無聲電影

一部無聲電影是一部沒有同步錄製的聲音的電影（或更一般地，沒有聽覺的對話）。儘管無聲的電影在視覺上傳達了敘事和情感，但各種情節元素（例如設置或時代）或對話的關鍵線可能可以在必要時使用互用卡傳達。

“無聲電影”一詞是一個錯誤的名字，因為這些電影幾乎總是伴隨著現場聲音。在1890年代中期至1920年代後期存在的沉默時代，鋼琴家，戲劇風琴家（甚至在大城市，一個小型樂團）都會經常演奏音樂來陪伴電影。鋼琴家和管風琴演奏者會從樂譜中演奏或即興演奏。有時，一個人甚至會為觀眾講述命令牌。儘管當時不存在與電影同步的技術，但音樂被視為觀看體驗的重要組成部分。 “無聲電影”通常用作描述在同步聲音發明之前描述電影時代的歷史術語，但它也適用於諸如城市燈光，現代和寂靜電影等聲音時代的電影 - 僅代替對話。

《無聲電影》一詞是一個倒退，這是一個旨在追溯將某些事物與以後發展區分開的術語。早期的聲音電影從1927年的爵士歌手開始，被稱為“談話”，“聲音電影”或“說話圖片” 。將電影與錄製的聲音相結合的想法比電影還要古老（在1877年愛迪生引入留聲機之後，幾乎提出了這一點），一些早期的實驗使投射師手動調整幀速率以適合聲音，但是由於技術涉及的挑戰，直到1920年代後期，隨著Audion放大器管的完美和Vitaphone系統的出現，同步對話的引入才變得實用。在十年之內，流行娛樂的無聲電影的廣泛製作已經停止，該行業已經完全進入了聲音時代，其中電影伴隨著同步的語音對話，音樂和聲音效果的聲音錄音。

大多數早期電影由於身體衰減而被認為是丟失的，因為那個時代使用的硝酸鹽膠片非常不穩定和易燃。此外，許多電影被故意摧毀，因為在那個時代，它們仍然可以忽略不計。人們經常聲稱，在美國產生的無聲電影中約有75％丟失了，儘管由於缺乏數值數據，這些估計值不准確。

元素和開始（1833-1894）

電影投影主要是從魔術燈籠展的演出中演變而成的，該節目利用玻璃鏡頭和持續的光源（例如強大的燈籠）從玻璃幻燈片上投射到牆上的圖像。這些幻燈片最初是手繪的，但是，在19世紀攝影出現之後，有時仍然使用照片。實際攝影設備的發明在電影院之前大約五十年。

1833年，約瑟夫高原（Joseph Plateau）用他的幻想曲（眾所周知的phacakistiscope ）介紹了頻鏡動畫原理。六年後，路易斯·達吉爾（Louis Daguerre）推出了第一個成功的攝影系統。最初，這些化學物質的光敏度不足以完全捕獲移動受試者。高原建議通過停止運動技術在1849年對立體照片進行動畫作用的早期方法。 Jules Duboscq在1852年生產了一個簡化的設備，但不是很成功。 1850年代後期，瞬時攝影的早期成功激發了開發動畫（立體聲）攝影系統的新希望，但是在接下來的二十年中，少數嘗試再次使用了定格動作技術。

1878年， Eadweard Muybridge使用一排十二台攝像機記錄了一匹跑步的馬（如其他人所建議的那樣），並以結果使世界感到驚訝，並以運動櫃中的馬牌發表，上面有一排小的靜止圖片。許多其他人開始使用年流照相術，並試圖使結果動畫和預測結果。 Ottomar Anschutz自1887年以來在他的Electrotachyscope上取得了很大的成功，在小牛奶玻璃屏幕或Coin-Slot的觀眾中顯示了非常清晰的動畫攝影圖像，直到他於1894年開始在大屏幕上投射這些圖像。幾秒鐘，並激發了愛迪生公司與從1893年開始的動力學鏡頭窺視盒觀眾中持續20秒的電影競爭。

無聲電影時代

Muybridge，Marey和Anschütz的作品為電影攝像機，投影儀和透明賽璐oid膜的未來發展奠定了基礎，這導致了我們今天所知道的電影的發展。美國發明家喬治·伊斯曼（George Eastman）於1878年首次製造了攝影乾板，於1888年以穩定的賽黴菌膜取得了進展。

電影的藝術在“沉默時代”（ 1894年在電影中- 1929年在電影中）變得完全成熟。沉默時代的高度（從1910年代初期的電影到1920年代末）是一個特別富有成果的時期，充滿了藝術創新。古典好萊塢以及法國印象派，德國表現主義和蘇聯蒙太奇的電影運動始於此時期。沉默的電影製片人開創了藝術形式，以至於幾乎是20世紀和21世紀電影製作的每種風格和流派都在沉默時代的藝術根源。從技術角度來看，沉默的時代也是一個開創性的時代。在1920年代後期的“說話圖片”或“談話”取代，三分照明，特寫鏡頭，遠射，平板和連續性編輯都變得很長時間。一些學者聲稱，在1930年代初期，電影的藝術質量降低了幾年，直到電影導演，演員和製作人員完全適應了1930年代中期左右的新“對講機”。

無聲電影的視覺質量（尤其是1920年代製作的電影）通常很高，但仍然存在廣泛的誤解，即這些電影是原始的，或者幾乎無法按照現代標準觀看。這種誤解來自公眾對媒介的不熟悉以及行業的粗心大意。大多數無聲的電影保存不佳，導致其惡化，保存完好的電影通常以錯誤的速度進行反擊，或者遭受審查剪裁，缺少的框架和場景的困擾，從而使編輯不佳。許多無聲電影僅以第二代或第三代的副本存在，通常是由已經受損和被忽視的電影庫存製成的。另一個廣泛的誤解是，無聲電影缺乏色彩。實際上，在寂靜電影中的色彩比在聲音電影的前幾十年中更為普遍。到1920年代初期，可以以某種顏色的形式看到80％的電影，通常以膠片著色或色染色，甚至是手工著色的形式，但也具有相當天然的兩色工藝，例如Kinemacolor和Technicolor 。傳統的著色過程停止了通過膠卷技術的採用。傳統的膜著色，所有這些都涉及以某種形式使用染料，並干擾了內置錄製的聲音所需的高分辨率，因此被放棄了。在1930年代中期引入的創新三架技術彩色過程的昂貴和充滿局限性，並且在電影中，顏色在近四十年中的攝影率不會像在錫倫特中一樣。

尖端

隨著電影的運行時間逐漸增加，內部口譯員需要替換，他們將向觀眾解釋電影的一部分。由於無聲電影沒有進行對話的同步聲音，因此使用屏幕上的題聲來敘述故事點，進行關鍵對話，有時甚至對觀眾的動作發表評論。標題作家成為無聲電影的關鍵專業人士，並且經常與創建故事的情景作家分開。題字（或當時通常稱為標題）“通常是圖形元素本身，其中包含插圖或抽象裝飾，以評論動作”。

現場音樂和其他聲音伴奏

寂靜電影的放映幾乎總是以現場音樂為特色，從1895年12月28日在巴黎的Lumière兄弟首次公開拍攝電影開始。 1896年，美國首次舉行的電影展覽會在美國的科斯特（Koster）和紐約市比爾音樂廳（Bial's Music Hall）舉行的第一部電影展覽。在此活動中，愛迪生（Edison）設定了所有展覽都應伴隨一個樂團的先例。從一開始，音樂就被認為是必不可少的，貢獻的氛圍，並給觀眾帶來了至關重要的情感提示。音樂家有時出於類似的原因在拍攝過程中在電影播放中演出。但是，根據展覽網站的大小，音樂伴奏可能會大大變化。小鎮和鄰里電影院通常有鋼琴家。從1910年代中期開始，大型城市劇院傾向於擁有音樂家或合奏音樂家。旨在填補簡單的鋼琴獨奏者和較大樂團之間的空白的大型劇院器官具有廣泛的特殊效果。諸如著名的“強大的Wurlitzer ”之類的戲劇器官可以模擬一些管弦樂的聲音以及許多打擊樂效果，例如低音鼓和cy彈，以及從“火車和船尾”到汽車喇叭和鳥哨子的聲音效果； 。有些人甚至可以模擬手槍射擊，鈴聲，衝浪的聲音，馬蹄，砸碎陶器，[和]雷雨和雨水”。

早期無聲電影的音樂分數是即興創作的，或者是由古典或戲劇性的曲目音樂彙編而成的。然而，一旦完整的功能變得司空見慣，音樂是由鋼琴演奏家，風琴演奏者，樂團指揮或電影製片廠本身從Photoplay音樂中彙編而成的，其中包括帶有電影的提示表。這些床單通常很長，有關於效果和心情要注意的詳細說明。從約瑟夫·卡爾·布雷爾（Joseph Carl Breil）為D. W. Griffith的《國家的誕生》 （1915年）創作的主要原始分數開始，對於最大的預算電影來說，以原始的，特別組成的分數來到展覽劇院變得相對普遍。然而，卡米爾·聖薩恩斯（Camille Saint-Saëns）於1908年成立了第一個指定的成熟分數，以暗殺吉斯公爵（Duke of Guise） ，而米哈伊爾·伊波利托夫·伊瓦諾夫（Mikhail Ippolitov-Ivanov）則為斯滕卡·拉辛（ Stenka Razin）組成。

當風琴師或鋼琴家使用樂譜時，他們仍然可能會增加即興創作的繁榮，以增強屏幕上的戲劇性。即使在樂譜中沒有指示特殊效果時，如果風琴演奏者正在演奏能夠具有異常聲音效果的劇院風琴，例如“疾馳的馬”，它將在戲劇性的馬背追逐場景中使用。

在沉默時代的高峰期，至少在美國，電影是樂器音樂家的最大就業來源。然而，引入對講機，再加上大蕭條的大致同時發作，這對許多音樂家來說都是毀滅性的。

許多國家設計了其他將聲音帶入無聲電影的方式。例如，巴西的早期電影院以Fitas Cantatas （唱歌電影）為特色，拍攝了歌手，歌手在屏幕後面表演。在日本，電影不僅具有現場音樂，而且還具有現場敘述者Benshi ，他提供了評論和角色的聲音。本什（Benshi）成為日本電影中的核心元素，並為外國（主要是美國）電影提供翻譯。本什（Benshi）的受歡迎程度是為什麼無聲電影一直持續到1930年代日本的原因之一。相反，正如本什（Benshi ）經常缺乏交匯處的那樣，現代觀眾有時可能會發現沒有專門的字幕或其他評論很難遵循這些地塊。

從1980年到現在的得分修復

從沉默時期，很少有電影分數倖存下來，而音樂學家在試圖精確地重建剩下的人時仍然面臨問題。當前的重新發行或無聲電影放映中使用的分數可能是構圖的完整重建，新成立的場合，是由已經存在的音樂庫組成的，或以無聲時代的戲劇音樂家的方式即興創作。

在1960年代和1970年代，對無聲電影評分的興趣有些過時。人們相信許多大學電影節目和曲目電影院，觀眾應該將無聲電影作為一種純粹的視覺媒介體驗，並沒有由音樂散佈。在當時許多無聲電影重印中發現的音樂曲目質量差的質量差，可能會鼓勵這種信念。自1980年左右以來，人們對以優質的音樂分數（時期分數或提示紙的返工或適當的原始分數的組成）展示無聲電影的興趣復興。這種早期的努力是凱文·布朗洛（Kevin Brownlow）的1980年《阿貝爾·甘斯（ Abel Gance ）的那不勒斯（Napoléon）（1927）的修復，以卡爾·戴維斯（Carl Davis）的成績為特色。弗朗西斯·福特·科波拉（Francis Ford Coppola）在美國分發了略微重新編輯的布朗洛修復版本，並由他的父親Carmine Coppola創作了現場的管弦樂樂譜。

1984年， Metropolis （1927）的編輯恢復被製片人Giorgio Moroder的新搖滾音樂得分發行。儘管當代樂譜包括弗雷迪·水星（Freddie Mercury） ，帕特·貝納塔（ Pat Benatar ）和Yes的喬恩·安德森（Jon Anderson）的流行歌曲是有爭議的，但門已經為呈現經典無聲電影的新方法打開了。

如今，許多獨奏家，音樂合奏和樂團在國際上為無聲電影表演了傳統和當代分數。傳奇的戲劇風琴師蓋洛德·卡特（Gaylord Carter）繼續表演並記錄他的原始無聲電影分數，直到2000年去世前不久。其中一些分數可在DVD重新發行上找到。傳統方法的其他供應商包括丹尼斯·詹姆斯（Dennis James）和鋼琴家等管風琴家，例如尼爾·布蘭德（Neil Brand） ，吉恩特·布赫瓦爾德（GünterBuchwald），菲利普·C·卡利（Philip C. Carli），本·莫特（ Ben Model ）和威廉·P·佩里（William P. Perry） 。其他當代鋼琴家，例如斯蒂芬·霍恩（Stephen Horne）和加布里埃爾·蒂博多（Gabriel Thibaudeau），經常採取更現代的得分方法。

卡爾·戴維斯（Carl Davis）和羅伯特（Robert Israel）等管弦樂隊的指揮已經為許多無聲電影寫了並編寫了分數。其中許多已在特納經典電影的表演中出現或在DVD上發行。戴維斯（Davis）為經典無聲戲劇（例如《大遊行》 （1925年）和弗雷什（Flesh and The Devil） （1927）等經典劇烈戲劇創作了新的分數。以色列主要從事無聲喜劇工作，為哈羅德·勞埃德（Harold Lloyd） ，巴斯特·基頓（Buster Keaton） ，查理·蔡斯（ Charley Chase ）等人的電影評分。蒂莫西·布羅克（Timothy Brock）除了構成新的分數外，還恢復了查理·卓別林（Charlie Chaplin ）的許多成績。

當代音樂合奏正在通過廣泛的音樂風格和方法向更廣泛的觀眾介紹經典的無聲電影。一些表演者使用傳統樂器創建新的作品，而另一些表演者則添加了電子聲音，現代和聲，節奏，即興創作和聲音設計元素，以增強觀看體驗。在此類別的當代合奏中包括聯合國院音樂Instantané ，合金樂團，俱樂部腳步樂團，無聲樂團，蒙特阿爾托電影樂團，Minima和Caspervek Trio， RPM Orchestra 。唐納德·索斯（Donald Sosin）和他的妻子喬安娜·西頓（Joanna Seaton）專門為無聲電影添加人聲，尤其是在屏幕上唱歌的情況下，從聽到實際的歌曲演唱中受益。這一類別的電影包括格里菲斯（Griffith）的《人行道女士》（Lady of Lad ）與盧佩·韋爾斯（LupeVélez） ，埃德溫·帕爾（Edwin Carewe）與多洛雷斯·德爾·里奧（DoloresdelRío）的埃夫傑琳（Edwin Carewe），以及魯珀特·朱利安（ Rupert Julian ）與瑪麗·菲爾賓（ Mary Philbin）和弗吉尼亞·皮爾森（ Virginia Pearson）一起的歌劇幻影。

無聲的電影聲音和音樂檔案庫將為無聲電影編寫的音樂和提示紙數字化，並使其可供表演者，學者和愛好者使用。

表演技術

無聲電影演員強調了肢體語言和面部表情，以便觀眾可以更好地理解演員在屏幕上的感覺和刻畫。許多無聲的電影表演易於使現代觀眾以簡單或野營的態度吸引現代觀眾。戲劇性的表演風格在某些情況下是從以前的舞台經歷中轉移出來的習慣演員。對於許多美國無聲電影演員來說，雜技節是一個特別受歡迎的起源。舞台演員在電影中的普遍存在是導演馬歇爾·尼蘭（ Marshall Neilan）在1917年爆發的原因：“舞台上的舞台人越早播放照片，圖片越好。”在其他情況下，約翰·格里菲斯·雷（John Griffith Wray）等董事要求其演員提供比生命大的表達方式以重點進行的。早在1914年，美國觀眾就開始知道他們對屏幕上更自然的偏愛。

隨著舞台和屏幕之間的差異顯而易見，在1910年代中期，無聲電影變得越來越少。由於諸如DW Griffith之類的導演的工作，攝影變得更少，舞台的發展較低，並且特寫鏡頭的發展允許低調和現實的表演。莉蓮·吉什（Lillian Gish）在此期間的作品中被稱為電影的“第一位真正女演員”，因為她開創了新電影表演技巧，並認識到舞台和屏幕表演之間的關鍵差異。阿爾伯特·卡佩拉尼（Albert Capellani）和莫里斯·杜爾尼爾（ Maurice Tourneur）等導演開始堅持他們的電影中的自然主義。到1920年代中期，許多美國無聲電影採用了更自然的表演風格，儘管並非所有的演員和導演都接受了自然主義的，低調的表演。直到1927年，以表演主義表​​演風格（例如大都市）為特色的電影仍在發行。格雷塔·加伯（Greta Garbo）的第一部美國電影於1926年發行，他以自然主義的表演而聞名。

據加利福尼亞大學伯克利分校的一名無聲電影學者安東·卡斯（Anton Kaes）稱，美國寂靜電影開始看到1913年至1921年之間的演戲技術轉變，受到德國無聲電影中的技術的影響。這主要歸因於魏瑪共和國的移民湧入，包括電影導演，製片人，攝影師，照明和舞台技術人員以及演員和女演員”。

投影速度

直到1926年至1930年之間的聲音膜的預測速度標準化每秒24幀（FPS）為止，靜音膠片以可變速度（或“幀速率”）拍攝到12到40 fps的任何位置，具體取決於年份和工作室。 。由於LumièreBrothers的Cinématographe ，“標準的無聲電影速度”通常被認為是16 fps，但行業實踐差異很大。沒有實際標準。愛迪生員工威廉·肯尼迪·勞裡·迪克森（William Kennedy Laury Dickson）定居在每秒40幀的驚人速度。此外，該時代的攝影師堅持認為他們的曲柄技術正好是16 fps，但對電影的現代考試表明這是錯誤的，並且他們經常更快地曲柄。除非以預期的速度精心示意，否則靜音膠片會顯得不自然或慢。但是，在射擊過程中，有意將某些場景有意加速，以加速行動，尤其是喜劇和動作電影。

纖維素硝酸鹽鹼膜的緩慢投影帶來了火的風險，因為每個框架都會長時間暴露於投影燈的強烈熱量。但是還有其他原因可以更大的速度拍攝電影。通常，預測師在音樂導演的提示表上收到了分銷商的一般說明，以了解應該投影的速度速度或場景。在極少數情況下，通常是針對大型製作的，專門為投影師生產的提示紙提供了詳細的指南來展示電影。劇院還（最大限度地提高利潤），有時會根據一天中的時間或受歡迎程度，或者將電影放入規定的時段。

所有動作膠片投影儀都需要移動的快門來遮擋膜移動時遮擋光線，否則圖像會朝著機芯的方向塗抹。但是，此快門會導致圖像閃爍，並且閃爍率低的圖像非常令人不愉快。托馬斯·愛迪生（Thomas Edison）對他的動力學機器的早期研究確定，每秒低於46張圖像的任何速率“都會扭曲眼睛”。對於在正常電影條件下的投影圖像也是如此。動力學採用的解決方案是以40幀/秒的速度運行膠卷，但這對於電影來說很昂貴。但是，通過使用帶有雙刀片和三葉片快門的投影儀，閃爍速率比膠片框架的數量高兩到三倍，每個框架在屏幕上閃爍了兩次或三次。投影16 FPS電影的三葉快門將略微超過愛迪生的身影，每秒為觀眾提供48張圖像。在沉默的時代，投影儀通常裝有3葉百葉窗。自從引入24幀/秒標準速度2葉片百葉窗的聲音以來，這已成為35毫米電影放映機的常態，儘管三片百葉窗在16毫米和8毫米的投影儀上仍然是標準配置，這些百葉窗經常用於投影業餘投影鏡頭以16或18幀/秒拍攝。 24 fps的35毫米膠片框架速率轉化為456毫米（18.0英寸）的膠片速度。一個1,000英尺（300 m）的捲軸需要以24 fps的速度預測11分鐘7秒，而同一捲軸的16 fps投影將需要16分40秒，或每秒304毫米（12.0英寸）。

在1950年代，廣播電視的許多電信對無聲電影的電信轉換可能使觀眾疏遠了。在當今的Silents介紹中，電影速度通常是學者和電影迷的煩惱問題，尤其是在涉及恢復的電影的DVD發行時，例如2002年《 Metropolis恢復》的情況。

著色

由於缺乏可用的天然色彩處理，沉默時代的電影經常被浸入染料上，並染色各種陰影和色調，以表明心情或代表一天中的時間。手工著色的歷史可以追溯到1895年在美國，愛迪生髮行了精選的蝴蝶舞蹈手印。此外，彩色膠片的實驗早在1909年就開始了，儘管該行業花了更長的時間才能採用顏色，並開發了有效的過程。藍色代表夜景，黃色或琥珀的意思是一天。紅色代表火和綠色代表著一種神秘的氛圍。同樣，使用特殊溶液的膠片（例如，棕褐色的常見膠片概括）的調音將膠片中的銀顆粒用各種顏色的鹽或染料代替。色彩和碳調味的結合可以用作可能引人注目的效果。

一些電影是手工印刷的，例如來自愛迪生工作室的Annabelle Serpentine Dance （1894）。在其中，百老彙的年輕舞者安娜貝爾·惠特福德（Annabelle Whitford）穿著白色面紗，在跳舞時似乎會改變色彩。該技術旨在捕獲Loie Fuller的現場表演的效果，從1891年開始，在舞台上，帶有彩色凝膠的舞檯燈使她的白色流動連衣裙和袖子變成了藝術運動。手工著色通常是在歐洲的早期“技巧”和幻想電影中使用的，尤其是喬治·梅利斯（GeorgesMéliès）的電影。梅利斯（Méliès）早在1897年就開始掌握自己的作品，1899年的Cendrillion （Cinderella）和1900年Jeanne d'Arc （Arc的瓊（Joan of Arc）提供了早期的手工塗層典型的例子，其中顏色是場景圖或Mise的關鍵部分enscène ;這種精確的著色使用了巴黎的伊麗莎白·瑟利爾（Elisabeth Thuillier）的研討會，而女藝術家團隊則用手為每個框架增添色彩，而不是使用更常見的（且價格較低）的編制過程。最初於1902年發行的梅利斯（Méliès）的新版本的梅利斯（Méliès）登月之旅，顯示出旨在為圖像增加紋理和興趣的顏色的旺盛使用。

美國發行人在1908年的電影供應目錄中發表的評論進一步強調了法國在早期沉默時代在手工彩色電影領域的持續統治地位。分銷商以不同的價格出售，由Pathé ， Urban-Eclipse ， Gaumont ， Kalem ， Itala Film ， Ambrosio Film和Selig製作的“高級”電影。標準的黑白“普通股票”以及“手繪”顏色都提供了目錄中的幾部更長，更負盛名的電影。例如，1907年發行版本的純儲物副本以120美元的價格提供（今天$ 3,908美元），而同一1000英尺，15分鐘的電影的彩色版本的價格為270美元（8,794美元），包括額外的$ 150顏色充電，每英尺高15美分。儘管引用額外費用的原因對客戶來說可能很明顯，但分銷商解釋了為什麼他的目錄的有色電影的命令要高得多，並且需要更多的時間進行交付。他的解釋還提供了對1908年美國電影色彩服務總體狀態的見解：

電影膠片的著色是在美國無法令人滿意地執行的一系列工作。鑑於涉及的大量勞動力，要求對腳部的每張16張圖片中的每張一張單獨的手繪畫，或者每1,000英尺的電影的單獨圖片，很少有美國的調色師以任何價格進行作品。
由於法國電影著色的進步要比任何其他國家的進步要快得多，因此我們所有的著色都是由巴黎最好的著色機構為我們完成的，我們發現我們獲得了更高的質量，更便宜的價格和更快的交付美國製作的電影，而不是在其他地方完成的工作。

到1910年代初，隨著長篇電影的發作，著色被用作另一個情緒播放器，就像音樂一樣司空見慣。導演D. W. Griffith對顏色表現出了不斷的興趣和關注，並在他的許多電影中都將著色作為特殊效果。他的1915年史詩《一個國家的誕生》使用了多種顏色，包括琥珀色，藍色，薰衣草和醒目的紅色色彩，例如“亞特蘭大的燃燒”以及圖片高潮時Ku Klux Klan的騎行。格里菲斯（Griffith）後來發明了一個顏色系統，其中顏色的燈光在屏幕的區域閃爍以達到顏色。

隨著聲音技術技術技術的發展及其對其的接受，著色被完全放棄了，因為在著色過程中使用的染料會干擾膠卷中存在的配樂。

早期的工作室

早期的工作室位於紐約市地區。愛迪生工作室（Edison Studios）是新澤西州西奧蘭治（1892）的第一名，他們被搬到紐約布朗克斯（1907年）。福克斯（1909）和《傳記》（1906年）在曼哈頓開始，工作室在史泰登島的聖喬治。其他電影是在新澤西州李堡拍攝的。 1908年12月，愛迪生領導了電影專利公司的成立，試圖控制該行業並關閉較小的生產商。暱稱為“愛迪生信託”，由愛迪生，傳記，埃塞那耶工作室，卡勒姆公司，喬治·克萊恩（George Kleine Productions ） ，喬治·克萊恩（ George Kleine Productions） ，盧賓（ Lubin電影公司。這家公司既是垂直壟斷企業，又是該行業的主導地位，並且是工作室向西海岸的遷移的一個促成因素。 1915年10月，《電影專利公司》和《通用電影公司》被判犯有反托拉斯違規罪，並被解散。

Thanhouser Film Studio於1909年由美國戲劇性Edwin Thanhouser於1909年在紐約新羅謝爾（New Rochelle）成立。該公司在1910年至1917年之間製作並發行了1,086部電影，其中包括第一部電影《百萬美元之謎》於1914年發行。第一部西方人是在史坦頓島南海灘的弗雷德·斯科特（Fred Scott）的電影牧場上拍攝的。演員穿著牛仔和美洲原住民在斯科特的電影牧場套裝中疾馳而服裝，後者有一條前沿的大街，各種各樣的舞台和56英尺的野馬。該島為與撒哈拉沙漠和英國板球場地一樣多樣的地點提供了可服務的替身。戰爭場面是在史坦頓島格拉斯米爾平原上拍攝的。 Pauline及其更受歡迎的續集《 Elaine的漏洞》的危險主要在島上拍攝。埃德溫·波特公司（Edwin S.

在美國，備受讚譽的無聲電影

一個國家誕生的海報（1915）

Ben-Hur的海報（1925）

截至1932年，以下是《無聲電影時代》中的美國電影，其總收入最高。給出的金額是總租金（票房分銷商的份額），而不是展覽總額。

在聲音時代

過渡

儘管創建同步電影的嘗試回到1896年的愛迪生實驗室，但從1920年代初開始，才是基本技術，例如真空管放大器和高質量的揚聲器。在接下來的幾年中，一場設計，實施和銷售幾個競爭對手的聲音和聲音聲音形式，例如Photokinema （1921）， Phonofilm （1923）， Vitaphone （1926），Fox MovieTone（ Fox Movietone ）（ 1927年）和RCA Photophone （1928）。

華納兄弟公司（Warner Bros.該工作室隨後於1927年發行了《爵士歌手》 ，這是第一部商業上成功的聲音電影，但《無聲電影》仍然是1927年和1928年發行的大多數作品，以及所謂的山羊蓋式電影：寂靜的電影：帶有一小部分插入聲膠片。因此，現代聲音電影時代可能被認為是從1929年開始的統治地位。

有關著名的無聲時代電影的列表，請參閱電影開始與1928年之間的幾年中的年份清單。以下列表僅包括在聲音時代製作的電影，具有保持沉默的特定藝術意圖。

• 城市女孩， FW Murnau ，1930年
• Earth ， Aleksandr Dovzhenko ，1930年
• 沉默的敵人，惠普雕刻師，1930年
• 邊界，肯尼斯·麥克弗森（Kenneth MacPherson） ，1930年
• 城市燈，查理·卓別林（Charlie Chaplin） ，1931年
• Tabu ，FW Murnau，1931年
• 我出生了，但是... ， YasujirōOzu ，1932年
• 經過幻想，YasujirōOzu，1933年
• 女神，吳東岡，1934年
• 浮雜草的故事，YasujirōOzu，1934年
• 奧森（Osen）的倒台，肯吉·米佐格（Kenji Mizoguchi） ，1935年
• Legong ， Henri de la Falaise ，1935年
• 東京的一家旅館，YasujirōOzu，1935年
• 幸福， Aleksandr Medvedkin ，1935年
• 宇宙航行，Vasili Zhuravlov，1936年

以後致敬

幾位電影製片人向寂靜時代的喜劇片致敬，包括現代的查理·卓別林（ Charlie Chaplin ）（1936年），奧爾森·威爾斯（Orson Welles），約翰遜（1938）（1938年），雅克·塔蒂（Jacques Tati），雅克·塔蒂（Jacques Tati）與萊斯·蒙西爾·赫洛特（Les Voadances de Monsieur Hulot ）（1953），皮埃爾·埃塔克斯（ Pierre Etaix），皮埃爾·埃塔克斯（Pierre Etaix），皮埃爾·埃塔克斯（Pierre Etaix） Suitor （Suitor（1962）和Silent Movie的Mel Brooks （1976）。台灣導演霍·霍西恩（Hou Hsiao-Hsien）著名的戲劇（2005年）在其中間的第三局中保持沉默，並帶有插曲。斯坦利·圖奇（Stanley Tucci）的冒名頂替者以早期無聲喜劇的風格開了一個開放的沉默序列。巴西電影製片人雷納托·法爾卡（RenatoFalcão）的瑪格麗特（Margarette）的盛宴（2003年）保持沉默。作家 /導演邁克爾·普萊克蒂斯（Michael Pleckaitis）與《沉默》 （Si​​lent）融為一體（2007年）。 Bean Television系列和電影並不保持沉默，但它利用了標題角色的非說話性質來創造類似的幽默風格。一個鮮為人知的例子是JérômeSavary'sLa Fille du Garde-barrière （1975），這是一種敬意，敬意使用Intertitles和Blends Comedy，戲劇和明確的性愛場面（導致拒絕了電影院證書，由英國電影分類委員會）。

1990年，查爾斯·萊恩（Charles Lane）導演並出演了人行道的故事，這是對感性的無聲喜劇的低預算致敬，尤其是查理·卓別林（ Charlie Chaplin ）的孩子。

德國電影圖瓦盧（ Tuvalu ，1999）大多是沉默的。少量對話是歐洲語言的奇怪組合，從而增加了電影的普遍性。蓋伊·麥丁（Guy Maddin）以向蘇聯時代的無聲電影致敬而獲得了獎項，以他的短暫的世界心中的心臟，他成為了長篇小說的沉默無聲的品牌！ （2006年），在某些表演中納入現場弗利藝術家，敘事和樂團。吸血鬼的影子（2000）是對弗里德里希·威廉·穆努（Friedrich Wilhelm Murnau ）經典的寂靜吸血鬼電影諾斯費拉圖（ Nosferatu ）（1922年）的拍攝的高度虛構描述。 Werner Herzog在自己的版本Nosferatu：Phantom der Nacht （1979）中表彰了同一部電影。

一些電影在沉默電影時代和對話時代之間形成了直接對比。 Sunset Boulevard展示了諾瑪·戴斯蒙德（Norma Desmond）的兩個時代之間的脫節，由寂靜電影明星格洛里亞·斯旺森（ Gloria Swanson）飾演，在雨中唱歌，與好萊塢藝術家在雨中進行了調整。彼得·博格達諾維奇（Peter Bogdanovich） 1976年的電影尼克（Nickelodeon）在1910年代初期涉及好萊塢無聲電影製作的動盪，導致D. W. Griffith的史詩般的《國家的誕生》 （1915年）。

1999年，芬蘭電影製片人AkiKaurismäki用黑白製作了Juha ，該Juha使用插曲代替了口語對話，從而捕捉了無聲電影的風格。使用幾種不同語言的特殊發行版本用於國際發行。在印度，由卡馬爾·哈桑（Kamal Haasan ）主演的電影普什帕克（ Pushpak ，1988）是一部完全沒有對話的黑人喜劇。澳大利亞電影醫生Plonk （2007）是由Rolf de Heer執導的無聲喜劇。舞台戲劇借鑒了無聲的電影風格和來源。演員/作家比利·範·贊德（Billy Van Zandt）和簡·米爾莫爾（Jane Milmore）上演了他們的百老匯鬧劇喜劇《無聲笑聲》 ，作為對寂靜的銀幕時代的現實動作。 Geoff Sobelle and Trey Lyford created and starred in All Wear Bowlers (2004), which started as an homage to Laurel and Hardy then evolved to incorporate life-sized silent film sequences of Sobelle and Lyford who jump back and forth between live action and the silver螢幕.動畫電影《幻想曲》 （Fantasia，1940年）是八個不同的動畫序列，可以被視為一部無聲電影，只有一個涉及對話的短片。間諜電影《 The Thief》 （The The Thief，1952）具有音樂和聲音效果，但沒有對話， ThierryZéno的1974年Vase de Noces和Patrick Bokanowski的1982年天使也是如此。

2005年， H。P。Lovecraft歷史學會製作了Lovecraft的故事《 Cthulhu Call of Cthulhu》的無聲電影。這部電影保持了時期精確的拍攝風格，並被視為“迄今為止的最佳HPL改編”，並提到將其作為無聲電影的決定，“一位出色的Conceit”。

法國電影《藝術家》（The Artist ）（2011）由米歇爾·哈扎納維修斯（Michel Hazanavicius）撰寫和執導，作為一部無聲電影，並在沉默時代的好萊塢定於好萊塢。它還包括由主角主演的虛擬寂靜電影的部分。它獲得了奧斯卡最佳圖片獎。

日本吸血鬼電影《野生動物》（Sanguivorof） （2011）不僅以無聲電影的風格進行，而且還與現場管弦樂伴奏一起巡迴演出。尤金·查德本（Eugene Chadbourne）一直是那些為這部電影播放現場音樂的人之一。

Blancanieves是一部由Pablo Berger執導和導演的2012年西班牙黑白無聲幻想戲劇電影。

美國長篇小說《沉默的寂靜生活》始於2006年，以伊莎貝拉·羅塞利尼（Isabella Rossellini ）和米拉·喬沃維奇（ Milla Jovovich）的母親伊莎貝拉·羅塞里尼（Isabella Rossellini）和加利納·喬沃維奇（ Galina Jovovich）的表演為特色。好萊塢的第一個“偉大情人”。緊急手術後，瓦倫蒂諾（Valentino錯覺。

野餐是一部2012年的短片，以兩卷寂靜的旋律和喜劇風格製作。它是展覽的一部分，沒有觀眾：《燃燒人的藝術》，這是一場2018 - 2019年的展覽，由史密森尼美國藝術博物館的倫威克畫廊策劃。這部電影在一部小型12個座位的裝飾藝術電影《宮殿》中放映，該電影名為國會大廈劇院，由加利福尼亞州奧克蘭製作。藝術集體五噸起重機。

就在2013年的短片中，這是對無聲電影喜劇的敬意。

2015年英國動畫電影Shaun的綿羊電影以Shaun為基礎的綿羊發行了積極的評論，並取得了成功。 Aardman動畫還製作了Morph和Timmy的時間以及許多其他無聲的短片。

美國劇院風琴協會向無聲電影的音樂以及演奏此類音樂的劇院器官致敬。該組織擁有超過75個本地章節，旨在保護和推廣戲劇器官和音樂作為一種藝術形式。

Globe International Silent Film Festival（GISFF）是每年在著名的大學或學術環境中舉行的電影和氛圍的年度活動，它是活躍於該領域的電影製片人的表演和評判電影的平台。 2018年，電影導演克里斯托弗·安妮諾（Christopher Annino）拍攝了現已獲得國際屢獲殊榮的《無聲電影《沉默時報》 。這部電影向1920年代的許多角色致敬，包括大衛·布萊爾（David Blair）扮演的Keystone官員； Enzio Marchello刻畫了Charlie Chaplin角色。 《寂靜時報》在Oniros電影節上贏得了最佳的無聲電影。該故事坐落在一個新英格蘭小鎮上，以奧利弗·亨利三世（Oliver Henry III）（由韋斯特利本地人傑夫·布蘭切特（Geoff Blanchette）飾演），這是一個小騙子變成雜耍劇院的老闆。從英格蘭的謙虛開始，他將移民到美國尋求幸福和快速現金。隨著他的命運興起，他的生活越來越失控，他與各行各業的人們相識，從滑稽表演者，啞劇，流浪漢到經典的flapper女孩。

保存和失落的電影

19世紀末和20世紀初製作的絕大多數沉默電影都被認為丟失了。根據美國國會圖書館發表的2013年9月的報告，約有70％的美國沉默故事片屬於這一類別。這個數字如此之高的原因有很多。有些電影無意中丟失了，但大多數無聲電影故意被摧毀。在沉默時代的末尾和家庭視頻的興起之間，電影製片廠通常會出於釋放檔案存儲的願望而丟棄大量的無聲電影，假設他們失去了文化意義和經濟價值來證明這一點合理他們佔據的空間數量。此外，由於用於拍攝和分發無聲電影的硝酸鹽薄膜庫存的脆弱性，許多電影已經無法挽回地惡化或丟失了，包括大火（因為硝酸鹽高度易燃，並且在存儲不當時可能會燃燒時， ）。此類事件的例子包括1965年的米高梅保力火和1937年的福克斯保險庫大火，這兩者都造成了災難性的電影損失。許多這樣的電影沒有完全被摧毀，或者僅部分生存，或者被嚴重破壞的印刷品。電影收藏家和歷史學家引起了極大的興趣。

假定失落的主要無聲電影包括：

• Fairylogogogogogogogogogoy （1908）
• 從泰坦尼克號（Titanic）（1912）中得救，該泰坦尼克（1912）以災難的倖存者為特色；
• 維拉將軍的生活，由Pancho Villa本人主演
• 使徒，第一部動畫片（1917）
• 克婁巴特拉（1917）
• 再次吻我（1925）
• Arirang （1926）
• Great Gatsby （1926）
• 午夜之後（1927年）
• 愛國者（1928年），唯一失去的圖片提名人；只有拖車才能倖存
• 紳士更喜歡金發（1928年）

儘管大多數迷失的無聲電影將永遠不會被錄製，但有些是在電影檔案或私人收藏中發現的。發現和保存的版本可能是為1920年代和1930年代的房地產租賃市場製作的版本，在房地產銷售中發現。向數字媒體保存。對於歷史學家和檔案管理員來說，保持無聲電影一直是重中之重。

道森電影發現

在加拿大育空地區的道森市曾經是許多電影的發行線的盡頭。 1978年，在1903年的Dawson業餘體育協會（Dawson Amateur Athletic Association）的空置地點發掘時發現了超過500卷硝酸鹽膠片的緩存。 1903年。包括福爾摩斯，格蕾絲·庫納德，路易斯·韋伯，哈羅德·勞埃德，道格拉斯·費爾班克斯和朗·卡尼等，以及許多新聞媒體。這些標題一直存放在當地圖書館，直到1929年，當時易燃的硝酸鹽被用作譴責的游泳池中的垃圾填埋場。在育空地區的永久凍土下度過了50年，捲軸保存得非常好。由於其危險的化學波動性，歷史發現是通過軍事運輸到加拿大圖書館和檔案館和美國國會圖書館存儲（並轉移到安全電影）的。關於發現，道森城：冷凍時間的紀錄片，於2016年發行。

電影節

北美有一年一度的無聲電影節。

• “ Capitolfest”，在紐約羅馬的國會大廈劇院。
• 在密蘇里州堪薩斯城的堪薩斯城音樂廳舉行的“堪薩斯無聲電影節”。
• “舊金山無聲電影節”，在加利福尼亞州舊金山的卡斯特羅劇院。
• 在安大略省多倫多的福克斯劇院，“多倫多無聲電影節”。

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