以及朗多。
斯科爾斯指出，歐洲古典音樂只有六種獨立形式：簡單的二進制，簡單的三元，複合二元，朗多，空氣，帶有變化和賦格（儘管音樂學家阿爾弗雷德·曼恩（Alfred Mann在某些結構慣例上。）
如果一件作品無法輕易分解為部分單位（儘管它可能會從詩歌，故事或節目中藉用某些形式），據說它是通過構成的。通常，幻想，前奏，狂想曲，埃特德（或研究），交響詩， bagatelle ，即興。
哲學
音樂哲學是研究有關音樂的基本問題，並與形而上學和美學方面的問題有聯繫。問題包括：
在古代，例如古老的希臘人，音樂的美學探討了節奏和和聲組織的數學和宇宙學維度。在18世紀，重點轉移到了聽音樂的經歷，因此轉向了有關其美麗和人類享受（ Plaisir和Jouissance ）音樂的問題。這種哲學轉變的起源有時歸因於18世紀亞歷山大·戈特利布·鮑姆加滕（Alexander Gottlieb Baumgarten） ，其次是伊曼紐爾·康德（ Immanuel Kant） 。通過他們的寫作，古代術語“美學”（意思是感官感知）得到了當今的含義。在2000年代，哲學家傾向於強調除了美和享受之外的問題。例如，音樂表達情感的能力已得到預言。
在20世紀，彼得·基維（Peter Kivy） ，杰羅德·萊文森（ Jerrold Levinson ），羅傑·斯克魯（ Roger Scruton ）和斯蒂芬·戴維斯（Stephen Davies）做出了重要貢獻。但是，許多音樂家，音樂評論家和其他非哲學家都為音樂的美學做出了貢獻。在19世紀，音樂評論家和音樂學家愛德華·漢斯利克（ Eduard Hanslick ）與作曲家理查德·瓦格納（Richard Wagner）之間引起了重大辯論。哈里·帕奇（Harry Partch）和其他一些音樂學家（例如凱爾·甘）（Kyle Gann）研究並試圖普及微調音樂和替代音樂秤的用法。同樣，許多現代作曲家，例如La Monte Young ， Rhys Chatham和Glenn Branca，都非常關註一個名為Just Indonation的規模。
人們經常認為音樂具有影響我們的情緒，智力和心理學的能力。它可以緩解我們的孤獨感或煽動我們的激情。哲學家柏拉圖在共和國暗示音樂對靈魂有直接影響。因此，他建議在理想的政權中受到國家的密切管制（第七本書）。在古代中國，哲學家孔子認為音樂和儀式或儀式與自然相互聯繫和和諧。他說，音樂是天地的協調，而秩序是由儀式命令帶來的，使它們在社會中極為重要。
心理學
現代音樂心理學旨在解釋和理解音樂行為和經驗。該領域及其子領域的研究主要是經驗的。他們的知識傾向於基於通過對人類參與者進行系統觀察和相互作用收集的數據的解釋。音樂心理學除了關注基本的看法和認知過程外，還與許多領域的研究領域，包括音樂表現，作品，構圖，教育，批評和治療，以及對人類能力，智能，智能，智能的調查，創造力和社會行為。
神經科學
音樂的認知神經科學是對音樂基礎音樂涉及的基於大腦的機制的科學研究。這些行為包括音樂聆聽，表演，作曲，閱讀，寫作和輔助活動。它也越來越關注音樂美學和音樂情感的大腦基礎。該領域的區別是它使用功能磁共振成像（fMRI），經顱磁刺激（TMS），磁腦攝影（MEG），腦電圖（EEG）和正面腦攝影（EEG）和Potitron發射器（PET）等技術來依賴大腦的直接觀察。 。
認知音樂學
認知音樂學是認知科學的一個分支，涉及計算建模音樂知識，以理解音樂和認知的目的。計算機模型的使用提供了一種嚴格的交互式介質，在該媒介中，可以在其中製定和測試理論，並源於人工智能和認知科學。
這個跨學科的領域調查了諸如大腦中語言和音樂之間的相似之處。生物學啟發的計算模型通常包括在研究中，例如神經網絡和進化程序。該領域試圖建模如何代表，存儲，感知，執行和生成音樂知識。通過使用結構良好的計算機環境，可以研究這些認知現象的系統結構。
心理聲學
心理聲學是對聲音感知的科學研究。更具體地說，它是研究與聲音相關的心理和生理反應的科學分支（包括語音和音樂）。它可以進一步歸類為心理物理學的一個分支。
進化音樂學
進化音樂學涉及“音樂的起源，動物歌曲的問題，音樂演變的選擇壓力”以及“音樂進化與人類進化”。它試圖在進化論的背景下理解音樂的感知和活動。查爾斯·達爾文（Charles Darwin）推測，音樂可能具有自適應優勢，並用作質語言，這種視圖催生了幾種相互競爭的音樂演變理論。替代視圖將音樂視為語言進化的副產品。一種“聽覺芝士蛋糕”可以使感官取悅感官，而無需提供任何適應性功能。眾多音樂研究人員直接反駁了這種觀點。
文化影響
個人的文化或種族在音樂認知中起著作用，包括他們的偏好，情感反應和音樂記憶。音樂偏好偏向於從嬰儿期開始的文化熟悉的音樂傳統，成年人對音樂作品的情感的分類取決於文化特有和普遍的結構特徵。此外，個人的音樂記憶能力比文化熟悉的音樂要比文化上陌生的音樂更大。
感知
自從1930年代的心理聲學研究出現以來，大多數音樂元素的列表與我們如何聽到音樂的方式相比，與我們學習播放或研究音樂有關。 Ce Seashore在他的音樂心理學書中確定了四個“聲音心理屬性”。這些是：“俯仰，響度，時間和音色”（第3頁）。他沒有稱它們為“音樂的元素”，而是將它們稱為“元素組件”（第2頁）。但是，這些元素組件與四個最常見的音樂元素恰恰鏈接：“ pitch”和“ timbre”匹配，“響度”與動態鏈接，“時間”與節奏，持續時間和持續時間和基於時間的元素鏈接速度。 “音樂元素”一詞的用法與韋伯斯特的新20世紀詞典的定義更緊密地鏈接為：“一種不能通過已知方法分為更簡單形式的物質”，教育機構的元素列表通常是對的。也有這個定義。
儘管“音樂的基本要素”列表的作家可以根據其個人（或機構）優先級的優先級來改變其列表，但音樂的知名要素應包括已建立（或證明）的離散元素清單，這些元素可以獨立操縱以實現預定的音樂效果。在這個階段，似乎仍有研究在這一領域進行。
接近音樂元素識別音樂元素的一種略有不同的方法是確定“聲音元素”為：音高，持續時間，響度，音色，聲音紋理和空間位置，然後將“音樂元素”定義為：聲音，結構和藝術意圖。
社會學方面
許多人種學研究表明，音樂是一種基於社區的參與性活動。音樂是由個人在一系列社交環境中體驗到的音樂，從獨自一人到參加大型音樂會，形成音樂界，這些音樂界無法理解為個人意誌或偶然的函數；它包括具有共享共同價值的商業和非商業參與者。音樂表演在不同的文化和社會經濟環境中採取不同的形式。在歐洲和北美，通常將哪種音樂視為“高文化”和“低文化”之間存在鴻溝。 “高文化”音樂類型通常包括西方藝術音樂，例如巴洛克，古典，浪漫和現代交響曲，協奏曲和獨奏作品，通常在音樂廳和教堂的正式音樂會中聽到，觀眾安靜地坐著在座位上。
其他類型的音樂（包括但不限於爵士樂，藍調，靈魂和國家）經常在酒吧，夜總會和劇院中演奏，觀眾可能能夠通過歡呼來喝酒，跳舞和表達自己。直到20世紀後期，“高級”和“低名”音樂形式之間的劃分被廣泛接受為有效的區別，將更好的質量，更高級的“藝術音樂”與酒吧和舞廳中聽到的流行音樂風格區分開來。
但是，在1980年代和1990年代，研究了“高”和“低”音樂流派之間這種鴻溝的音樂學家認為，這種區別並不基於不同類型音樂的音樂價值或質量。相反，他們認為這種區別在很大程度上基於表演者或不同類型音樂的表演者或聽眾的社會經濟學或社會階層。例如，儘管古典交響樂團的觀眾通常收入高於平均水平，但在城市內部地區舉行的說唱音樂會的觀眾可能收入低於平均水平。即使表演者，觀眾或非“藝術”音樂的表演者或場地可能具有較低的社會經濟地位，但所執行的音樂，例如布魯斯，說唱，朋克，朋克，放克或SKA ，也可能非常複雜且精緻。
當作曲家介紹與慣例中斷的音樂風格時，學術音樂專家和流行文化可能會產生強烈的阻力。晚期貝多芬弦樂四重奏，斯特拉文斯基芭蕾舞得分，序列主義， bebop -era爵士樂，嘻哈，朋克搖滾和電子，當他們首次被引入時，都被某些評論家視為非音樂。在音樂的社會學中審查了這樣的主題。音樂學的社會學研究有時被稱為社會學學，經常在社會學，媒體研究或音樂的部門中追求，並且與民族音樂學領域密切相關。
婦女的角色
女性在整個歷史上都在音樂中發揮了重要作用，作曲家，詞曲作者，樂器表演者，歌手，指揮，音樂學者，音樂教育者，音樂評論家/音樂記者和其他音樂專業。在2010年代，儘管女性佔流行音樂和古典音樂歌手的很大一部分，以及很大一部分歌曲作者（其中許多是歌手兼作曲家），但很少有女性唱片製作人，搖滾評論家和搖滾樂手。儘管在古典音樂中有很多女性作曲家，從中世紀到今天，女性作曲家在通常表演的古典音樂曲目，音樂史教科書和音樂百科全書中的代表大大不足。例如，在簡明的牛津音樂歷史上，克拉拉·舒曼（Clara Schumann）是提到的少數女性作曲家之一。
女性在古典音樂中的樂器獨奏家中很大一部分，樂團中女性的百分比正在增加。然而，2015年關於加拿大主要樂團的協奏曲獨奏家的文章表明，蒙特利爾的84％的獨奏家是男人。 2012年，女性仍然僅佔排名最高的維也納愛樂樂團的6％。儘管有許多著名的女樂器演奏家和全女樂隊，但女性在流行音樂流派（例如搖滾和重金屬）中的樂器演奏者不太普遍。女性在極端金屬類型中的人數尤其不足。在1960年代的流行音樂場景中，“ [l] ike音樂業務的大多數方面，[1960年代]歌曲創作是一個以男性為主的領域。儘管廣播中有很多女歌手，但女性，女性。 . .主要被視為消費者：...唱歌有時是一個可以接受的消遣，但是彈奏樂器，寫歌或製作唱片根本沒有完成。”年輕女性“……並沒有社交，將自己視為創造[音樂]的人。”
女性在管弦樂隊的指揮，音樂批評/音樂新聞，音樂製作和聲音工程方面的人數也不足。雖然女性在19世紀不鼓勵作曲，而女性音樂學家很少，但女性開始參與音樂教育。 20世紀。”
根據倫敦獨立音樂的音樂作家傑西卡·杜欽（Jessica Duchen）的說法，古典音樂中的女音樂家經常因外表而不是他們的才華來判斷” 。”杜欽（Duchen）指出，雖然“這是女性音樂家拒絕在外觀上演奏的女性音樂家，但……那些確實在物質上更成功的人。”根據英國電台3編輯Edwina Wolstencroft的說法，音樂界長期以來一直願意讓女性擔任表演或娛樂角色，但女性擁有權威地位的可能性要小得多，例如是樂團的指揮。在流行音樂中，雖然有許多女歌手錄製歌曲，但音頻遊戲機後面的女性很少有音樂製作人，即導演和管理錄音過程的個人。著名的藝術家之一是印度歌手Asha Bhosle ，他是印地語電影中的播放歌手。
媒體和技術
自20世紀以來，可以通過廣播，電視或互聯網播放現場音樂，或在CD播放器或MP3播放器上錄製和聆聽。
在20世紀初期（1920年代末），隨著20世紀初期的講話圖片出現，他們的音樂曲目預先記錄下來，越來越多的Moviehouse樂團音樂家發現自己失業了。在1920年代，樂團，鋼琴演奏家和戲劇風琴演奏家的現場音樂表演在首發劇院中很普遍。隨著會說話的電影的到來，這些特色表演被大大消除了。美國音樂家聯合會（AFM）發表了報紙廣告，抗議用機械播放設備代替現場音樂家。 1929年出現在匹茲堡媒體上的公元有一個標有“罐頭音樂 /大噪音品牌 /保證不會產生智力或情感反應的罐頭圖像”
有時，現場表演包含預先記錄的聲音。例如，唱片騎師使用碟片記錄進行刮擦，而大約20世紀的作品有一個獨奏的樂器或聲音，該樂器與音樂一起進行，並在磁帶上預先記錄。一些流行樂隊使用錄製的背景軌道。可以對計算機和許多鍵盤進行編程，以製作和播放樂器數字界面（MIDI）音樂。觀眾也可以通過參加Karaoke來成為表演者，Karaoke的活動是日本起源的活動，以播放著名歌曲的語音播放版本的設備。大多數卡拉OK機器還具有視頻屏幕，顯示歌曲的歌曲。表演者可以跟隨歌詞在樂器曲目上唱歌。
互聯網和廣泛的高速寬帶訪問的出現，改變了音樂的體驗，部分原因是通過流媒體視頻越來越輕鬆地訪問音樂錄音，並為消費者提供了大量音樂選擇。互聯網的另一個效果是在線社區和社交媒體網站（例如YouTube和Facebook）（社交網絡服務）產生的。這些網站使有抱負的歌手和業餘樂隊更容易分發歌曲的視頻，與其他音樂家聯繫並引起觀眾的興趣。專業音樂家還使用YouTube作為促銷材料的免費出版商。例如，YouTube用戶不再僅下載和收聽MP3，而且會積極創建自己的。根據唐·塔普斯科特（Don Tapscott）和安東尼·威廉姆斯（Anthony D. Williams）的說法，在他們的著作《維基諾姆學》中，從傳統的消費者角色轉變為他們所謂的“偽造者”角色，既創造內容又消耗的消費者。音樂在音樂中的表現包括粉絲們製作土豆泥，混音和音樂視頻。
教育
非機構
從學齡前到中學教育的一些音樂或演唱培訓納入通識教育，在北美和歐洲很普遍。人們認為參與演奏和唱歌音樂可以教授基本技能，例如集中，計數，傾聽和合作，同時還可以促進對語言的理解，提高回憶信息的能力以及創造更有利於其他領域學習的環境。在小學中，孩子們經常學會演奏錄音機，小型合唱團唱歌，並了解西方藝術音樂和傳統音樂的歷史。一些小學的孩子還了解流行音樂風格。在宗教學校，兒童唱讚美詩和其他宗教音樂。在中學（在小學中較少）中，學生可能有機會在某些類型的音樂合奏中表演，例如合唱團（一群歌手），遊行樂隊，音樂會樂隊，爵士樂隊或樂團。在某些學校系統中，可以提供有關如何彈奏樂器的音樂課程。一些學生還在放學後與唱歌老師或儀器老師一起上私人音樂課。業餘音樂家通常會學習基本的音樂基礎知識（例如，學習音樂秤和節奏的音樂符號）以及中級唱歌或樂器播放技術的初學者。
在大學一級，大多數藝術和人文學科課程的學生都可以通過參加一些音樂課程來獲得學分，這些音樂課程通常以音樂史的概述課程或音樂讚賞課程的形式，該課程著重於聽音樂和學習關於不同的音樂風格。此外，大多數北美和歐洲大學都有某些類型的音樂合奏，藝術和人文學科中的學生能夠參加，例如合唱團，遊行樂隊，音樂會樂隊或樂團。西方藝術音樂的研究越來越普遍在北美和歐洲以外的地方，例如在Yogyakarta ，印度尼西亞的印尼藝術學院或在韓國，日本和中國等亞洲國家使用的古典音樂節目。同時，西方大學和大學正在擴大課程，包括非西方文化的音樂，例如非洲音樂或巴厘島音樂（例如Gamelan Music）。
機構
旨在成為專業的音樂家，歌手，作曲家，詞曲作者，音樂老師和其他與音樂有關的專業的從業者，例如音樂史教授，聲音工程師，以及在大學，大學和音樂保護機構提供的專業專業專業課程中學習。一些培訓個人從事音樂職業的機構與許多美國頂級大學一樣，提供各種職業的培訓，這些大學提供音樂表演學位（包括唱歌和演奏樂器），音樂歷史，音樂理論，音樂創作，音樂教育（旨在成為小學或高中音樂老師的個人）以及在某些情況下進行的。另一方面，一些小型大學可能只提供單個職業的培訓（例如，錄音）。
雖然大多數大學和音樂學音樂課程都專注於培訓古典音樂的學生，但有一些大學和大學培訓音樂家的職業，例如爵士樂或流行音樂家和作曲家，包括曼哈頓音樂學院，包括曼哈頓音樂學院和伯克利音樂學院。加拿大提供專業爵士培訓的兩所學校是麥吉爾大學和亨伯學院。針對某些類型音樂的職業的個人，例如重金屬音樂，鄉村音樂或布魯斯，不太可能通過完成學位或文憑來成為專業人士。取而代之的是，他們通常通過在樂隊中唱歌或演奏（通常以業餘樂隊，封面樂隊和致敬樂隊）的形式來了解自己的音樂風格，研究DVD和Internet上的錄音，並以其音樂風格與已建立的專業人士合作，通過非正式指導或常規音樂課。自2000年代以來，互聯網論壇和YouTube“操作方法”視頻的普及和可用性越來越多，使歌手和音樂家來自金屬，布魯斯和類似流派，以提高他們的技能。許多流行音樂，搖滾和鄉村歌手與聲樂教練和語音老師非正式地訓練。
學術研究
音樂學
音樂學是音樂學科的學術研究，在大學和音樂音樂學院進行了研究。 19世紀的最早定義定義了音樂學的三個子學科：系統的音樂學，歷史音樂學和比較音樂學或民族音樂學。在2010年時代的獎學金中，人們更有可能遇到該學科分為音樂理論，音樂史和民族音樂學。音樂學的研究經常通過跨學科的工作來豐富，例如在心理聲學領域。非西方文化音樂和音樂文化研究的研究稱為民族音樂學。學生可以通過幾種不同類型的學位，包括學士學位，碩士學位和博士學位，從事音樂學，民族音樂學，音樂歷史和音樂理論的本科研究。
音樂理論
音樂理論是對音樂的研究，通常在其他學科之外以高度技術性的方式進行研究。更廣泛地指的是任何對音樂的研究，通常以某種形式與構圖有關，可能包括數學，物理學和人類學。在開始音樂理論課程中最常見的是要按照共同練習時期或音調音樂的方式編寫的準則。理論，即使是普通實踐時期的音樂，也可能採取許多其他形式。音樂集理論是數學集理論對音樂的應用，首先應用於Atonal音樂。投機性音樂理論與分析音樂理論形成鮮明對比，致力於對音樂材料的分析和合成，例如調整系統，通常是為組成準備。
動物學學
動物學學是對非人類動物音樂的研究，或者是非人類動物產生的聲音的音樂方面。正如喬治·赫爾佐格（George Herzog，1941）問：“動物有音樂嗎？” François-BernardMâche的Musique，Mythe，自然，Ou Les Dauphins d'Arion （1983），使用Nicolas Ruwet語言，Musique，Poésie，Poésie （1972） Paradigmatic分離分析，對“ Ornitho-Musicology”的研究，對“ Ornitho- Musicology”的研究，表明鳥類的歌曲是根據重複轉化原則組織的。讓·雅克·納蒂茲（Jean-Jacques Nattiez，1990年）認為：“在最後的分析中，即使聲音不是人類的起源，正是人類決定什麼和不是音樂。 （也就是說，是為了形成音樂的）僅僅是由其製作人而來的，但是從想到它的心中，音樂是獨特的人類。”
民族音樂學
在西方，被教導的許多音樂歷史都涉及西方文明的藝術音樂，這被稱為古典音樂。西方大學也教授了非西方文化中音樂的歷史（“世界音樂”或“民族音樂學”領域）。這包括在西歐影響之外的亞洲國家以及其他各種文化的民間或土著音樂之外的經典傳統。非西方國家的流行或民間風格的音樂風格因文化而異。不同的文化強調了不同的樂器，技術，歌唱風格和音樂用途。音樂已用於娛樂，儀式，儀式，宗教目的以及實踐和藝術交流。非西方音樂也已用於宣傳目的，就像文化大革命期間中國歌劇一樣。
有許多關於非西方音樂的音樂分類，其中許多是關於音樂定義的爭論。其中最大的是古典音樂（或“藝術”音樂）與流行音樂（或商業音樂- 包括搖滾，鄉村和流行音樂相關風格的非西方風格）之間的劃分。某些流派並不整齊地融入其中一種“兩個大”分類中（例如民間音樂，世界音樂或與爵士音樂有關的音樂）。
隨著世界文化的全球接觸越來越大，他們的土著音樂風格經常與其他風格合併，從而產生新的風格。例如，美國藍草風格包含盎格魯-愛爾蘭，蘇格蘭，愛爾蘭，德國和非洲的樂器和聲音傳統的元素，它們能夠在美國的多種族“熔爐”社會中融合。某些類型的世界音樂包含非西方土著風格與西方流行音樂元素的混合物。音樂流派是通過傳統和演示來決定的，與實際音樂一樣。爵士樂和古典音樂都宣稱，一些喬治·格甚溫（George Gershwin ）的狂想曲（例如喬治·格甚溫（George Gershwin）的狂想曲中的狂想曲），而格甚溫（Gershwin）的《波吉》（ Porgy）和貝絲（Bess ）和倫納德·伯恩斯坦（Leonard Bernstein ）的西邊故事都被歌劇和百老匯音樂傳統所宣稱。非西方音樂的許多當前音樂節都包括來自特定音樂類型的樂隊和歌手，例如世界音樂。
例如，印度音樂是最古老，最長的音樂類型之一，在南亞以及國際上（尤其是自1960年代以來）仍然廣泛聽到和表演。印度音樂主要具有三種形式的古典音樂，即印度斯坦，肉食和德魯帕德風格。它還具有大量的風格曲目，其中僅涉及打擊樂音樂，例如在印度南部著名的Talavadya表演。
治療
音樂療法是一個人際交往過程，訓練有素的治療師使用音樂及其所有方面（身體，情感，心理，社交，審美和精神），以幫助客戶改善或維持健康。在某些情況下，客戶的需求直接通過音樂來解決。在其他情況下，他們是通過客戶和治療師之間發展的關係來解決的。音樂療法與各個年齡段的人一起使用，包括：精神疾病，醫學問題，身體障礙，感覺障礙，發育障礙，濫用藥物問題，溝通障礙，人際關係問題，人際關係問題和衰老。它還用於改善學習，建立自尊心，減輕壓力，支持體育鍛煉並促進許多其他與健康相關的活動。音樂治療師可能會鼓勵客戶唱歌，演奏樂器，創作歌曲或進行其他音樂活動。
在10世紀，哲學家Al-Farabi描述了聲樂如何刺激聽眾的感情和靈魂。長期以來，音樂一直被用來幫助人們處理自己的情緒。在17世紀，學者羅伯特·伯頓（Robert Burton）的《憂鬱的解剖結構》認為，音樂和舞蹈對於治療精神疾病，尤其是憂鬱症至關重要。他指出，音樂具有“出色的力量……驅逐許多其他疾病”，他稱其為“對絕望和憂鬱的主權補救措施”。他指出，在上古時，羅迪安·提琴手卡努斯（Canus）用音樂來“讓一個憂鬱的人快樂，……一個情人更迷戀，一個虔誠的人更加虔誠”。在奧斯曼帝國中，精神疾病接受了音樂治療。 2006年11月，邁克爾·克勞福德（Michael J. Crawford）和他的同事們還發現音樂療法有助於精神分裂症患者。