水彩繪畫

使用圓形刷在水彩上工作的藝術家
Love's Messenger ,1885年的水彩和彩票瑪麗·斯巴達利·斯蒂爾曼

水彩美國英語)或水彩畫英式英語;見拼寫差異),也是Aquarelle法語: [akwaʁɛl] ;從拉丁水上“水”的意大利小小的繪畫方法中,其中塗料由懸掛在水基溶液中的顏料製成。水彩是指培養基和由此產生的藝術品。專家被專家稱為水溶性墨水而不是現代水顏色的水族粒子稱為Aquarellum Atramento拉丁語“用墨水製成的水族”)。但是,該術語現在傾向於無用。

水彩是水彩畫的傳統和最常見的支撐物 - 用於水彩畫的材料。其他支撐物或底物包括石頭,象牙,絲綢,蘆葦,紙莎草紙,樹皮,塑料,牛皮紙,皮革織物,木材和水彩畫帆布(塗有專門配製用於水彩的gesso)。水彩紙通常完全或部分用棉製成。這使表面具有適當的質地,並在濕時最小化失真。水彩紙通常是冷壓紙,可提供更好的質地和外觀,重量至少300 GSM。除了素描以外,通常不建議使用300 GSM。透明度是水彩畫的主要特徵。通過添加中國白色,也可以使水彩畫不透明。這不是在“真正的水彩”(傳統)中使用的方法。

水彩畫是一種古老的繪畫形式,即使不是最古老的藝術本身。在東亞,帶有墨水的水彩畫稱為刷子繪畫或滾動繪畫。在中文韓國日本繪畫中,它一直是主要的媒介,通常是在單色的黑色或棕色中,通常是使用墨水或其他顏料。印度,埃塞俄比亞和其他國家也擁有悠久的水彩繪畫傳統。

許多西方藝術家,尤其是在19世紀初期,主要使用水彩作為草圖工具,為石油或雕刻中的“完成”作品做準備。直到18世紀末,傳統的水彩畫被稱為“有色圖紙”。

歷史

水彩藝術可以追溯到舊石器時代歐洲的洞穴繪畫,並且至少從埃及時代起就被用於手稿插圖,在歐洲中世紀尤其突出。但是,它作為藝術媒介的持續歷史始於文藝復興時期。德國北部文藝復興時期的藝術家AlbrechtDürer (1471–1528)普遍認為是最早的水彩顏色例子之一,他繪製了幾種優質的植物,野生動植物和景觀水彩畫。作為杜勒文藝復興時期的一部分,漢斯·博爾( Hans Bol ,1534- 1593年)領導了德國一所重要的水彩畫學校。

A painting of a hare with large ears.
阿爾布雷希特·杜勒(AlbrechtDürer)年輕野兔,1502年,水彩和身體顏色艾伯蒂娜,維也納

儘管很早就開始,但巴洛克式畫架畫家通常僅使用水彩畫,僅用於素描,副本或漫畫(全尺度設計圖紙),著名的水彩畫繪畫早期從業者是范·戴克(Van Dyck )(在英格蘭逗留期間),克勞德·洛雷蘭,以及許多荷蘭佛蘭德藝術家。但是,植物插圖野生動植物的插圖可能構成了水彩畫中最古老,最重要的傳統。在文藝復興時期,植物插圖在書籍或寬片中是手工印章的插圖以及在牛皮紙或紙上的有色墨水圖中流行。傳統上,植物藝術家一直是一些最嚴格和最有成就的水彩畫家,即使到了今天,水彩畫(以其獨特的總結,澄清和理想化的能力)都用於說明科學和博物館出版物。野生動植物的插圖在19世紀與約翰·詹姆斯·奧杜邦(John James Audubon)等藝術家達到了頂峰,如今,許多博物學家現場指南仍在用水彩畫繪畫來闡明。

英語學校

有幾個因素導致18世紀水彩畫的傳播,尤其是在英國。在精英和貴族階級中,水彩畫是良好教育的偶然裝飾之一。地圖製造商,軍官和工程師對其在描繪房地產,地形,防禦工事,實地地質以及插圖公共工程或委託項目的有用性。水彩藝術家通常是由Dilettanti學會(成立於1733年)資助的地質或考古探險的,以記錄在地中海,亞洲和新世界的發現。這些探險刺激了對地形畫家的需求,他們沿著大巡迴演出的意大利巡迴演唱會捕捉了著名景點(和景點)的紀念品,這是當時每個時代的年輕人進行的。

在18世紀後期,英國牧師威廉·吉爾平(William Gilpin)撰寫了一系列流行的書籍,描述了他在英格蘭農村地區風景如畫的旅程,並用自製的情感化的單色單色水彩河水,古老的城堡和廢棄的教堂進行了說明。這個例子將水彩作為個人旅遊日記的一種形式。這些文化,工程,科學,旅遊和業餘利益的融合最終導致水彩作為一種明顯的英語“民族藝術”的慶祝和推廣。威廉·布萊克(William Blake)出版了幾本手工刻有詩歌的書,為但丁的地獄提供了插圖,他還嘗試了水彩畫中的大型單型作品。在這一時期的許多其他重要水彩家中,包括托馬斯·蓋恩斯伯勒(Thomas Gainsborough)約翰·羅伯特·庫森斯(John Robert Cozens),弗朗西斯·湯恩( Francis Towne) ,邁克爾·安吉洛( Michael Angelo Rooker),威廉·帕爾斯William Pars) ,托馬斯·霍恩( Thomas Hearne )和約翰·沃里克·史密斯(John Warwick Smith)

托馬斯·金( Thomas Girtin

從18世紀後期到19世紀,印刷書籍和家庭藝術的市場為媒介的增長做出了重大貢獻。水彩被用作基本文件,開發了可收藏的景觀或旅遊雕刻,並用手繪水彩作品或著名繪畫的副本有助於許多上層階級的藝術品組合。魯道夫·阿克曼(Rudolph Ackermann)出版的許多人托馬斯·羅蘭森(Thomas Rowlandson)的諷刺性寬廣的寬廣還非常受歡迎。

保羅·桑德比( Paul Sandby )(1730-1809)將三位英國藝術家稱為獨立,成熟的繪畫媒介,通常被稱為“英國水彩之父”;托馬斯·吉金(Thomas Girtin ,1775– 1802年),他率先用於大型,浪漫或風景如畫的景觀繪畫;約瑟夫·馬洛德·威廉·特納(Joseph Mallord William Turner )(1775– 1851年)將水彩畫的繪畫帶入了最高的力量和精緻,並創造了數百種出色的歷史,地形,建築和神話水彩畫。他在階段開發水彩畫的方法,從濕紙上建立的大,模糊的顏色區域開始,然後通過一系列洗滌和釉料來完善圖像,使他能夠用“車間效率”製作大量的繪畫一位千萬富翁,部分是由於他的個人美術館的銷售,這是第一個同類。特納(Turner)和吉金(Girtin)的重要且高度才華橫溢的同時代人包括約翰·瓦利(John Varley ),約翰·塞爾·科特曼(John Sell Cotman) ,安東尼·科普利·菲爾丁( Anthony Copley Fielding ),塞繆爾·帕爾默(Samuel Palmer) ,威廉·哈維爾( William Havell )和塞繆爾·普魯特(Samuel Prout )。瑞士畫家亞伯拉罕·路易斯 - 羅德福·杜克羅斯(Abraham-Louis-Rodolphe Ducros)也以他在水彩畫中的浪漫繪畫而廣為人知。

威廉·貝里曼(William Berryman)的未完成的水彩畫,使用水彩,墨水和鉛筆在1808年至1816年之間創作。部分色素沉著的使用引起了人們對中心主題的關注。
牧師學院的遺體,喬治·湯森(George Townsend)的埃克塞特(Exeter ; 1885年。

業餘活動,出版市場,中產階級藝術收集和19世紀技術的融合導致了英國水彩畫社會的形成:水彩畫中畫家學會(1804年,現在稱為皇家水彩學會)和新的水色協會(1832年,現在被稱為水彩畫的皇家畫家研究所)。 (蘇格蘭水彩畫家的蘇格蘭畫家學會成立於1878年,現在被稱為水彩畫中的皇家蘇格蘭畫家學會。​​)這些社會為許多藝術家提供了年度展覽和買家推薦。他們還參與了瑣碎的競爭和審美辯論,特別是在傳統(“透明”)水彩顏色的擁護者與具有身體色或水粉的濃密顏色的早期採用者之間(“不透明”水彩)。佐治亞州晚期和維多利亞時期的時期生產了英國水彩的頂峰,這是最令人印象深刻的19世紀作品,這是由於藝術家特納,瓦萊,瓦利,科特曼大衛·考克斯,彼得·德·韋特·亨利·亨利·亨利·亨利·亨利·亨利·亨利約翰·弗雷德里克·萊維斯,邁爾斯·伯克特·伯克特·伯克特·伯克特·比克特福斯特弗雷德里克·沃克托馬斯·科利爾亞瑟·梅爾維爾等。特別是,理查德·帕克斯·邦寧頓(Richard Parkes Bonington )的優雅,絨毛和大氣水彩畫(“流派繪畫”)創造了一種國際水彩畫的時尚,尤其是在1820年代在英格蘭和法國。在19世紀下半葉,肖像畫家弗雷德里克·哈維爾(Frederick Havill)成為在英格蘭建立水彩畫的關鍵人物。藝術評論家亨特利·卡特(Huntly Carter)將哈維爾(Havill)描述為“水彩學校的創始人”。

水彩畫的普及刺激了許多創新,包括較重且尺寸更大的編織紙,以及為水彩作品明確製造的刷子(稱為“鉛筆”)。水彩教程在此期間首次由Varley,Cox和其他人出版,並建立了逐步的繪畫指示,這些說明仍然是當今流派的特徵。自1857年首次出版以來,英國藝術評論家約翰·魯斯金(John Art Cruskin)的水彩教程是繪畫的元素。 “擦掉”(溶解)在工作室瓷器中或用於田間的便攜式金屬油漆盒中。化學的突破使許多新的顏料可用,包括合成的超胺藍色鈷藍色Viridian鈷紫鎘黃色,金黃色葡萄球菌蛋白鈷磷脂鉀),鋅白色和廣泛的碳酸鹽狂人湖。反過來,這些顏料刺激了所有繪畫媒體的更大使用,但在英國水彩畫中,尤其是拉斐爾派前兄弟會

溫斯洛·荷馬(Winslow Homer)藍色船,1892年

美國

約翰·辛格·薩金特(John Singer Sargent),白船布魯克林博物館

水彩畫在19世紀也在美國流行。傑出的早期從業者包括約翰·詹姆斯·奧杜邦(John James Audubon) ,以及早期的哈德遜河學校畫家,例如威廉·H·巴特利特(William H. Bartlett)喬治·哈維(George Harvey ) 。到本世紀中期,約翰·魯斯金(John Ruskin)的影響導致人們對水彩畫的興趣日益增加,尤其是使用詳細的“魯斯金尼亞人”風格,例如約翰·W·希爾·亨利( John W. Hill Henry),威廉·特羅斯特·理查茲(William Trost Richards) ,羅德里克·紐曼(Roderick Newman)和菲德利亞·布里奇斯(Fidelia Bridges)美國水彩畫的美國畫家學會(現為美國水彩學會)成立於1866年。媒介的19世紀末美國指數包括Thomas MoranThomas EakinsJohn Lafarge,John LafargeJohn Singer SargentChilde Hassam ,以及最重要的,最重要的溫斯洛·荷馬

歐洲

StanisławawawawawowowskiPejzaêJesiennyZ RybiniszekRybiniszki的秋季景觀),水彩畫,1902年

水彩在歐洲大陸不太受歡迎。在18世紀, Gouache是​​意大利藝術家Marco RicciFrancesco Zuccarelli的重要媒介,他們的景觀繪畫被廣泛收集。法國的許多藝術家也使用了水穀。在19世紀,英國學校的影響力在法國推廣了“透明”水彩,它成為尤金·德拉克羅伊斯(EugèneDelacroix)弗朗索瓦·馬里烏斯·格蘭內特(FrançoisMariusGranet)亨利·約瑟夫·哈皮尼斯(Henri-Joseph Harpignies )和諷刺作品HonoréDaumier的重要媒介。 Other European painters who worked frequently in watercolor were Adolph Menzel in Germany and Stanisław Masłowski in Poland.

PaulCézanne ,自畫像

採用了鮮豔的石油衍生的苯胺染料(以及從中加重的顏料),它們在暴露於光線時迅速消失,以及為了保存1857年大英博物館繼承的二十萬JMW Turner繪畫的努力,導致水彩中色素的持久性負重評估。這導致其狀況和市場價值急劇下降。然而,孤立的從業者繼續偏愛並發展到20世紀的媒介。保羅·西卡克(Paul Signac)創造了景觀和海洋水彩畫,保羅·塞贊(PaulCézanne)開發了一種水彩繪畫風格,包括完全重疊的純色小釉料。

20世紀和21世紀

Wassily KandinskyEmil NoldePaul KleeEgon SchieleRaoul Dufy在眾多20世紀的藝術家中,在水彩畫中製作了重要作品。在美國,主要指數包括查爾斯·伯奇菲爾德愛德華·霍珀佐治亞·奧基夫查爾斯·杜斯約翰·馬林(他的總工作量的80%是水彩畫)。在此期間,美國水彩畫經常模仿歐洲印象派和後印象派,但在1920年代至1940年代的“區域”水彩畫風格中蓬勃發展。特別是,以克利夫蘭藝術博物館為中心的畫家的“克利夫蘭學校”或“俄亥俄州學校”,加利福尼亞場景畫家經常與好萊塢動畫工作室或喬納德藝術學院(現為加利福尼亞藝術學院)有關。加利福尼亞畫家利用了其州多樣化的地理,地中海氣候和“自動行為”,以振興戶外或“ plein空氣”傳統。其中最有影響力的是Phil DikeMillard SheetsRex BrandtDong KingmanMilford Zornes 。加利福尼亞水色協會成立於1921年,後來更名為國家水彩學會,贊助了其作品的重要展覽。目前,世界上最大的水彩畫(在9英尺(3 m)高,寬16英尺(5 m))是建築物6肖像:內部。由美國藝術家Barbara PreyMass Moca委員會上製作,可以在Mass Moca的Robert W. Wilson大樓中看到這項工作。

儘管抽象表現主義的興起,以及業餘畫家和廣告或受研討會影響的繪畫風格的瑣碎影響,但在C之後,水彩繪畫的普及暫時下降了。 1950年瑪莎·伯奇菲爾德(Martha Burchfield) ,約瑟夫·拉斐爾( Joseph Raffael ),安德魯·韋斯(Andrew Wyeth),菲利普·帕爾斯坦(Philip Pearlstein),埃里克·菲斯( Eric Fischl),格哈德·里希特(Gerhard Richter),安塞爾姆·基弗(Anselm Kiefer),安塞爾姆·基弗Anselm Kiefer )和弗朗切斯科·克萊門特(Francesco Clemente)等藝術家繼續使用水彩。在西班牙,塞弗里·奧利維(CeferíOlivé)創造了一種創新的風格,其次是他的學生,例如拉斐爾·阿隆索·洛佩茲·蒙特羅(RafaelAlonsoLópez-Montero)和弗朗西斯·托恩·加瓦爾達(FrancescTornéGavaldà)。在墨西哥,主要指數是Ignacio BarriosEdgardo Coghlan ,ÁngelMauro,Vicente Mendiola和Velázquez牧師。在加那利群島(Canary Islands) ,這種繪畫技術有許多追隨者,有傑出的藝術家,例如弗朗西斯科·波尼·吉恩(FranciscoBonnínGuerín),何塞·comas Quesada和Alberto Manrique。

水彩油漆

一組水彩畫

水彩油漆由四種主要成分組成:顏料阿拉伯膠作為粘合劑,將顏料懸浮在懸浮液中;甘油牛膽蜂蜜和防腐劑等添加劑,以改變粘度,隱藏,耐用性或顏色的顏色和媒介物混合物;並且,蒸發水,作為一種用於稀釋或稀釋油漆的溶劑。

較為通用的水媒體是指任何使用水作為溶劑的繪畫介質,可以用刷子或噴霧器塗抹。這包括大多數墨水水彩畫彩蛋白酪蛋白水飾和現代丙烯酸塗料

“水彩”一詞是指使用水溶性,複雜的碳水化合物作為粘合劑的油漆。最初(在16到18世紀)水彩粘合劑是糖和/或隱藏膠水,但是自19世紀以來,首選的粘合劑是天然的阿拉伯膠,含甘油和/或蜂蜜作為添加劑,以提高粘液的可塑性和溶解度,並隨著其他化學品的添加以改善產品保質期。

BodyColor ”一詞是指不透明而不是透明的油漆。它通常是指不透明的水彩畫,稱為水粉。現代丙烯酸塗料使用丙烯酸樹脂分散劑作為粘合劑。

商業水彩畫

18世紀初之前的水彩畫家必須使用從藥劑師或專業的“ Colorman”購買的顏料自己製作塗料,並將其與阿拉伯膠或其他粘合劑混合。最早的商業塗料是小的樹脂塊,必須在水中潤濕並努力地“擦掉”以獲得可用的顏色強度。威廉·里夫斯(William Reeves)在1766年左右畢業於科爾曼(Colorman)。1781年,他和他的兄弟托馬斯·里夫斯(Thomas Reeves)因發明了潮濕的水彩塗料,以節省時間的便利性,授予藝術學會的銀色調色板。在英國水彩畫的“黃金時代”中引入。當被濕刷觸摸時,“蛋糕”立即可溶。

一個里夫斯的盒子

現代商用水彩油漆可在管,鍋和液體中提供。當今售出的大多數油漆都用標準尺寸可折疊的小型金屬管,並通過與某種水分混合,以與牙膏相似的一致性配製。為了使用,必須用水進一步稀釋這種糊狀物。鍋塗料(實際上是在開放的塑料容器中的小幹蛋糕或油漆棒)通常分兩種尺寸,完整的平底鍋和半鍋。

由於現代的工業有機化學,當今可用的藝術家顏色的多樣性,飽和度和永久性得到了極大的改善。現在,通過引入Hansa黃色phthalo BlueQuinacridone (PV 122),存在正確和無毒的原色。從這樣的三種顏色中,原則上所有其他顏色都可以混合在一起,因為在經典技術中,沒有使用白色。顏料的現代發展不是由藝術需求驅動的。藝術材料行業太小,無法在全球染料或色素製造上發揮任何市場槓桿作用。除極少數例外,例如金黃色葡萄球菌素,所有現代水彩畫都使用具有更廣泛工業用途的色素。油漆製造商按照工業標準非常小的供應這些顏料,並用車輛,溶劑和添加劑將它們磨碎,然後包裝。使用無機顏料的銑削過程(在更昂貴的品牌中)減小了粒徑,以改善用水塗抹油漆時的顏色流。

透明度

在19世紀英國藝術世界的黨派辯論中,Gouache與傳統的水彩畫形成了鮮明的對比,並因其高隱藏力或缺乏“透明度”而被貶低。 “透明”水彩畫被崇高。對不透明油漆的厭惡起源是,進入19世紀的鉛白色被用來提高覆蓋質量。在硫磺空氣污染的影響下,這種顏料很快傾向於變成黑色,完全破壞了藝術品。傳統的說法是“透明”水彩畫獲得了“光度”,因為它們的作用就像鋪設在紙上的彩色玻璃窗格,這種顏色加劇了,因為光線通過了色素,從紙上反射,並第二次通過色素通過色素。向觀眾走的方式是錯誤的。水彩油漆通常不會像丙烯酸或油漆一樣形成粘性油漆層,而只是將顏料顆粒隨機散佈在表面上。透明度是由粒子之間可見的紙張引起的。水彩可能比丙烯酸或油更生動,因為顏料以純淨的形式放置,幾乎沒有或沒有填充物(例如高嶺土)遮蓋顏料顏色。通常,大多數或全部的口香糖粘合劑將被紙吸收,從而阻止粘合劑改變色素的可見性。被吸收的口香糖不會減少,但會增加顏料對紙張的粘附,因為其顆粒然後更容易滲透纖維。實際上,口香糖的重要功能是促進顏色的“提升”(去除),如果藝術家想在彩繪區域中創建一個較輕的位置。此外,口香糖可防止顏料顆粒的絮凝

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