繪畫

Leonardo da VinciMona Lisa (1503–1517)是世界上最知名的繪畫之一。
在30,000至32,000年前的Chauvet洞穴中繪製了對一組犀牛的藝術描述。

繪畫是將油漆顏料顏色或其他介質應用於固體表面的實踐(稱為“矩陣”或“支撐”)。通常用刷子將介質應用於底座,但可以使用其他工具,例如刀,海綿和噴槍

藝術中​​,“繪畫”一詞描述了動作的行為和結果(最終作品稱為“繪畫”)。對繪畫的支撐包括諸如牆壁,紙張,帆布,木材,玻璃,,陶器,葉子,銅,銅和混凝土等表面,並且繪畫可能包含多種其他材料,包括沙子,粘土,紙,灰泥,灰泥金葉和甚至整個對象。

繪畫是視覺藝術的一種重要形式,它引入了諸如繪畫構圖手勢敘事抽象之類的元素。繪畫可以是自然主義和代表性的(如靜物景觀繪畫),攝影,抽象,敘事,象徵主義(如象徵主義藝術中),情感(如表現主義)或政治性質(如artivism中)。

東方和西方藝術中繪畫史的一部分都以宗教藝術為主。這種繪畫的例子包括描繪陶器神話人物的藝術品,到西斯汀教堂天花板上的聖經場景,再到佛陀生活的場景(或其他宗教起源的圖像)。

歷史

史前Aurochs的洞穴繪畫(法語Bos Primigenius Primigenius ),法國Lascaux
最古老的象徵性繪畫是對印度尼西亞盧本·傑里吉·薩萊(Lubang JerijiSaléh)洞穴中發現的公牛的描繪。它被繪製為40,000-52,000年前或更早。

最古老的繪畫大約有40,000年的歷史,在西歐的佛朗哥 - 塔巴里亞地區都發現,在馬洛斯(印度尼西亞蘇拉威西的洞穴中。然而,2018年11月,科學家報導了當時最古老的已知比喻藝術繪畫,有40,000多名(可能年齡在52,000年)的年齡,是一隻未知的動物,在印度尼西亞婆羅洲島上的盧本·傑里吉·薩萊(Lubang JerijiSaléh)的洞穴中發現了一幅未知的動物。 ( Kalimantan )。 2019年12月,據估計,在蘇拉威西Maros-Pangkep Karst中描繪豬狩獵的象徵性洞穴繪畫估計年齡甚至年齡至少為43,900年。該發現被認為是“講故事的最古老的繪畫記錄,是世界上最早的象徵性藝術品”。最近,據報導,在2021年,在印尼島上發現了一隻豬的洞穴藝術,可追溯到45,500年。但是,最早的繪畫行為證據是在澳大利亞北部阿恩希姆(Arnhem)土地的兩個岩石中發現的。在這些地點的最低材料層中,估計有60,000年曆史的ocher塊。考古學家還發現,在澳大利亞西北部金伯利地區的石灰石搖滾樂中保存了一幅岩石片段,其歷史可追溯到40,000年。世界各地都有洞穴繪畫的例子 -印度尼西亞法國西班牙葡萄牙意大利中國印度澳大利亞墨西哥等。在西方文化中,油畫水彩畫具有豐富而復雜的傳統事情。在東方,墨水和顏色墨水歷史上以同樣豐富而復雜的傳統為主。

攝影的發明對繪畫產生了重大影響。在1829年製作的第一張照片後的幾十年中,攝影過程得到了改善,並變得更廣泛地實踐,剝奪了繪畫其許多歷史目的,以提供可觀察到的世界的準確記錄。在19世紀末和20世紀初的一系列藝術運動,尤其是印象派印象派野蠻主義表現主義立體主義達達主義- 挑戰了世界文藝復興時期的觀點。然而,東部和非洲的繪畫持續了長期的風格化歷史,同時又沒有進行同等的轉變。

現代當代藝術已經擺脫了有利於概念的手工藝和文檔的歷史價值。這並沒有阻止大多數活著畫家繼續練習整個工作或部分作品的繪畫。 21世紀繪畫的活力和多功能性無視其滅亡的先前“聲明”。在一個以多元主義思想為特徵的時代中,就年齡的代表性風格尚無共識。藝術家繼續以各種風格和美學的氣質製作重要的藝術作品 - 他們的優點將留給公眾和市場。

女權主義的藝術運動始於1960年代的第二波女權主義。該運動試圖贏得女性藝術家在國際上獲得平等的權利和平等機會。

繪畫要素

Chen Hongshou (1598–1652),葉專輯繪畫明朝
Shows a pointillist painting of a trombone soloist.
喬治·塞拉特 Georges Seurat

顏色和色調

色調飽和度價值組成的顏色分散在表面上是繪畫的本質,就像音樂本質一樣。顏色是高度主觀的,但具有可觀察到的心理影響,儘管它們在一種文化之間可能有所不同。黑色與西方的哀悼有關,但在東方,懷特是。一些畫家,理論家,作家和科學家,包括歌德坎丁斯基牛頓,都寫了自己的色彩理論

此外,語言的使用只是顏色等效物的抽象。例如,“紅色”一詞可以涵蓋光線純紅色的各種變化。沒有類似顏色的正式登記冊,就像在音樂中在不同的音符上達成共識,例如fc♯ 。對於畫家而言,顏色不簡單地分為基本(主要)和衍生(互補或混合)顏色(例如紅色,藍色,綠色,棕色等)。

畫家實際上處理了顏料,因此,對於畫家來說,“藍色”可以是任何藍色:鄰苯二甲胺藍普魯士藍色靛藍鈷藍色烏爾特馬林等。嚴格來說,顏色的心理和象徵意義不是繪畫的手段。顏色只會增加含義的潛力,派生的背景,因此,對繪畫的看法是高度主觀的。與音樂的類比相當明顯 - 音樂中的想法(如c音符)類似於繪畫中的“光”,“陰影”,而“色彩”是繪畫的,因為樂器的特定音色是音樂。這些元素不一定形成自己的旋律。相反,他們可以在其中添加不同的上下文。

非傳統元素

現代藝術家已經擴展了大量繪畫的實踐,以示例拼貼畫,從立體主義開始,並不是嚴格的繪畫。一些現代畫家融合了不同的材料,例如金屬,塑料,沙子水泥稻草葉子木材的質地。例如,讓·杜布菲特(Jean Dubuffet)安塞爾姆·基弗(Anselm Kiefer)的作品。越來越多的藝術家社區使用計算機使用Adobe PhotoshopCorel Painter等程序將計算機“繪製”數字“畫布”。如果需要,可以將這些圖像打印到傳統畫布上。

韻律

Jean MetzingerLa Danse(Bacchante) c。1906 ),帆布上的油,73 x 54 cm, Kröller-Müller博物館

讓·梅辛格(Jean Metzinger )的摩西式分裂主義技術在文學上具有相似之處。象徵作家與新印象派藝術家之間的聯盟的特徵:

我要求分裂的刷子不是光的客觀渲染,而是虹彩和顏色的某些方面仍然是繪畫的。我進行了一種色化的功能,對於音節,我使用的筆觸數量變化,而不需要修改繪畫措辭的節奏,而繪畫措辭的節奏注定要翻譯自然引起的多種情緒。 (讓·梅辛格(Jean Metzinger),1907年

彼得·蒙德里安 Piet Mondrian

對於諸如Piet Mondrian等藝術家的節奏,對於繪畫而言在音樂中很重要。如果人們將節奏定義為“暫停納入序列”,那麼繪畫中可能會有節奏。這些暫停使創造力可以乾預並添加新的作品 - 形式,旋律,顏色。形式或任何類型的信息的分佈在給定的藝術品中至關重要,它直接影響了該作品的美學價值。這是因為審美價值取決於功能,即感知的自由被視為美麗。在藝術以及其他形式的“ Techne ”中的自由流動直接有助於審美價值。

音樂對抽象藝術的誕生很重要,因為音樂本質上是抽象的 - 它不會試圖代表外部世界,而是直接表達靈魂的內在感覺。 Wassily Kandinsky經常使用音樂術語來識別他的作品。他稱他最自發的繪畫為“即興創作”,並將更精緻的作品描述為“作品”。坎廷斯基(Kandinsky)理論上認為“音樂是終極老師”,隨後開始了他的十個作品中的前七個。坎廷斯基(Kandinsky)在繪畫時聽到音調和和弦,理論上(例如),黃色是黃銅小號上中間C的顏色。黑色是封閉的顏色,也是事物的結尾。顏色的組合產生了振動頻率,類似於鋼琴上演奏的和弦。 1871年,年輕的坎丁斯基學會了彈鋼琴和大提琴。坎廷斯基(Kandinsky)在展覽上表演穆索爾格斯基(Mussorgsky )圖片的舞台設計說明了他的“ Synaesthetic”概念,即形式,色彩和音樂聲音的通用對應。

音樂定義了許多現代主義抽象繪畫。傑克遜·波洛克(Jackson Pollock)強調了他的1950年繪畫秋天節奏(第30位)的興趣。

美學和理論

女畫家坐在露營廠上,將狄俄尼索斯普里亞布斯的雕像塗在一個男孩舉行的面板上。 1世紀龐貝的壁畫

美學是對藝術美麗的研究。對於康德黑格爾等18世紀和19世紀的哲學家來說,這是一個重要的問題。像柏拉圖亞里士多德這樣的古典哲學家也尤其是關於藝術和繪畫的理論。柏拉圖在他的哲學體系中無視畫家(以及雕塑家)。他堅持認為繪畫不能描繪真相- 它是現實的副本(思想世界的陰影),只不過是一種工藝,類似於製鞋或熨燙。到萊昂納多(Leonardo)時期,繪畫已成為真理的近來代表,而不是在古希臘的繪畫。相反,萊昂納多·達·芬奇(Leonardo da Vinci)說,“意大利語lapitturaècosamentale ”(“英語:繪畫是思想的東西”)。康德以明顯優先考慮前者的優先事項來區分美麗崇高。儘管他沒有特別提到繪畫,但這個概念是由JMW TurnerCaspar David Friedrich等畫家所接受的。

A relief against a wall shows a bearded man reaching up with his hands as his clothes are draped over his body.
尼諾·皮薩諾(Nino Pisano ),胃或詳細繪畫藝術(1334–1336);意大利佛羅倫薩喬托的鐘樓的救濟

黑格爾意識到未能達到美容的普遍概念,並在他的美學文章中寫道,繪畫是三種“浪漫”藝術之一,以及詩歌音樂,其象徵性,高度智力的目的。撰寫繪畫理論作品的畫家包括坎丁斯基保羅·克萊。坎廷斯基在他的文章中堅持認為繪畫具有精神價值,他將原色附著在基本的感覺或概念上,這是歌德和其他作家已經嘗試做的。

肖像學是對繪畫內容而不是其風格的研究。埃文·帕諾弗斯基(Erwin Panofsky)和其他藝術史學家首先尋求理解所描繪的事物,然後在當時對觀眾的含義,最後分析其更廣泛的文化,宗教和社會意義。

1890年,巴黎畫家莫里斯·丹尼斯(Maurice Denis)著名地斷言:“請記住,一幅畫- 在成為戰馬,裸露的女人或某些故事或其他故事之前,基本上是一個平坦的表面,上面覆蓋著一定順序的顏色。”因此,許多20世紀的繪畫發展,例如立體主義,是對繪畫手段而不是外部世界(自然)的思考,而不是以前是其核心主題。畫家和作家朱利安·貝爾(Julian Bell)提供了有關繪畫思維的最新貢獻。在他的書中,什麼是繪畫? ,貝爾通過歷史討論了繪畫可以表達感覺和思想的觀念的發展。貝爾寫道:在世界鏡子中:

一項藝術品試圖引起您的注意並保持固定:藝術的歷史促使它繼續前進,在想像中的家中推銷了一條高速公路。

繪畫媒體

通常通過介質識別出不同類型的油漆,該介質懸掛或嵌入了顏料,這決定了油漆的一般工作特徵,例如粘度可溶性溶解度,乾燥時間等。

熱蠟或迷人

來自埃及聖凱瑟琳修道院(6世紀)的魅力偶像

迷人的繪畫,也稱為熱蠟繪畫,涉及使用加熱的蜂蠟,添加了彩色顏料。然後將液體/糊狀物應用於表面 - 固定的木材,儘管經常使用帆布和其他材料。最簡單的誘人混合物可以是通過在蜂蠟中添加顏料來製成的,但是可以使用其他幾種食譜 - 一些包含其他類型的Damar樹脂亞麻籽油或其他成分。儘管有些混合物使用油漆或其他形式的顏料,但可以購買和使用純粉狀色素。金屬工具和特殊的刷子可以在冷卻之前對油漆進行塑造,也可以使用加熱的金屬工具來操縱蠟一旦將其冷卻到表面上。其他材料可以使用迷失介質將其粘附到表面上,也可以其包裹或分層。

該技術是古希臘和羅馬面板繪畫的普通技術,並且在東方東正教偶像傳統中一直使用。

水彩

約翰·馬丁(John Martin),曼弗雷德(Manfred

水彩是一種繪畫方法,其中油漆由懸掛在水溶性車輛中的顏料製成。對水彩畫的傳統和最常見的支持是紙。其他支撐物包括紙莎草紙,樹皮紙,塑料,牛皮紙皮革織物,木材和畫布。在東亞,帶有墨水的水彩畫稱為刷子繪畫或滾動繪畫。在中文韓文日本繪畫中,它一直是主要的媒介,通常是黑色或棕色的。印度,埃塞俄比亞和其他國家也有悠久的傳統。用水彩油漆繪製的指紋起源於中國。藝術家使用了各種類型的水彩畫。一些例子是鍋水彩,液體水彩,水彩筆和水彩鉛筆。水彩鉛筆(水溶性鉛筆)可以使用濕或乾。

水粉

Rudolf Reschreiter, Blick vonderHöllentalGlentalGetteZumHöllentalGletscherund und den Riffelwandspitzen ,Gouache(1921)

Gouache是​​一種水基油漆,由顏料和其他材料組成,旨在用於不透明的油漆方法。水粉與水彩不同,因為顆粒更大,色素與水的比率更高,並且還存在額外的惰性,白色顏料(例如粉筆) 。這使水粉更重,更不透明,具有更大的反射品質。像所有水媒體一樣,它被水稀釋。

墨水

SesshūTōyō四個季節的景觀(1486),紙上的墨水和淺色

墨水繪畫是用包含顏料或染料的液體進行的,用於為表面上色以產生圖像,文本設計。墨水用於用筆刷子鵝毛筆繪製。墨水可以是一種複雜的培養基,由溶劑,顏料,染料,樹脂潤滑劑,溶解劑,表面活性劑顆粒物熒光劑和其他材料組成。油墨的組成部分有許多目的;墨水的載體,著色劑和其他添加劑控制墨水的厚度和厚度,並在乾燥時外觀。

搪瓷

讓·德·法院(Jean de Court) (歸因於),詳細繪製了彩色的搪瓷菜(16世紀中葉),瓦德斯登(Waddesdon)大英博物館

搪瓷是通過用粉狀玻璃粉給基材(通常是金屬)的底物製成的。稱為色氧化物的礦物提供著色。在溫度為750–850攝氏度(1380–1560華氏度)的溫度下發射後,結果是玻璃和金屬的融合層壓。與大多數塗漆技術不同,表面可以處理和濕潤的搪瓷用於裝飾珍貴物體,但也用於其他目的。 Limoges搪瓷是文藝復興時期的搪瓷繪畫的領先中心,在裝飾環繞的斑塊或物體(例如或棺材)上有小的宗教和神話場景。在18世紀,搪瓷繪畫在歐洲享有時尚,尤其是作為肖像畫的媒介。在20世紀後期,金屬上的瓷搪瓷技術被用作室外壁畫的耐用媒介。

桑德羅·波蒂切利(Sandro Botticelli),《金星的誕生》,蛋

蛋彩畫,也稱為蛋彩蛋白,是一種永久性的快速乾燥繪畫介質,由彩色顏料與水溶性粘合劑培養基混合(通常是蛋黃或其他尺寸)。蛋彩畫還指在這種媒介中所做的繪畫。彩色繪畫是非常持久的,並且最初幾個世紀的例子仍然存在。雞蛋彩蛋白是繪畫的一種主要方法,直到1500年後,油漆的發明被取代。一種通常稱為蛋彩的油漆(儘管不是),該油漆通常由美國的某些製造商使用,並將其稱為海報油漆

壁畫

白色天使(壁畫,第1235頁),塞爾維亞的米爾舍瓦修道院

壁畫是幾種相關的壁畫類型中的任何一種,在牆壁或天花板上的石膏上進行。 Fresco一詞來自意大利語affresco [afˈfresːko] ,該單詞源自拉丁語單詞。經常在文藝復興時期和其他早期時期製作壁畫。 Buon Fresco技術包括在顏料上繪畫與水混合在薄薄的潮濕,新鮮的石灰砂漿石膏上,為此使用了意大利語,用於石膏, Intonaco 。相比之下, Secco繪畫是在幹石膏上進行的(意大利語中的Secco是“幹”的)。顏料需要結合培養基,例如雞蛋彩蛋白),膠水或才能將顏料連接到壁上。

HonoréDaumier《畫家》 (1808- 1879年),面板上的油,可見筆觸

油畫是用顏料繪畫的過程,這些顏料與乾燥油的介質結合,例如亞麻籽油,該油在現代歐洲早期廣泛使用。通常將油與樹脂(如松樹脂甚至乳香)煮沸。這些被稱為“清漆”,並因其身體和光澤而受到珍視。油漆最終成為創作藝術品的主要媒介,因為其優勢已廣為人知。過渡始於北歐早期的荷蘭繪畫,到文藝復興時期的油畫技術的高度幾乎完全取代了歐洲大部分地區的彩畫。

柔和

莫里斯·昆汀·德拉(Maurice Quentin de la Tour)法國路易十五(1748)的肖像,帕斯特爾

柔和的是一種棍子形式的繪畫介質,由純粉色色素和粘合劑組成。粉彩中使用的顏料與用於生產所有有色藝術媒體(包括油漆)的顏料相同。粘合劑具有中性色調和低飽和度。粉彩的顏色效應比任何其他過程都更接近天然幹顏料。由於柔和繪畫的表面易碎且容易弄髒,因此其保存需要保護性措施,例如玻璃下的框架。它也可以用固定劑噴塗。但是,當用永久性顏料製成並得到適當照顧時,粉彩繪畫可能會持續數百年。蠟筆不易感,就像用流體介質製成的繪畫一樣,是由於介質乾燥時的顏色,不透明度或尺寸的變化而導致的裂紋和變色。

丙烯酸纖維

Ray BurggrafJungle Arc (1998),木材上的丙烯酸塗料

丙烯酸塗料是在丙烯酸聚合物乳液中含有色素懸浮液的快速乾燥油漆。丙烯酸塗料可以用水稀釋,但在乾燥時會變得耐水。根據塗料的稀釋程度(用水)或用丙烯酸凝膠,培養基或糊劑修飾,成品丙烯酸繪畫可以類似於水彩油畫,或者俱有與其他媒體無法實現的獨特特徵。大多數丙烯酸和油漆之間的主要實際區別在於固有的干燥時間。油可以使更多的時間混合顏色,並在未成熟的情況下塗抹釉料。這種緩慢的油乾燥方面可以看作是某些技術的優勢,但也可能阻礙藝術家快速工作的能力。另一個區別是,必須將水彩畫塗在多孔的表面上,主要是水彩紙。丙烯酸塗料可用於許多不同的表面。丙烯酸和水彩易於用水清理。使用後,應立即用肥皂和水清潔丙烯酸塗料。水彩油漆可以用水清洗。

在1946年至1949年之間,倫納德·博科爾(Leonard Bocour)薩姆·金(Sam Golden)在品牌Magna油漆下發明了丙烯酸塗料。這些是基於礦物精神的油漆。隨後以水性丙烯酸塗料作為乳膠房屋塗料出售。 1963年,喬治·羅尼(George Rowney)(自1983年以來的達勒·勞尼(Daler-Rowney)的一部分)是第一個以“ Cryla”品牌“ Cryla”在歐洲介紹藝術家的丙烯酸塗料的製造商。丙烯酸酯是紋理中最常見的油漆,這是一種超現實主義技術,開始隨著這種油漆的出現而使用。丙烯酸用於此目的是因為它們很容易從表面刮擦或剝離。

噴漆

氣溶膠塗料(也稱為噴漆)是一種塗料,它裝在密封的加壓容器中,並在凹陷閥鈕扣時以精細的噴霧霧氣釋放。一種噴漆形式,氣溶膠塗料留下了光滑,均勻塗層的表面。標準尺寸的罐頭便宜,便宜且易於存儲。氣溶膠底漆可直接應用於裸金屬和許多塑料。

速度,便攜性和永久性也使氣溶膠塗料成為常見的塗鴉培養基。在1970年代後期,街道塗鴉作家的簽名和壁畫變得更加精心製作,並且是一種獨特的風格,作為氣溶膠培養基的一個因素和非法工作所需的速度。現在,許多人將塗鴉和街頭藝術視為一種獨特的藝術形式,專門為塗鴉藝術家製作了氣溶膠塗料。模板保護表面,除了要繪製的特定形狀。模具可以作為可移動字母購買,以專業剪裁的徽標或手工切割。

水不良油漆

水性混蛋油漆(也稱為“水溶性”或“可水合性”)是一種現代的油漆,該油漆設計為稀釋並用水清潔,而不必使用諸如防針汀等化學物質。它可以使用與傳統油基油漆相同的技術混合和塗抹,但是儘管仍然濕潤,它可以從刷子,調色板和帶有普通的肥皂和水的抹布中有效地將其除去。它的水溶性來自使用培養基,其中分子的一端已改變以與水分子鬆散結合,如溶液中。

砂飾是倒彩色沙子,礦物或晶體的粉狀色素,或其他天然或合成源的色素上的粉狀色素,以製成固定或未固定的砂漆。

數字繪畫

數字繪畫是一種以數字方式創建藝術對象(繪畫)或在計算機上製作數字藝術技術的方法。作為創建藝術物體的一種方法,它可以通過丙烯酸塗料墨水水彩等適應傳統的繪畫媒介,並將顏料應用於傳統載體,例如編織帆布布,紙,聚酯等。驅動工業機器人或辦公機械(打印機)的軟件。作為一種技術,它是指使用虛擬畫布和虛擬繪畫框的刷子,顏色和其他用品的計算機圖形軟件程序。虛擬框包含許多不存在計算機外部的樂器,並且使數字藝術品與傳統方式的藝術品具有不同的外觀和感覺。此外,數字繪畫不是“計算機生成的”藝術,因為計算機不會使用一些數學計算在屏幕上自動創建圖像。另一方面,藝術家使用自己的繪畫技術在計算機上創建了一件特定的作品。

繪畫樣式

樣式有兩種感官使用:它可以指代其獨特的視覺元素,技術和方法來代表單個藝術家的作品。它還可以指藝術家與之相關的運動或學校。這可能源於藝術家有意識地參與的實際群體,也可能是藝術史學家將畫家置於的類別。在後一種意義上,“風格”一詞在有關當代繪畫的學術討論中失去了青睞,儘管它繼續在流行環境中使用。這樣的運動或分類包括以下內容:

西

現代主義

現代主義描述了一系列文化趨勢,也描述了一系列相關的文化運動,最初是由19世紀末和20世紀初的西方社會的廣泛和深遠的變化引起的。現代主義是對現實主義的保守價值觀的反抗。該術語涵蓋了那些認為“傳統”形式的藝術,建築,文學,宗教信仰,社會組織和日常生活的人的活動和產量,在新興的新經濟,社會和政治條件中已經過時了世界。現代主義的顯著特徵是自我意識。這通常會導致形式的實驗,並引起人們對所使用的過程和材料的關注(以及進一步的抽象趨勢)。

印象派

克勞德·莫奈(Claude Monet )1872年的印象,日出啟發了運動的名字

繪畫中現代主義的第一個例子是印象派,這是一所繪畫學校,最初專注於所做的工作,而不是在工作室,而是在戶外( En plein Air )。印象派繪畫表明,人類看不到物體,而是看到光本身。儘管其領先的從業者內部分歧,但學校還是越來越有影響力的人。最初由當時最重要的商業表演拒絕了政府贊助的巴黎沙龍印象派主義者在1870年代和1880年代在商業場所舉辦了年度小組展覽,並將其定時與官方沙龍相吻合。 1863年的一個重大事件是由拿破崙三世皇帝創建的沙龍拒絕的沙龍,以展示巴黎沙龍拒絕的所有畫作。

抽像樣式

抽象繪畫使用形式,顏色和線條的視覺語言來創建與世界視覺參考的獨立性可能存在的構圖。抽象表現主義是美國第二次世界大戰後的藝術運動,將德國表現主義者的情感強度和自我克制與歐洲抽象學校的反基因審美相結合,例如未來主義包豪斯立體主義,以及被視為的形象叛逆,無政府狀態,高度特質,有些人感到虛無。

動作繪畫,有時稱為手勢抽象,是一種繪畫風格,其中油漆自發地運球,濺到或塗抹在畫布上,而不是小心地塗抹。由此產生的工作通常強調繪畫本身的物理行為是成品作品或藝術家關注的重要方面。從1940年代到1960年代初,這種風格一直很普遍,並且與抽象表現主義密切相關(一些批評家互換使用了“動作繪畫”和“抽象表現主義”一詞)。

其他現代主義風格包括:

局外人藝術

局外人藝術一詞是由藝術評論家羅傑·卡迪納爾(Roger Cardinal)在1972年創造的,作為藝術布魯特的英語同義詞(法語: [Aʁ 法國藝術家讓·杜布菲特(Jean Dubuffet )創建的標籤,旨在描述在官方文化的邊界之外創作的藝術; dubuffet特別關注瘋狂的艾氏囚犯的藝術。局外人藝術已成為成功的藝術營銷類別(自1992年以來,在紐約舉行了年度局外人藝術博覽會)。該術語有時被誤導為主流“藝術世界”以外的人創造的藝術的全部營銷標籤,而不管他們的情況或工作內容如何。

光真主

攝影主義是基於使用攝像頭和照片收集信息然後從這些信息中收集信息的繪畫類型的流派,創造了一種像照片一樣非常現實的繪畫。該術語主要應用於從1960年代末和1970年代初開始的美國藝術運動的繪畫。作為一種成熟的藝術運動,光真實主義從波普藝術演變為對抽象表現主義的反駁。

超現實主義是類似於高分辨率照片的繪畫和雕塑的一種流派。超現實主義是一所成熟的藝術學院,可以通過創建所產生的繪畫或雕塑的方法來視為光真相的進步。該術語主要適用於自2000年代初期以來美國和歐洲的獨立藝術運動和藝術風格。

超現實主義

超現實主義是一種始於1920年代初的文化運動,以與超現實主義運動相關的人的藝術和文學作品而聞名。超現實主義的藝術品具有驚喜,不可思議,無意識,意外的並置和非續順序的元素;但是,許多超現實主義的藝術家和作家將他們的作品視為哲學運動的表達,首先是作品,而作品是人工製品。領導人安德烈·布雷頓(AndréBreton)在他的斷言中明確說超現實主義首先是革命運動。

超現實主義是從第一次世界大戰達達活動中發展出來的,該運動中最重要的中心是巴黎。從1920年代開始,該運動遍布全球,最終影響了許多國家的視覺藝術文學電影音樂,以及政治思想和實踐,哲學社會理論

東亞

東南亞

伊斯蘭

印度人

微型繪畫

微型繪畫是印度前彩色繪畫的主要形式。這些是在使用礦物和自然色的特殊紙(稱為Wasli)上完成的。微型繪畫不是一種風格,而是一組繪畫學校,例如莫臥兒,帕哈里,拉賈斯坦,公司風格等。

莫臥兒微型繪畫南亞的一種特殊風格,尤其是北印度人(更具體地說是現代印度和巴基斯坦),繪畫僅限於縮影作為書籍插圖,或者是專輯中要保存的單一作品( MuraqQA ) 。它來自波斯的微型繪畫(本身是中國血統),並在16至18世紀的莫臥兒帝國法院發展。莫臥兒繪畫立即對現實的肖像畫產生了比波斯縮影的典型興趣。動物和植物是許多專輯縮影的主要主題,並且更現實地描繪了。

拉賈斯坦(Rajasthani)的繪畫在印度北部的拉傑普塔納(Rajputana)皇家法院(主要是在17世紀)演變和繁榮。接受了莫臥兒縮影傳統訓練的藝術家被散佈在

克里希納(Krishna)和拉達(Radha) ,可能是拉傑普特(Rajput

帝國莫臥兒法院(Imperial Mughal Court),並開發了風格,還借鑒了當地的繪畫傳統,尤其是那些說明梵文史詩,摩ab婆羅多(Mahabharata )和羅摩衍那(Ramayana)的繪畫傳統。受試者有所不同,但是經常從事狩獵或日常活動的統治家庭的肖像通常很受歡迎,史詩或印度神話中的敘事場景以及景觀和人類的某些流派場景也很受歡迎。 Kangra,Guller,Basholi是主要的子風格,旁遮普山或帕哈里繪畫。 Kangra Painting是Kangra的繪畫藝術,以前王子國家喜馬al爾邦Kangra的名字命名,它光顧了藝術。隨著18世紀中葉Basohli繪畫學校的淡出,它變得盛行。 Kangra繪畫的焦點主題是Shringar(色情情緒)。在kangra繪畫中可以看到這些主題表現出那個時期社會生活方式的品味和特徵。藝術家採用了JayadevaKeshav Das的愛情詩歌的主題,他們狂喜地寫道RadhaKrishnaBhakti是驅動力。

可汗巴哈杜爾汗(Khan Bahadur Khan)和他的氏族的男人,c。 1815年,來自Fraser專輯,公司風格

公司風格是印度藝術家在印度製作的混合印度 - 歐洲繪畫風格的術語,其中許多人在18世紀和19世紀為英國東印度公司或其他外國公司的歐洲顧客工作。三種截然不同的公司繪畫風格出現在三個英國電力中心 -德里加爾各答馬德拉斯。為西方顧客製作的公司繪畫的主題通常是紀錄片而不是富有想像力的,因此,印度藝術家必須採用比傳統上通常的繪畫方法採用更自然的繪畫方法。

錫克教風格Deccan風格是印度的其他著名微型繪畫風格。

Pichwai繪畫

Pichwai繪畫是紡織品上的繪畫,通常描繪了克里希納勳爵一生中的故事。這些是以大格式製成的,通常用作寺廟或房屋中主要偶像的背景。 Pichwai繪畫是製造的,仍然主要在印度拉賈斯坦邦製作。然而,在德干地區製造的很少,但是這些非常罕見。除藝術吸引力外,皮奇瓦伊斯的目的是將克里希納的故事講述文盲。寺廟的設置具有不同的圖像,這些圖像會根據慶祝神靈的節日日曆進行了更改。

民間藝術

Pattachitra是位於印度東部奧里薩邦西孟加拉邦的傳統,基於布的捲軸繪畫的一般術語。 Pattachitra繪畫傳統與奧里薩邦對Jagannath勳爵的崇拜緊密相關。 Pattachitra的主題僅限於宗教主題。 Patachitra Artform以其複雜的細節以及刻在其中的神話敘事和民間故事而聞名。繪畫中使用的所有顏色都是天然的,繪畫是由Odiya Painter的Chitrakaras製成的完全古老的傳統方式。 Pattachitra繪畫風格是奧里薩邦最古老,最受歡迎的藝術形式之一。 Patachitras是古老的孟加拉敘事藝術的組成部分,最初是歌曲演奏期間的視覺設備。

Madhubani Art是印度繪畫的一種風格,在印度和尼泊爾的Mithila地區實行。該風格的特徵是複雜的幾何圖案,這些繪畫以代表用於節日,宗教儀式等特定場合的儀式內容而聞名。

沃利(Warli)是印度的另一種民間部落藝術形式。

孟加拉學校

孟加拉學校是一種藝術運動,是一種起源於孟加拉印度繪畫風格,主要是加爾各答Shantiniketan ,並在20世紀初的英國拉吉(British Raj)蓬勃發展。孟加拉學校以前衛的加德和民族主義運動的反應,對以前在印度宣傳的學術藝術風格做出反應,包括Raja Ravi Varma等印度藝術家和英國藝術學校。學校想建立一種獨特的印度風格,慶祝土著文化遺產。為了拒絕殖民美學, Abanindranath Tagore也轉向了中國和日本,目的是促進汎亞美學和遠東藝術中的元素,例如日本洗滌技術

其他的

19世紀的邁索爾女神薩拉斯瓦蒂(Saraswathi)

非洲人

當代藝術

1950年代

1960年代

1970年代

1980年代

1990年代

2000年代

繪畫類型

Francisco deZurbarán靜物與陶器罐西班牙語BodegónDeConfecentes )(1636年)(1636),油畫上的油,46 x 84 cm

寓言

寓言是一種表達的象徵性模式,傳達了文字以外的其他意義。寓言通過符號數字,動作或符號表示來傳達其信息。寓言通常被視為言辭的形象,但不必用語言表達寓言:它可以介紹給眼睛,並且經常在現實的繪畫中找到。一個簡單的視覺寓言的一個例子是Grim收割者的形象。觀眾了解到,死神的形像是死亡的象征代表。

Bodegón

Reza Abbasi兩個戀人(1630)

西班牙藝術中, Bodegón是一幅靜物繪畫,描繪了儲藏室的食品,例如田園,遊戲和飲料,經常放在簡單的石板上,也是一幅或多種數字的繪畫,但重要的靜物元素,通常是設置在廚房或小酒館裡。從巴洛克時期開始,這種畫在17世紀的第二季度在西班牙流行。靜物繪畫的傳統似乎已經開始,並且在當代低地國家,今天比利時和荷蘭(當時是佛蘭德和荷蘭藝術家),比在南歐南部更受歡迎。 Northern Still Lifes有許多子類別:早餐件Trompe-L'Il ,The Flower BouquetVanitas增強。在西班牙,這種事情的顧客少得多,但是一種早餐確實很受歡迎,其中有一些食品和餐具的物品放在桌子上。

圖繪畫

人物繪畫是任何繪畫媒體中的藝術作品,主要主題是人物,無論是衣服還是裸體。圖繪畫也可能是指創建此類作品的活動。自第一批石器時代洞穴繪畫以來,人物一直是藝術的對比主題之一,並且在整個歷史上都重新詮釋了各種風格。一些以人物繪畫而聞名的藝術家是彼得·保羅·魯本斯(Peter Paul Rubens)埃德加·德加斯(Edgar Degas )和ÉdouardManet

插圖繪畫

插圖畫是書籍,雜誌,戲劇或電影海報和漫畫書中的插圖。如今,人們對收集和欣賞原始藝術品的興趣越來越大。各種博物館展覽,雜誌和美術館都為過去的插畫家提供了空間。在視覺藝術世界中,與優秀藝術家和圖形設計師相比,插畫家有時被認為不太重要。但是,由於計算機遊戲和漫畫行業的增長,插圖變得越來越受歡迎且有利可圖的藝術品,這些藝術品可以比其他兩個市場,尤其是在韓國,日本,香港和美國更廣泛的市場。

中世紀抄本的插圖被稱為照明,並單獨手繪和繪畫。隨著15世紀印刷機發明的發明,書籍變得更加廣泛,經常用木刻說明。在美國,從1880年代之前到20世紀初,這導致了“插圖的黃金時代”。一小群插畫家變得非常成功,他們創建的圖像被認為是當時的美國願望的肖像。在那個時期最著名的插圖畫家中,是白蘭地學校NC WyethHoward PyleJames Montgomery FlaggElizabeth Shippen GreenJC LeyendeckerViolet Oakley ,Maxfield Oakley, Maxfield ParrishJessie Willcox SmithJohn Rea Neill 。 1905年,在法國,當代書協會委託保羅·喬夫(Paul Jouve)明魯德亞德·吉卜林(Rudyard Kipling)的叢林書。保羅·喬夫(Paul Jouve)將十年將本書的130幅插圖投入到這本書的130幅插圖上,這些插圖將仍然是Bibliophilia的傑作之一。

山水畫

安德烈亞斯·阿坎巴赫(Andreas Achenbach)西西里島海岸(1847年),沃爾特斯藝術博物館

景觀繪畫是一個術語,涵蓋了自然風光的描繪,例如山脈,山谷,樹木,河流,湖泊和森林,尤其是藝術,其中主要主題是廣闊的視野,其元素排列成一致的構圖。在其他作品中,人物的景觀背景仍然可以構成工作的重要組成部分。天空幾乎總是包含在視圖中,天氣通常是構圖的元素。在所有藝術傳統中都找不到詳細的景觀作為一個獨特的主題,並且在代表其他主題的複雜傳統時就會發展。西方繪畫中國藝術的這兩個主要傳統源於兩種情況下,可以追溯到一千年中。

肖像畫

內德·比丁(Ned Bittinger ), 《國會亞伯拉罕·林肯的肖像》 (2004年),美國國會

肖像畫是一個人的代表,其中臉部及其表達是主要的。目的是展示人的形象,個性,甚至是人的心情。肖像畫的藝術在古希臘,尤其是羅馬雕塑中蓬勃發展,在那裡,保姆要求個性化和現實的肖像,甚至是令人討厭的肖像。西方世界上最著名的肖像之一是萊昂納多·達·芬奇(Leonardo da Vinci )的畫作,名為《蒙娜麗莎》(Mona Lisa) ,這被認為是弗朗切斯科·德爾·喬生多(Francesco del Giocondo)的妻子麗莎·格拉迪尼(Lisa Gherardini)的肖像。

沃霍爾(Warhol)是20世紀最多產的肖像畫家之一。沃霍爾(Warhol)的畫是瑪麗蓮·夢露Marilyn Monroe )的瑪麗蓮(Marilyn)的瑪麗蓮(Marilyn)是他1960年代作品的標誌性早期例子,而流行歌手王子(Pop Singer Prince)的奧蘭治·普林斯(Orange Prince,1984)則是後來的例子,都表現出沃霍爾(Warhol)獨特的肖像畫風格。

靜物

Otto Marseus van Schrieck森林地板靜物(1666年)

靜物是一件藝術品,描繪了大多數無生命的主題,通常是常見的物體(食物,花朵,植物,岩石或貝殼)或人造(水杯,書籍,書籍,花瓶,珠寶,硬幣) ,管道等)。起源於中世紀和古希臘/羅馬藝術,與其他類型的主題(例如景觀肖像畫)相比,靜止的繪畫使藝術家在構圖中的設計元素的佈置使藝術家更有餘地。靜物繪畫,尤其是1700年之前,通常包含與所描繪的物體有關的宗教和寓言象徵主義。一些現代的靜物破壞了二維障礙,並採用了三維混合媒體,並使用了發現的對象,攝影,計算機圖形以及視頻和聲音。

Veduta

Veduta是一件高度詳細的,通常是大型的城市景觀或其他遠景繪畫。這種景觀類型起源於法蘭德斯(Flanders) ,在16世紀,保羅·布里爾(Paul Bril)等藝術家就在那裡畫了瓦特(Vedute) 。隨著大巡迴演出的行程變得有些標準化,諸如羅馬論壇或大運河之類的熟悉場景的文章召回了貴族英國人的早期企業。在19世紀後期,對城市景觀的更多個人印象取代了對地形準確性的渴望,而塗漆的全景則滿足了地形準確性。

也可以看看