樂隊

對於其他用途，請參閱樂團（歧義）.
這樂團國民迪圖盧茲在圖盧茲穀物大廳的公共表演中

一個樂隊（/ˈɔːRkɪstrə/；意大利語：[orˈkɛstra]）很大合奏典型的古典音樂，結合了來自不同家庭的樂器。通常有四個主要部分：

其他樂器，例如鋼琴，豎琴， 和Celesta有時可能出現在五分之一鍵盤部分或者可能獨自一人作為獨奏樂器音樂會豎琴而且，對於某些現代作品的表演，電子儀器和吉他.[注1]

全尺寸的西方樂團有時可能被稱為交響樂團或者愛樂樂團（從希臘語菲爾 - ，“愛”和“和諧”）。在給定表演中使用的實際音樂家數量可能從七十到一百多名音樂家不等，具體取決於正在播放的作品和場地的大小。一種室內樂團（有時音樂會樂團）是一個不超過五十位音樂家的較小合奏。[1]專門從事的樂團巴洛克音樂例如，約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）和喬治·弗里德里奇·漢德爾（George Frideric Handel）， 或者古典曲目，例如海頓和莫扎特，往往比樂團要小浪漫音樂曲目，例如交響曲的路德維希·範·貝多芬和約翰內斯·勃拉姆斯（Johannes Brahms）。在整個18和19世紀，典型的樂團的規模不斷增長，與大型樂團（多達120個演奏者）達到頂峰。理查德·瓦格納（Richard Wagner）， 然後，古斯塔夫·馬勒（Gustav Mahler）.

樂團通常由導體誰用手和手臂的動作來指導性能，通常使音樂家更容易通過使用指揮指揮官。指揮家統一管弦樂隊，設置速度並塑造合奏的聲音。[2]指揮家還通過在公共音樂會前進行彩排來為樂團做好準備，在公共音樂會上，指揮家向音樂家提供了有關他們對所表演音樂的解釋的指示。

第一小提琴部分的負責人 - 通常稱為音樂會大師 - 在領導音樂家中也起著重要的作用。在裡面巴洛克音樂ERA（1600–1750），樂團經常由音樂會主管領導，或者由和弦音樂家表演巴索連續零件豎琴或者管風琴，大約20世紀和21世紀的傳統早期音樂合奏繼續。樂團演奏各種各樣的曲目，包括交響曲，歌劇和芭蕾舞提議，協奏曲用於獨奏樂器和坑的合奏為了歌劇，芭蕾，以及某些類型的音樂劇院（例如。，吉爾伯特和沙利文歌劇）。

業餘樂團包括由小學或高中的學生組成的樂團，青年管弦樂隊和社區樂團；後兩個通常由來自特定城市或地區的業餘音樂家組成。

期限樂隊源自希臘語ὀρχήστρα（樂隊），在舞台前面的區域的名稱古希臘劇院保留給希臘合唱.[3]

歷史

巴洛克和古典時代

在巴洛克時代，樂團的規模和組成沒有標準化。歐洲各個地區之間的規模，儀器和演奏風格以及管弦樂的音景和調色板上存在很大差異。這巴洛克樂團從較小的樂團（或合奏）每零件一個演奏者到較大的樂團，每個演奏者每零件許多演奏者。較小品種的例子是巴赫的管弦樂隊，例如在科伊森（Koethen），在那裡他可以使用多達18名演奏者的合奏。大規模巴洛克樂團的例子包括羅馬的Corelli樂團，該樂團的日常表演範圍為35至80名，在特殊場合被擴大到150個演奏者。[4]

在古典時代，樂團通過中小型弦樂區和一個核心風段變得更加標準化，該部分由一對，笛子，笛子，鱸魚和角組成，有時還用打擊樂器和單簧管和小號。

貝多芬的影響力

所謂的“標準補充”在18世紀後期開創的管弦樂隊中的雙打和黃銅，並在19世紀上半葉合併，通常歸因於要求的力量貝多芬在海頓和莫扎特之後。貝多芬的儀器幾乎總是包含配對fl，oboes，單簧管，巴帶，號角和小號。這個例外是他的第4交響曲，小提琴協奏曲， 和鋼琴協奏曲第4號，每個指定一個長笛。貝多芬仔細計算了該特定的擴展音交響曲3、5、6和9中的“調色板”，以產生創新效果。第三個角“ Eroica”交響曲不僅提供一些諧波靈活性，還提供三重奏運動中“合唱”黃銅的效果。短笛，違禁條， 和長號加入他的勝利結局第5交響曲。一對短笛和一對長號有助於賦予風暴和陽光的影響第六，也稱為牧師交響樂。這第九出於與“ Eroica”類似的原因（四個角已成為標準配置），要求第二對角。貝多芬使用短笛，違禁，長號和未調節的使用打擊樂器 - 加合唱聲音獨奏者（在他的結局中）是他最早的建議，即交響曲的劇烈邊界可能會擴大。他去世後的幾十年，交響儀器忠於貝多芬的良好模特，但很少有例外。

工具技術

斯托科夫斯基以及1916年3月2日美國首映的費城樂團馬勒第八交響曲

活塞和旋轉閥的發明海因里希·斯托爾澤爾（HeinrichStölzel）和弗里德里希·布呂梅爾， 兩個都西里斯人，在1815年，是一系列影響樂團的創新中的第一個，包括開發了笛子的現代鑰匙工作。Theobald Boehm和創新Adolphe Sax在木管樂器中，尤其是薩克斯管。這些進步將帶領Hector Berlioz寫一本具有里程碑意義的書儀器這是第一個將樂器聲音用作音樂表達元素的系統論文。[5]

瓦格納的影響力

交響練習的下一個重大擴展來自理查德·瓦格納（Richard Wagner）拜羅斯樂團成立於他的音樂戲劇。瓦格納（Wagner）在舞台上的作品以前所未有的範圍和復雜性得分：的確，他的得分達到了Das Rheingold要求六個豎琴。因此，瓦格納（Wagner）設想了劇院樂團指揮的越來越多的角色，因為他在他的有影響力的作品中闡述了進行.[6]這帶來了管弦樂的革命作品，並在未來八十年內為管弦樂表演樹立了風格。瓦格納的理論重新考慮了速度，動力學，彎曲弦樂器和樂團中校長的作用。

20世紀的樂團

在20世紀初，交響樂團比以前更大，資金更好，訓練得更好。因此，作曲家可以創作更大，更雄心勃勃的作品。作品古斯塔夫·馬勒（Gustav Mahler）特別是創新的；在他後來的交響曲中，例如猛mm第8交響曲，馬勒（Mahler）採用了巨大的力量，突破了管弦樂規模的最遠界限。到浪漫主義時代晚期，樂團可以支持最巨大的交響樂表達形式，並具有巨大的弦樂部分，龐大的黃銅部分和擴展的打擊樂器。隨著錄音時代的開始，表演的標準被推到了新的水平，因為可以在現場表演中仔細聽取語調或合奏的錄製交響曲，甚至是輕微的錯誤錯誤，這在現場表演中可能不會引人注目。。隨著錄製技術在20世紀和21世紀的進步，最終可以通過音頻編輯“修復”錄音中的小錯誤或過度輸入。一些年長的指揮家和作曲家可以記住，只需“盡可能多地”“通過”音樂就是標準。結合通過錄製而使更廣泛的觀眾結合起來，這使人們對特定的明星指揮和管弦樂執行的高標准進行了重新關注。[7]

儀器

Viotti室內樂團表演第三樂章莫扎特分離在D大調，K。136

典型的交響樂團由四組相關組成樂器叫做木管樂器，黃銅，打擊樂器， 和字符串。其他樂器，例如鋼琴和Celesta有時可能會分為第五部分，例如鍵盤部分或者可能獨自一人，就像音樂會豎琴和電氣和電子儀器。樂團根據大小，幾乎包含每組中幾乎所有的標準儀器。

在樂團的歷史上，隨著時間的推移，其工具已經擴展，經常同意按照古典時期的標準化[8]和路德維希·範·貝多芬對經典模型的影響。[9]在20和21世紀，新的曲目要求擴大了樂團的儀器，從而靈活地使用了古典模型樂器並新開發電的和電子儀器在各種組合中。

條款交響樂團和愛樂樂團可以用來區分不同的合奏和相同地區倫敦交響樂團和倫敦愛樂樂團.[筆記2]交響樂團或愛樂樂團通常會有超過80多名音樂家的名冊，在某些情況下，特定表演中使用的實際音樂家數量可能會根據所播放的作品和場地的規模而有所不同。[1]

一個室內樂團通常是一個較小的合奏；一個主要的室內樂團可能會僱用多達五十位音樂家，但有些樂團小得多。音樂會樂團是一個替代術語，如BBC音樂會樂團和RTé音樂會樂團.

擴展的儀器

除了核心管弦樂的補充外，其他各種樂器偶爾也需要。[10]這些包括Flugelhorn和短號.薩克斯管和古典吉他例如，出現在大約19世紀至21世紀的分數中。例如，在某些作品中僅顯示出特色的獨奏樂器莫里斯·拉維爾（Maurice Ravel）的編排謙虛的穆索爾格斯基展覽中的圖片和Sergei Rachmaninoff交響舞，薩克斯管包含在其他作品中，例如Ravel的Boléro，Sergei Prokofiev羅密歐與朱麗葉套房1和2，沃恩·威廉姆斯'交響曲第6號和第9號， 和威廉·沃爾頓Belshazzar的盛宴，還有許多其他作為管弦樂隊成員的作品。這Euphonium遲到了浪漫的和20世紀的作品，通常扮演標記為“男高音塔巴”的部分，包括古斯塔夫·霍爾斯特行星， 和理查德·斯特勞斯（Richard Strauss）Ein Heldenleben。這瓦格納·圖巴（Wagner Tuba），霍恩家族的修改成員，出現在理查德·瓦格納（Richard Wagner）的周期nibelungen以及施特勞斯（Strauss）的其他作品伊戈爾·斯特拉文斯基（如春天的儀式），BélaBartók， 和別的;它在安東·布魯克納（Anton Bruckner）E專業的第七交響曲.[11]角落出現在Pyotr Ilyich Tchaikovsky的芭蕾舞天鵝湖，克勞德·德彪西La Mer，以及幾個管弦樂作品Hector Berlioz。除非成員在另一個樂器上“加倍”彈奏這些樂器（例如，一個長號播放器更改為Euphonium或Bassoon Player，以切換到違禁條對於一定的段落），管弦樂隊通常僱用自由職業者音樂家增強他們的常規合奏。

20世紀的樂團比其前任更靈活。[10]在貝多芬的Felix Mendelssohn時間的時候，樂團由相當標準的樂器核心組成，該樂器很少被作曲家修改。隨著時間的流逝，隨著浪漫時期的變化，伯利奧斯和馬勒等作曲家接受了變化。一些作曲家使用了多個豎琴，聲音效果如那個風機。在20世紀，現代樂團通常以下面列出的現代儀器進行標準化。然而，到20世紀中葉至後期當代古典音樂，儀器實際上可以由作曲家手工挑選（例如，添加電器如電吉他，電子儀器如合成器，非西方儀器或其他傳統上不使用樂團中使用的樂器）。

考慮到這一歷史，可以在五個時代分析樂團：巴洛克時代， 這古典時代，早/中浪漫音樂時代，後期浪漫時代和合併現代/後現代時代。第一個是巴洛克式樂團（即J.S.巴赫，漢德爾，維瓦爾第），通常具有較少數量的表演者，其中一個或多個和弦樂器，巴索連續組（例如，豎琴或者管風琴和各種低音儀器以執行低音線），發揮重要作用；第二個是一個典型的古典樂團（例如，早期貝多芬隨著莫扎特和海頓），使用的表演者比浪漫音樂樂團和相當標準化的儀器；第三個是早期/中浪漫時代的典型特徵（例如，舒伯特，伯利奧斯，舒曼，勃拉姆斯）；第四是浪漫主義/20世紀初的樂團（例如，瓦格納，馬勒，斯特拉文斯基），對於2010年現代樂團的共同補充（例如亞當斯，理髮師，亞倫科普蘭，玻璃，Penderecki）。

已故巴洛克樂團

古典樂團

早期的浪漫樂團

晚期浪漫樂團

現代/後現代樂團

組織

指揮樂團

在儀器組和每組儀器中，都有一個公認的層次結構。每個樂器組（或部分）都有一個主要的通常負責領導小組並演奏管弦樂獨奏的人。小提琴分為兩組，第一隻小提琴和第二小提琴，第二小提琴在比第一批小提琴較低的登記冊中彈奏，彈奏伴奏部分，或協調第一小提琴所播放的旋律。校長第一小提琴稱為音樂會大師（或英國的樂團“領導者”），不僅被視為弦樂部門的領導者，而且被認為是整個樂團的第二任命，僅次於導體。音樂會主持人領導預科調整並處理樂團管理的音樂方面，例如確定小提琴的鞠躬或整個弦樂部分。音樂會大師通常坐落在最接近觀眾的指揮左邊。還有一門主要小提琴，主要中提琴，主要大提琴和貝斯。

主要長號被認為是低黃銅部分的領導者，而主要小號通常被認為是整個黃銅部分的領導者。雖然雙簧管經常為樂團提供調音說明（由於有300年曆史的大會），但通常沒有木管樂器部分的指定主席（儘管在木管樂合合奏中，但長笛通常是推定的領導者。[12]取而代之的是，在音樂差異的情況下，每位主管都與其他校長相等。大多數部分還具有助理校長（或聯合校長或副校長），或者在第一批小提琴的情況下，助理音樂會大師經常扮演合奏除了在校長缺席時取代校長之外。

一節弦樂播放器播放一致在本節的其餘部分中，除了分割的情況外（Divisi）零件，音樂中的上部和下部經常被分配給“外部”（靠近觀眾）和“內部”座位的玩家。如果在字符串部分中要求獨奏部分，則該部分負責人總是扮演該角色。弦樂部分的部分負責人（或主體）也負責確定弓箭，通常是基於音樂會主持人所規定的弓箭。在某些情況下，弦樂部分的主體可能會使用與音樂會大師略有不同的鞠躬，以適應演奏樂器的要求（例如，雙低音部分）。字符串部分的主體還將通過將弓提起入口前的弓來領導其部分的入口，以確保該部分一起發揮作用。Tutti風和黃銅玩家通常會發揮獨特但非solo的作用。打擊樂者的部分扮演主要打擊樂手分配給他們的部分。

在現代，音樂家通常由導體，儘管早期的樂團沒有一個，但將此角色賦予音樂會大師或者豎琴者玩連續。一些現代樂團也做沒有導體，特別是較小的樂團和專門從事歷史上準確（所謂的“時期”）表演的樂團巴洛克式和較早的音樂。

最常見的曲目交響樂樂團是西方古典音樂或者歌劇。但是，樂團有時會在流行音樂（例如，在音樂會中陪伴搖滾樂或流行樂隊）電影音樂，越來越多地視頻遊戲音樂。樂團也在交響金屬類型。“樂團”一詞也可以應用於爵士合奏，例如表現大帶音樂。

選擇和任命會員

在2000年代，所有職業樂團的終身成員通常試鏡對於合奏中的位置。表演者通常會演奏一個或多個獨奏者的選擇，例如協奏曲，一個獨奏巴赫動作，以及在試聽海報中宣傳的管弦樂文學的各種摘錄（因此，試聽者可以準備）。這些摘錄通常是管弦樂文學中技術上最具挑戰性的部分和獨奏。管弦樂試鏡通常在包括導體， 這音樂會大師，試聽者正在申請的部分以及可能是其他主要參與者的主要參與者。

第一輪試鏡中最有前途的候選人被邀請返回第二輪或第三輪試鏡，這使指揮和麵板可以比較最佳候選人。表演者可能會被要求視線閱讀管弦樂音樂。在某些樂團中，試鏡過程的最後階段是測試週，表演者在樂團中演奏一兩個星期，這使指揮和主要參與者可以查看個人是否可以在實際的排練和表演設置中正常運作。

有一系列不同的就業安排。最受歡迎的職位是永久的，終身在樂團中的位置。樂團還聘請音樂家簽訂合同，從一場音樂會到整個季節或更長時間。當樂團正在做一個非常大的後期浪漫時代的管弦樂工作，或代替生病的常任成員時，合同表演者可能會被雇用參加單個音樂會。被聘請參加單場音樂會的專業音樂家有時被稱為“ Sub”。可能會僱用一些合同音樂家來代替常任成員的期限育嬰假或者失能離開。

合奏中的性別歷史

從歷史上看，主要的專業樂團主要或完全由男人組成。首先僱用專業樂隊的女性成員已經豎琴家。這維也納愛樂樂團例如，直到1997年才接受婦女的永久會員資格，比可比的樂團晚（其他樂團都在世界前五名中排名留聲機在2008）。[13]任命一名婦女擔任永久職位的最後一個主要樂團是柏林愛樂樂團.[14]1996年2月，維也納愛樂樂團的主要長笛Dieter Flury， 告訴Westdeutscher rundfunk接受女性將是“與情感統一賭博（emotionelle Geschlossenheit）該生物目前具有“”。[15]1996年4月，樂團的新聞秘書寫道，“彌補了預期的缺席葉子”產假將是一個問題。[16]

1997年，維也納愛樂樂團（Vienna Ellharmonic）“在美國巡迴演出中面臨抗議”國家婦女組織和國際音樂女性聯盟。最終，“在社會保守的奧地利被阻止越來越多的嘲笑之後，該樂團的成員（1997年2月28日）在出發前夕的一次非凡會議上聚集在一起，並同意承認一名婦女安娜·萊克斯（Anna Lelkes），作為豎琴手。“[17]截至2013年，樂團有六名女性成員。其中之一，小提琴家阿爾娜·丹洛瓦（Albena Danailova）成為樂團之一音樂會主任2008年，第一個在該樂團中擔任該職位的女性。[18]2012年，婦女佔樂團成員的6％。VPO總裁克萊門斯·赫爾斯伯格（Clemens Hellsberg）說VPO現在使用完全篩選盲試.[19]

2013年，一篇文章瓊斯母親指出，雖然“ [m]任何著名的樂團都有重要的女性成員資格，但女性的男性超過了男性紐約愛樂樂團的小提琴部分 - 以及幾個著名的合奏，包括國家交響樂團， 這底特律交響樂，明尼蘇達州的交響樂由女性小提琴家領導”，低音主要樂團的黃銅和打擊樂部分“……仍然是男性。”[20]2014年BBC的一篇文章說，“ ...''盲'試鏡的介紹，潛在的樂器演奏者在屏幕後面表演，以便評審團可以不再行使性別或種族偏見，已經看到了傳統男性主導的交響樂的性別平衡樂團逐漸改變。”[21]

業餘合奏

還有各種各樣的業餘樂團：

學校樂團
這些樂團由小學或中學的學生組成。他們可能是音樂課或節目的學生，也可以從整個學校的身體中汲取靈感。學校樂團通常由音樂老師。在某些情況下，學校樂團是弦樂團，僅由學生組成弦樂器，學生在玩木管樂器，黃銅和打擊樂器作為一個音樂會樂隊.
大學或音樂學院
這些樂團由大學或音樂音樂學院的學生組成。在某些情況下，大學樂團向所有課程的大學學生開放。較大的大學可能有兩個或多個大學的樂團：由音樂專業組成的一個或多個樂團（或者，對於主要的音樂課程，是多層音樂樂團，按技能水平排名），第二個樂團向所有學術的大學生開放程序（例如，科學，商業等），他們以前在管弦樂儀器上具有古典音樂經驗。大學和音樂學院的樂團由指揮家領導，他通常是教授或大學或音樂學院的講師。
青年管弦樂隊
這些樂團由從整個城市或地區吸引的青少年和年輕人組成。青年管弦樂隊的年齡範圍在不同的合奏之間有所不同。在某些情況下，青年管弦樂隊可能由來自整個國家的青少年或年輕人組成（例如，加拿大的國家青年樂團）。
社區樂團
這些樂團由從整個城市或地區吸引的業餘表演者組成。社區樂團通常主要由成人業餘音樂家組成。社區樂團的水平範圍從初學者級的管弦樂隊進行排練音樂，而無需在觀眾面前進行正式表演，再到中級合奏到演奏標準專業樂團曲目的高級業餘團體。在某些情況下，大學或音樂學院的學生也可能是社區樂團的成員。儘管社區樂團的成員主要是無薪業餘愛好者，但在某些樂團中，可能會僱用少數專業人士擔任主要參與者和部門領導者。

曲目和表演

樂團演奏的曲目範圍從17世紀舞蹈套房， 18世紀牧師到20世紀電影分數和21世紀的交響曲。樂團已成為交響樂，擴展音樂作品在西方古典音樂這通常包含多個運動，這些運動提供對比的鍵和節奏。交響曲在樂譜，其中包含所有儀器零件。這導體使用該分數在排練之前研究交響曲，並決定其解釋（例如節奏，發音，措辭等），並在彩排和音樂會期間跟隨音樂，同時領導合奏。管弦樂隊的音樂家播放，其中僅包含其樂器的註釋音樂。少數交響曲還包含聲樂零件（例如，貝多芬第九交響曲）。

樂團也表演提議，最初適用於歌劇儀器介紹的術語。[22]在浪漫主義的早期，作曲家等作曲家貝多芬和門德爾松開始使用該術語來指代獨立的，自我存在的工具，程序化作品，這些作品預示了類型，例如交響詩，一種由弗朗茲·李斯特（Franz Liszt）在幾部著作中，最初是戲劇性的提議。這些是“起初無疑是打算在計劃的負責人中扮演的”。[22]在1850年代，音樂會序開始被交響曲所取代。

樂團還與樂器獨奏者一起演奏協奏曲。在協奏曲期間，樂團演奏伴奏對獨奏者（例如，小提琴家或鋼琴家）的角色，有時會在獨奏者沒有演奏時引入音樂主題或插曲。樂團也在歌劇，芭蕾，一些音樂劇院作品和一些合唱作品（包括群眾和世俗作品等神聖作品）。在歌劇和芭蕾舞團中，樂團分別伴隨歌手和舞者，並播放了摘要和插曲，在樂團演奏的旋律中，旋律是中心舞台。

表演

在巴洛克時代，樂團在一系列場所演出，包括在貴族的精美房屋，歌劇院和教堂裡演出。一些富裕的貴族在他們的莊園裡有一個樂團，以表演娛樂他們和客人。在古典時代，隨著作曲家越來越多地尋求公眾的財政支持，樂團音樂會越來越多地在公共場合舉行音樂廳，音樂愛好者可以在這裡購買門票以聽聽樂團。在古典時代，樂團的貴族贊助繼續，但這與公眾音樂會一起進行。在20和21世紀，樂團找到了新的讚助人：政府。北美和歐洲的許多樂團都從國家，地區一級政府（例如美國州政府）或城市政府那裡獲得了部分資金。這些政府補貼構成了樂團收入的一部分，以及門票銷售，慈善捐款（如果樂團被註冊為慈善機構）和其他籌款活動。隨著連續技術的發明，包括錄音，無線電廣播，電視廣播和互聯網-基於流並下載音樂會視頻，樂團已經能夠找到新的收入來源。

性能問題

偽造

主要文章：偽造（西方古典音樂）

“管弦樂隊演奏的偉大的[主題）之一是“是”偽造“，管弦樂隊給出虛假的過程……播放每條筆記的印象”，通常是為了非常具有挑戰性的段落，這是非常高或非常快的，而實際上並沒有播放印刷中的音符音樂部分。[23]一篇文章斯特拉德指出，所有管弦樂隊的音樂家，甚至是頂級管弦樂隊的音樂家，偶爾都會偽造某些段落。[23]音樂家假的原因之一是因為沒有足夠的排練。[23]另一個因素是20世紀和21世紀當代作品的極端挑戰。一些專業人士說，“偽造”是“在10％到近90％的現代作品中都需要的“偽造”。[23]接受采訪的專業球員的共識是，當零件為樂器寫得不好時，偽造可能是可以接受的，但是偽造“僅僅因為您沒有練習”音樂是不可接受的。[23]

反革命

隨著早期音樂運動的出現，較小的樂團在那裡演奏者從事從舊論文研究中衍生出的作品的執行作品變得普遍。這些包括啟蒙時代的管弦樂隊， 這倫敦古典球員在先生的指導下羅傑·諾靈頓和古代音樂學院在下面克里斯托弗·霍格伍德，其他。

美國的最新趨勢

在美國，20世紀後期看到了對樂團的資金和支持危機。與支持者的基礎相比，交響樂團的規模和成本成為了造成機構核心的問題。很少有樂隊可以填補禮堂，並且悠久的季節訂閱系統變得越來越不合時宜，因為越來越多的聽眾會在一張中購買門票特別指定個別事件的基礎。管弦樂隊的捐贈和 - 更集中於美國樂團的日常運作 - 管弦樂隊的捐助者看到投資組合收縮或產生較低的收益率，從而降低了捐助者的捐助能力；此外，捐助者發現其他社會原因更具吸引力。儘管政府資金對美國的核心不如歐洲樂團核心，但這種資金的削減對於美國合奏仍然很重要。最後，與錄音行業本身的變化有關的收入的急劇下降開始了一段尚未得出結論的變化時期。

美國樂團第11章破產包括費城樂團（2011年4月），路易斯維爾樂團（2010年12月）;流過的樂團第7章破產並停止運營包括2006年西北室內樂團，2011年3月的檀香山樂團，新墨西哥交響樂團2011年4月，以及2011年6月的錫拉丘茲交響樂團。佛羅里達州奧蘭多的樂團節於2011年3月底停止運營。

收到通知和批評的財務困難的一種來源是美國樂團音樂總監的高薪，[24]近年來，這導致了幾名備受矚目的導體進行削減。[25][26][27]音樂管理員，例如邁克爾·蒂爾森·托馬斯（Michael Tilson Thomas）和Esa-Pekka Salonen辯稱，新音樂，展示新音樂以及與社區的新關係可以振興交響樂團。美國評論家格雷格·桑多詳細說明，樂團必須修改他們的音樂，表演，音樂會經驗，營銷，公共關係，社區參與和演講的方法，以使他們符合21世紀觀眾的期望。

當代作曲家使用包括各種合成器在內的非常規工具來實現預期效果並不少見。但是，許多人找到更多傳統的管弦樂配置，為顏色和深度提供更好的可能性。作曲家喜歡約翰·亞當斯（John Adams）經常使用浪漫大小的樂團，如亞當斯的歌劇尼克鬆在中國；菲利普·格拉斯（Philip Glass）其他人可能會更自由，但仍然可以識別尺寸限制。特別是玻璃最近在諸如大提琴和樂團協奏曲和小提琴協奏曲2號.

隨著資金的減少，一些美國樂團減少了他們的整體人員以及表演中出現的演奏者數量。降低的性能通常僅限於字符串部分，由於這裡的數字傳統上是靈活的（因為多個玩家通常從同一部分播放）。

導體的角色

主要文章：進行
apo hsu， 用一個指揮棒，執行NTNU交響樂團在台北，中國共和國

進行指導是音樂性能，例如管弦樂或合唱音樂會。指揮的主要職責是設置速度，確保合奏的各個成員的正確條目，並在適當的情況下“塑造”措辭。[2]為了傳達他們的想法和解釋，指揮家主要通過手勢與音樂家進行交流，通常（儘管不是總是）借助指揮棒，並且可以使用其他手勢或信號，例如與相關表演者的目光接觸。[28]在表演之前，通過口頭指示或建議對音樂家的言語指示或建議幾乎總是會補充或加強指揮家的指示。[28]

指揮家通常站在帶有大音樂架的高架登上領獎台上滿分，其中包含音樂符號對於所有樂器和聲音。自18世紀中葉以來，大多數導體在執行時沒有演奏樂器，儘管在早期的時期古典音樂歷史，在演奏樂器時領導合奏很普遍。在巴洛克音樂從1600年代到1750年代，該小組通常會由豎琴者或第一小提琴家（請參閱音樂會大師），這一時期的幾位音樂導演已經恢復了現代的方法。演奏時進行鋼琴或者合成器也可以通過音樂劇院完成維修管弦樂隊。在表演過程中，溝通通常是非語言的（嚴格來說是這種情況藝術音樂，但在爵士大樂隊或大型流行樂團中，可能偶爾會有口語說明，例如“計數”）。但是，在排練，頻繁的中斷使指揮人可以對應該如何播放或演唱音樂給出口頭指示。

導體充當了他們執行的樂團或合唱團的指南。他們選擇要執行的作品並研究他們的分數，他們可能會進行某些調整（例如，關於節奏，發音，措辭，部分重複等等），進行解釋，並將其願景傳遞給表演者。他們也可能會參加組織事務，例如安排排練，[29]計劃音樂會季節，聽力試鏡並選擇成員，並在媒體上促進他們的合奏。樂團，合唱團，音樂會樂隊和其他相當大的音樂合奏如大樂隊通常由導體領導。

無導體樂團

主要文章：無導體樂團

在裡面巴洛克音樂ERA（1600–1750），大多數樂團都由其中一位音樂家領導，通常是首席第一小提琴，稱為The The音樂會大師。音樂會主管將通過有節奏的方式舉起他或她的弓來帶領碎片的節奏。領導力也可能由一位和弦演奏者之一提供巴索連續這是大多數巴洛克樂器合奏作品的核心。通常，這將是豎琴玩家，a管風琴師，或愛人或者理論球員。鍵盤播放器可以帶領他或她的頭部領導合奏，或者通過將其中一隻手從鍵盤上拿出來帶領更加困難的節奏更改。Lutenist或理論家可以通過將樂器的脖子上下抬起來指示一件零件的速度或帶領麗塔在節奏或結束時。在某些合併的作品中合唱團和樂器合奏，有時會使用兩名領導者：一名樂器演奏家，帶領樂器演奏家和一個和弦演奏者來領導歌手。在此期間古典音樂時期（c.1720–1800），使用和弦樂器彈奏巴索連續圖的實踐逐漸消失，到1800年完全消失了。相反，合奏開始使用指揮家領導樂團的節奏和演奏風格，而音樂會主持人則扮演了額外的領導角色。音樂家，尤其是弦樂演奏者，他們模仿了音樂會大師的弓箭和演奏風格，這對於不同的弦樂器來說是可行的。

1922年，無指導樂團的想法在後恢復了革命者前蘇聯。交響樂團柿子是在沒有指揮的情況下成立的，因為創始人認為合奏應以理想為基礎馬克思主義者州，所有人平等。因此，它的成員認為無需由指揮家的獨裁小說帶領。相反，他們由委員會，這決定了節奏和演奏風格。儘管這是蘇聯內部的部分成功，但該概念的主要困難在於改變速度在演出期間，因為即使委員會發布了有關應在哪裡發生速度改變的法令，但合奏中沒有領導者來指導這種節奏的改變。樂團在十年之前倖存了十年斯大林的文化政治通過取消資金來解散它。[30]

在西方國家，一些合奏，例如Orpheus室內樂團，總部位於紐約市，在無導體樂團中取得了更大的成功，儘管決定可能會推遲到合奏中的某種領導力（例如，主要風和弦樂演奏者，尤其是音樂會主管）。其他人已經回到了主要演奏家的傳統，通常是小提琴家，是藝術總監，並進行排練和領導音樂會。示例包括澳大利亞室內樂團，阿姆斯特丹Sinfonietta和Candida Thompson和The新世紀室內樂團。同樣，作為早期音樂動作，大約20和21世紀的樂團恢復了巴洛克式的實踐，即使用音樂會主管或和弦演奏，在巴洛克式的領獎台上沒有指揮巴索連續表演者（例如，大鍵琴或器官）領導小組。

多導體

舞台儀器

一些管弦樂作品指出了台下小號應該使用或在舞台後面或在舞台後面定位的其他樂器，以產生鬼屋，神秘的效果。為了確保台外樂器演奏者及時發揮作用，有時會在台下駐紮子導體，並清楚地看到主要導體。示例包括結局。海王星“ 從古斯塔夫·霍爾斯特行星。主要指揮家領導大型樂團，子導體將主要指揮的節奏和手勢轉移給了舞台音樂家（或音樂家）。使用兩個導體的挑戰之一是，第二導體可能與主導體同步，或者可能誤解（或誤解）主要導體的手勢，這可能會導致台階儀器不在時間。在20世紀末和21世紀初，一些樂團使用錄影機指向主要導體和閉路電視設置在舞台表演者的前面，而不是使用兩個導體。

當代音樂

這些技術多體基質和polytempo[31]音樂導致了幾個20世紀和21世紀的作曲家寫音樂，其中多個樂團或合奏會同時演奏。這些趨勢帶來了多導導器音樂的現象，其中單獨的子導體會導致每組音樂家。通常，一位主要導體會導致子導體，從而塑造整體性能。在珀西·格林格（Percy Grainger）戰士其中包括三個導體：管弦樂隊的主要導體，指揮台外黃銅合奏的次要導體，以及指揮打擊樂器和豎琴的第三級導體。世紀後期的管弦樂音樂中的一個例子是Karlheinz StockhausenGruppen，對於觀眾周圍放置的三個樂團。這樣，“聲音質量”可以被空間化，例如電聲工作.Gruppen由斯托克豪森（Stockhausen）於1958年在科隆首映布魯諾·馬德納（Bruno Maderna）和皮埃爾·布萊茲（Pierre Boulez）。它是在1996年由西蒙嘎嘎作響，約翰·卡·韋（John Carewe）和丹尼爾·哈丁.[32]

也可以看看

筆記

  1. ^因為他們錘子動作， 這鋼琴和Celesta通常包括打擊樂器儀器 （”傾斜的打擊樂“）; 這豎琴，豎琴， 和吉他在裡面細繩部分;和管風琴在裡面木管樂器。豎琴是唯一（公平地）定期包含在現代樂團中的唯一一種樂器，至少是為了浪漫時期音樂。這鋼琴經常是流行樂團，和豎琴定期包含在巴洛克式室內管弦樂隊.
  2. ^目前的使用交響樂團和愛樂樂團為了區分同一語言環境中的兩個樂團，抹殺了任何先前的差異。含義可能具有的含義：一種類型的樂團的兩個名字是相同的。[1]

參考

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進一步閱讀

  • 雷諾，亨利（1978）。樂團：歷史.Scribner.ISBN 978-0-684-15535-7.
  • Spitzer，John；Zaslaw，尼爾（2004）。樂團的誕生：機構的歷史，1650– 1815年。牛津大學出版社。ISBN 978-0-19-816434-0.

外部鏈接